Classificação de todos os 7 álbuns de estúdio dos The Cars

 

The Cars fizeram seu primeiro show juntos em 1976. Dois anos depois, eles lançaram seu primeiro álbum autointitulado, um álbum que foi certificado 6x platina e que é amplamente considerado como uma das melhores estreias da história do rock. Quase dez anos e um punhado de álbuns de platina depois, os Cars se separaram, apenas para se reunir brevemente em 2011 para um álbum de reunião bem recebido. Aqui, vamos dar uma olhada em seu legado duradouro enquanto classificamos todos os sete álbuns do Cars do pior ao melhor.

7. Door to Door

 

Como diz 2loud2oldmusic.com , o que se tornaria o último álbum da era clássica da banda foi uma grande decepção, especialmente após o enorme sucesso de Heartbreak City. Em uma tentativa de recapturar a magia de seus álbuns anteriores, a banda tentou injetar a mesma energia e os mesmos truques em seu som. O problema era que o mundo da música havia mudado. Nos dez anos desde sua estreia, os gostos mudaram e ninguém queria ouvir uma repetição dos sucessos de ontem. O primeiro single, You Are the Girl, alcançou a posição 17 na Billboard 100, mas o resto mal foi registrado no Top 100. O álbum alcançou a posição 26 na Billboard 200 (a posição mais baixa nas paradas de qualquer álbum de estúdio de Cars). e dentro de um ano, a banda seguiu caminhos separados.

6. Panorama

Quando começaram a gravar seu terceiro álbum, os Cars estavam ansiosos para tentar algo novo. A abordagem minimalista de sua estreia ainda está intacta no Panorama, mas o som é mais agressivo e inovador . Comercialmente, teve menos sucesso do que qualquer álbum anterior ou posterior (com exceção de Door to Door, de 1987), mas considerando sua natureza experimental, isso não é muito surpreendente. Pode ter faltado grandes sucessos, mas é difícil culpar a coragem. Lançado em 15 de agosto de 1980, alcançou a 5ª posição na Billboard 200 e acabou sendo certificado como platina.

5. Move Like This

Após o fracasso comercial e de crítica de Door to Door, a banda se separou. Em 2011, eles se reuniram para um sétimo álbum - embora sem o baixista Ben Orr, que infelizmente faleceu de câncer no pâncreas em 2000. A ausência de Orr é palpável às vezes, mas Ric Ocasek claramente não perdeu nada de seu dom de lançar um clássico melodia pop, com destaques como Blue Tip, Hit Me e Sad Song se destacando bem contra os esforços anteriores da banda. Lançado em maio de 2011, o álbum ficou entre os dez primeiros da Billboard 200 e alcançou o segundo lugar na parada de álbuns de rock da Billboard.

4. Heartbeat City

 

Em 1984, os carros substituíram o colaborador de longa data Roy Thomas Baker pelo produtor Robert “Mutt” Lange. O resultado, Heartbeat City, é um esforço soberbamente polido, repleto do tipo de som de estúdio que pode soar datado para os ouvidos modernos, mas que exalava apelo comercial em meados dos anos 80. A abordagem brilhante claramente funcionou; os críticos o saudaram como um retorno à forma e um dos melhores álbuns pop puro em anos; sua lista de faixas tornou-se um elemento permanente nas estações de rock moderno e AOR; seus singles ficaram entre os dez primeiros; e um número suficiente de pessoas comprou o álbum para mandá-lo para o número três na Billboard 200. Foi sem dúvida um dos melhores álbuns de rock mainstream dos anos 80 – o único problema, como observa o Ultimate Classic Rock , é que os Cars nunca mais foram os mesmos. .

3. Shake It Up

O último álbum que os Cars fizeram com o produtor Roy Thomas Baker é Shake It Up. Depois que sua tentativa de ficar artística no Panorama teve uma recepção morna, a banda decidiu parar de experimentar e se divertir um pouco. Foi uma jogada sábia. Shake It Up pode não ser tão ousado quanto Panorama, mas é extremamente agradável, com um estilo new wave amigável ao rádio que se mostrou totalmente irresistível para o público do início dos anos 80. Sua faixa-título se tornou o primeiro hit da banda no top ten, o álbum alcançou a 9ª posição na Billboard 200, a Spin Magazine o nomeou um dos "50 melhores álbuns de 1981" e a lista de faixas tocou em todas as festas e noites de clube pelos próximos. anos – ou seja, foi um sucesso muito grande e muito merecido.

2. Candy-O

Após o grande sucesso de sua estreia autointitulada, as expectativas eram altas para a apresentação do segundo ano dos carros. Candy-O poderia ter sido uma grande decepção, mas o 'segundo álbum difícil' não provou ser mais desafiador para os Cars do que sua estreia. Comercialmente, era um saco misto, chegando quinze posições acima de sua estreia em No. 3 na Billboard 200 dos EUA, mas mudando 2 milhões de cópias a menos. Em termos de conteúdo, no entanto, é um sucesso absoluto. Ele começa com o alegre Let's Go (o primeiro single Top 20 da banda) e continua praticamente na mesma linha a partir daí, com músicas como a faixa-título, It's All I Can Do e Dangerous Type provando ser mais do que páreo para qualquer coisa no ou seu álbum anterior ou qualquer um posterior.

1. The Cars

Como o som mais alto diz, existem poucos álbuns na história do rock em que todas as músicas são vencedoras, mas a estreia autointitulada dos Cars é certamente um deles. Ric Ocasek sempre teve um talento especial para criar uma música pop, e aqui, ele oferece seu melhor lote de todos os tempos. Elliot Easton disse uma vez sobre o álbum: "Costumávamos brincar que o primeiro álbum deveria se chamar The Cars 'Greatest Hits". Eles podem ter querido dizer isso em tom de brincadeira, mas não teria sido muito errado. Não há um passo em falso em todo o álbum, com quase todas as suas nove canções se tornando um grampo de rádio de rock. Não foi um grande sucesso no início, alcançando a 18ª posição em seu lançamento em junho de 1978. Mas foi um gravador lento e agora é classificado como o álbum de maior sucesso de todos os tempos, tendo vendido mais de 6 milhões de cópias e alcançado o status de platina 6x . É, sem dúvida, o melhor álbum da banda,

Crítica ao disco de Markus Reuter - 'Sun Trance' (2020)

Markus Reuter - 'Sun Trance'

(7 de agosto de 2020, MoonJune Records)

Hoje apresentamos aqui um álbum muito especial: “Sun Trance”, um projeto musical de MARKUS REUTER, o famoso especialista em Touch Guitar que compôs esta obra encomendada pelo Prof. Dennis Kuhn em nome do Mannheimer Schlagwerk, um coletivo de treinamento musical experimental com sede na bela cidade alemã de Mannheim. Na verdade, a suíte reunida neste álbum – que dura quase 36 minutos e meio – foi gravada ao vivo na já citada cidade de Mannheim, mais especificamente, na casa de shows Alte Feuerwache, em 23 de maio de 2017. Três anos e um pouco depois, a gravadora MoonJune Records assumiu a publicação oficial deste item: exatamente, em 7 de agosto de 2020. REUTER, que assumiu o Touch Guitar e as paisagens sonoras, foi acompanhado por um grande conjunto que incluiu os vibrafonistas Dennis Kuhn e Ti-Hsien Lai ; Luis Andrés Chavarría Báez, no glockenspiel; Lukas Heckmann, ao glockenspiel e aos idiofones; os percussionistas Marius Fink e Oğuz Akbaş; Maria Wunder, no clarinete baixo; o guitarrista Patrick Baumann; o baixista Johannes Engelhardt; baterista Linda-Philomène Tsoungui; e Hye-Rim Ma, no sintetizador. Kuhn, um dos vibrafonistas, assumiu a direção musical do ensemble, que teve impacto na ênfase majestosa do papel das percussões tonais no quadro sonoro da suite. Definitivamente, o etéreo e o ondulado são os signos essenciais que definem esta obra gestada na mente do mestre REUTER. que teve um impacto na ênfase majestosa do papel das percussões tonais dentro da estrutura sonora da suíte. Definitivamente, o etéreo e o ondulado são os signos essenciais que definem esta obra gestada na mente do mestre REUTER. que teve um impacto na ênfase majestosa do papel das percussões tonais dentro da estrutura sonora da suíte. Definitivamente, o etéreo e o ondulado são os signos essenciais que definem esta obra gestada na mente do mestre REUTER.

Vejamos os detalhes da própria suíte. As percussões tonais dão o tom inicial com sua sequência repetitiva sonhadora que cria ondas delicadas e cristalinas enquanto uma camada minimalista de teor cósmico persiste no subsolo como lava adormecida. Mais tarde, alguma ligeira variação nas cadências percussivas gesta o que parece ser uma vivacidade muito subtil até que, pouco antes de chegar à fronteira do sexto minuto, tudo se volta para um exercício de lirismo atmosférico com um posicionamento parcimonioso dos elementos progressivos que se situam a meio caminho entre o paradigma de MIKE OLDFIELD e uma modalidade de rock de câmara onírica. O trabalho da bateria, que em algumas ocasiões abre alguns pequenos caminhos estratégicos de pouco brilho, estabeleça o ritmo certo para essa agilidade suave que dá um novo giro à névoa sônica reinante. Quando os tambores param, a combinação de percussões tonais e vibrantes assumem exclusivamente as cadências que agora marcam o desenvolvimento temático, mas também são relevantes as flutuantes orquestrações de sintetizadores e paisagens sonoras que emergem num fundo próximo. Sendo assim, quando a dupla rítmica retorna, o bloco sonoro parece um pouco mais cheio; aliás, a aura sonhadora anterior é substituída por outra mais melancólica, embora o império do etéreo persista de forma inapelável. Os ornamentos das guitarras (muito Frippian em termos de estilo explícito) são estruturados de forma muito cuidadosa, encarregando-se sobretudo de preencher alguns espaços aludidos pelas orquestrações sintetizadas... e, aliás, de criar alguma sóbria extravagância ao longo do caminho a partir da qual o bloco global pode aspirar ao seu nível máximo de intensidade expressiva. Uma nova seção surge em torno da fronteira do minuto 23, outro momento de introspecção sonhadora, embora desta vez haja um clima levemente inquieto na forma como os vibrafones assumem uma impostura grave acima das camadas de sintetizadores. É neste momento que, regressado o duo rítmico, o conjunto cria uma atmosfera ligeiramente densa, à maneira de uma evocação de um pôr-do-sol imemorial. O solo de guitarra curto e quente que surge neste momento é cheio de vibrações nostálgicas. Os últimos quatro minutos são focados na reformulação do motivo e da atmosfera de abertura, mas há dois detalhes especiais nesta seção do epílogo: no aumento do teor abstrato que impulsiona a paisagem sonora de fundo e; a cor extra que o clarinete traz à medida que os vibrafones diminuem gradualmente a tônica de suas cadências.

É o que nos oferece “Sun Trance”, um exercício mágico e esplêndido de exortações ao Rei Sol que MARKUS REUTER compôs com uma inspiração tremendamente lúcida e que o conjunto Mannheimer Schlagwerk transformou num estupendo manifesto de beleza vanguardista. Raramente testemunhamos como a leveza envolvente do ar e a delicadeza ondulante da água podem se enredar e se fundir na arte do som, mas é exatamente isso que foi alcançado com esta obra musical. Um álbum fantástico que recomendamos vivamente.

---

- Amostras de 'Sun Trance':

Crítica ao disco dos Asia Minor - 'Points of Libration' (2021)

 Asia Minor - 'Points of Libration'

(29 de enero de 2021, AMS Records)

É uma grande alegria poder apresentar o álbum de retorno do lendário grupo turco-francês ASIA MINOR, que várias décadas após sua dissolução no início dos anos 80, retorna ao ringue com seus co-líderes Setrak Bakirel e Eril Tekeli. O novo álbum é intitulado "Points Of Libration" e foi lançado pela gravadora japonesa Marquee no último terço de dezembro do ano passado 2020, a gravadora turca Rainbow45 Records em meados de janeiro passado e a gravadora italiana AMS Records no final do mesmo janeiro. A edição japonesa é em CD, enquanto as turcas e italianas são em vinil (com ambas as apresentações em turquesa e preto). Bakirel [guitarras e vocais] e Tekeli [flauta e guitarras] completam esta reencarnação do ASIA MINOR com a presença de Evelyne Kandel [baixo], Micha Rousseau [teclados e vocais] e Julien Tékéyan [bateria]. O grupo foi formado em Paris em 1973 por iniciativa de três jovens turcos que já se conheciam em seu país natal, onde começaram a sonhar em formar seu próprio grupo. Dois dos três (Bakirel e Tekeli, claro) seguiram com o projeto ao longo dos anos 70 em busca de um tão esperado contrato de gravação, tendo também alguns músicos franceses em sua formação. Em trio, em 1979, foi concluído o álbum de estreia “Crossing The Line”, e no ano seguinte, em quarteto, o segundo e último “Between Flesh And Divine”. A sua insígnia progressiva era marcada por uma sinfonia de influências camelianas, genésias, pulsarianas e tullianas, com a sua componente étnica evidentemente assente nos ares folclóricos da Pátria dos dois codirigentes. Nós iremos, agora esse segundo álbum tem que ser designado como o último dessa fase, já que agora tem "Points Of Libration" como o novo item fonográfico do grupo. Este álbum está a germinar há vários anos, pois em 2015 esta nova encarnação do ASIA MINOR já dava concertos em França, polindo o seu material antigo e compondo novas canções, e nos anos posteriores, participaram em festivais internacionais onde foram bem recebidos como lendas. Vivendo da era de ouro do gênero progressivo. O que exatamente eles eram... e ainda são. Pois bem, em 2015 esta nova encarnação do ASIA MINOR já dava concertos em França, lapidando o seu material antigo e compondo novas canções, e nos anos posteriores, participaram em festivais internacionais onde foram bem recebidos como lendas vivas da era de ouro do gênero progressivo. . O que exatamente eles eram... e ainda são. Pois bem, em 2015 esta nova encarnação do ASIA MINOR já dava concertos em França, lapidando o seu material antigo e compondo novas canções, e nos anos posteriores, participaram em festivais internacionais onde foram bem recebidos como lendas vivas da era de ouro do gênero progressivo. . O que exatamente eles eram... e ainda são.

A missão de abrir “Points Of Libration” repousa sobre os ombros de 'Deadline Of Lifetime', uma música que dura quase 8 minutos. Expectativas camadas introdutórias de teclado e os efeitos sonoros de uma máquina recém-ligada servem como base para algumas solenes frases de baixo, logo acompanhadas por algumas linhas esparsas de guitarra e alguns fragmentos de flauta; prepara-se assim o caminho para a emergência enérgica de uma atraente ponte assente numa complexa arquitectura rítmica, que nos conduz a um corpo central cujo halo tranquilo se maneja com esplendor luminoso. É como se a espiritualidade musical do segundo disco da banda tivesse viajado até aos nossos dias através de uma máquina do tempo para semear uma nova colheita. Um zênite para começar. Com a dupla de 'In The Mist' e 'Crossing In Between' – duas canções que variam de 3 ½ minutos a 3 ¾ minutos de duração – o conjunto está pronto para continuar explorando suas novas forças criativas. O primeiro destes temas tem ares sólidos de fusão que nos remetem claramente a recordações com JETHRO TULL da fase 77-79 e CAMEL do período 75-77; a flauta assume um papel preponderante no som do grupo. Claro, é o teor exótico do desenvolvimento temático que marca a essência desta canção. Quanto ao segundo tema mencionado, ele exibe uma atmosfera pastoral e reflexiva com fortes raízes folclóricas. Um bom momento de introspecção após os requintados tumultos de cor musical nas duas primeiras faixas. A quarta música do álbum se chama 'Oriental Game' e também é a mais longa do álbum com seu espaço de quase 9 minutos e meio. Preservando em grande parte o espírito reflexivo da canção anterior, ela a investe de uma sofisticação sinfônica notoriamente maior. A clareza melódica e a sobriedade etérea do groove predominante permitem ao grupo ter confluências com outras bandas de língua francesa como EDHELS e ECLAT. (E agora percebemos como os ASIA MINOR foram uma forte influência nestes...) No meio do caminho, o groove torna-se mais gracioso e a flauta passa a liderar o desenvolvimento melódico, sendo seguida pela guitarra solo; enquanto isso, a dupla rítmica faz enfeites engenhosos em seu trabalho de apoio. Assim, a música caminha para um final atraente e climático,

A segunda metade do álbum começa com 'The Twister', uma música que começa com sons de protestos públicos e uma música inicial que reivindica a falta de oportunidades de cidadania. Arranjado todo o bloco instrumental, a canção assume e desenvolve vibrações melódicas solenes que emanam um ar de gravidade, por vezes, de raiva contida. Aos poucos, a música ganha força expressiva até o momento final, tornando-se a peça mais musculosa desse repertório. A coda consiste em novos ruídos de protestos de rua. Quando chega a vez de 'Melancholia's Kingdom', o grupo retorna ao caminho do lirismo introspectivo com suntuosa regalia prog-sinfônica, que é fornecida principalmente pela fusão de guitarra e teclados. Uma exploração relativamente Camelian com mapeamento no estilo da ASIA MINOR. 'Urban Silk' perpetua esta estratégia enquanto aumenta o clima sonhador através do uso de uma fórmula de compasso calma 7/8 e orquestrações de teclado simples. A presença do fator folclórico também se faz sentir em algumas acentuações da flauta. À medida que o esquema musical atual progride, os teclados aumentam seu alcance (incluindo alguns breves solos de órgão) e tudo se torna majestoso novamente. Uma peça muito imponente por si só. 'Radyo Hatırası' fecha o álbum em seis minutos ímpares de esplendor melódico comovente. Sua estrutura musical e esquema melódico carregam abundantes ares mediterrâneos em seu som essencialmente pastoral; é assim que a coluna vertebral de sua primeira seção é pregada. A segunda seção muda acentuadamente para uma exibição impetuosa de extroversão sinfônica progressiva (em uma espécie de híbrido GENESIS/JETHRO TULL), conseguindo dar ao álbum um fechamento contundente e retumbante. Essas duas últimas músicas funcionaram muito bem como destaques absolutos.

Como balanço final, deve-se destacar, antes de tudo, que a ÁSIA MENOR é novamente uma realidade concreta dentro do cenário mundial progressista; “Points Of Libration” é seu manifesto claro e inconfundível para o tipo de vibração criativa ainda disponível para esta ilustre entidade musical. Um distinto ponto de retorno para uma banda que nos deixou alguns dos mais belos discos do final dos anos 70; agora há algo mais no currículo da ASIA MINOR que dignifica plenamente esse belo legado. Um dos melhores deste ano que acaba de começar (ou do final do ano passado, se olharmos para a edição japonesa).

- Amostras de 'Points of Libration':

Deadline Of Lifetime:

Oriental Game:

Urban Silk:

Disco Imortal: Rage Against the Machine – The Battle of Los Angeles (1999)

 

Epic Records, 1999

Depois de literalmente incendiar musicalmente os anos 90 com dois álbuns de valor, como o incrível debut de 1992 —sua apresentação ao mundo de uma visão totalmente enraizada no clamor e protesto social, com violência e atitude—, e reafirmar seu passo com os dois dardos anti-imperialistas separados de «Evil Empire» (1996) Rage Against the Machine não teve escolha senão consolidar a sua posição com mais do mesmo, desta vez com um álbum que não foi menos contra-ataque e em grande parte baseado nos postulados orwellianos daquele grande obra chamada "1984", cheia de revolução em um mundo cheio de ditadura, controle e repressão.

Mas é interessante, nem tudo no mundo do RATM é um único visual. E nem tudo pretende o mesmo fim, embora a linha do meio seja construída a partir de cuspes de fogo revolucionário vistos de diferentes áreas, Rage nos ensina coisas com cada um de seus álbuns, reivindica heróis rebeldes e acusa injustiças como ninguém. Lá vão de novo os slogans para executar o prisioneiro político ou a chamada às armas aos camponeses mexicanos rebeldes, "as armas do som acima do solo" ("a arma do som acima do solo"), termo que os define muito bem como banda, como dizia a letra daquele primeiro single certeiro "Guerrilla Radio", cheio de groove, potência, muito ouvido, mas ao mesmo tempo muito irado, algo que marcou esse álbum que se gabava de ter muitos singles bons e com muita rotação no os rádios.

A sabedoria e o estilo de Tom Morello beiram as grandes coisas, tem um vídeo por aí onde ele ensina aquela famosa "técnica do helicóptero" que rendeu tão bons dividendos para este álbum e posteriormente com o Audioslave. "Mic Chec" é um exemplo agradável disso, este álbum foi inserido mais no musical, na instrumentação, do que no riff pesado como ficou evidente nos dois primeiros álbuns. Enquanto De la Rocha nos dá as boas-vindas com um grande grito em "Testify", os acenos ao proto punk e ao retro funk mais uma vez explodem nossas cabeças com uma abertura de sonho para um álbum de metal alternativo, as proclamações políticas de "Voice of the Voiceless" afirmam sobre "Minha pantera, meu irmão / Estamos em guerra até que você esteja livre"), trazendo diretamente algo semelhante ao que haviam feito com a prisão injusta de Leonard Peltier em "Freedom",

A garra e a personalidade de seus dois grandes bastiões, Zack de la Rocha e Morello, é o espírito de tudo, o sangue e a vontade de gritar na cara dos adolescentes americanos um pouco da cultura e da verdade sobre seu próprio país. 'Calm Like a Bomb' e a densidade dos altos e baixos daquele baixo distorcido e do rap pungente de De la Rocha nos mostra como Public Enemy esse disco pode soar, com toda aquela fúria quase ao nível de terroristas. 'Born of a Broken Man' goza de riffs numa canção metafórica que goza também de uma certa heresia em relação à religião cristã, mas o álbum continua a falar-nos de Orwell, da utopia, do "irmão mais velho" e daquele ser omnipotente que tudo olha para ele , que observa todos os nossos passos. "Sleep Now in the Fire" foi o grande burro de carga,

A verdade é que é uma agenda de encontros e coisas a descobrir. A banda insiste no seu conceito, que aliás já nos fez pensar em tudo o que nos ensinam nas escolas sobre holocaustos, guerras e, sobretudo, a cultura do governo americano, da CIA ou do FBI que tanto estrago fizeram. aos povos indígenas e latinos. A densa e envolvente infestação de rap de 'Born as Ghosts' continua a dizer-nos que há muito sangue negro aqui e 'War Within a Breath' fecha um álbum de proporções quase épicas em termos de conteúdo e música cheia de vibrações e poder .

É a última das músicas originais, um trabalho que não é enfadonho, apesar dos anos já (20) que seus integrantes já fizeram muitas outras coisas por aí, é um álbum que nos deixou extremamente viúvos por uma banda única no gênero e que há pouco tempo conquistou um lugar triunfante na história do rock de todos os tempos.

Disco Imortal: Queens of the Stone Age – Rated R (2000)

Interscope Records, 2000

Muitos anos se passaram desde que este álbum foi lançado, posicionando o Queens of the Stone Age como uma das bandas de rock mais influentes dos últimos 20 anos. Naquela época, isso não podia ser medido, mas hoje, bastaria imaginar um mundo sem Josh Homme para concluir que isso significaria a inexistência de Kyuss, nem de Queens of the Stone Age e de outros bandas posteriores que beberam da influência e talento deste grande músico; Foo Fighters, Arctic Monkeys e projetos como Eagles of Death Metal e Them Crooked Vultures não seriam o que são. Josh Homme já é um imponente membro da raça privilegiada do rock, mas para que isso acontecesse trabalhou duro para soar o alarme com o nome homônimo de QOTSA em 1998, acabando por levar sua banda ao seleto pódio do rock com "Rated-R",

Com Nick Lucero na bateria e o encrenqueiro Nick Oliveri no baixo, “Rated-R” é o primeiro grande trabalho do QOTSA ao reunir uma música saída do mais puro hard rock dos anos 70, que esbanja devoção ao Led Zeppelin e ao Cream, mas que também viaja ao rock progressivo e resgata o mais selvagem do punk. Esse avanço significou uma profunda conversão, pois era um adeus ao seu apego ao maconheiro para faturar um álbum mais variado em sonoridades mas, além disso, se graduaria como sujo e lascivo aos olhos da opinião especializada.

Convenhamos que este brilhante resultado não teria sido possível sem a colaboração de convidados muito relevantes, algo que seria uma tónica na carreira posterior da banda. Rob Halford, do Judas Priest, Chriss Gross, Mark Lanegan, a voz sobrevivente do grunge e outros ajudaram a polir esse diamante chamado “Rated-R”, que abre com um chute no rosto. “Feel Good Hit of the Summer” é um hino de partir o coração que deu ao álbum aquele sopro de perigo, aquele personagem sem vergonha. A repetição viciosa e doentia do refrão "Nicotine, Valium, Vicodin, Marijuana, Ecstasy and Alcohol" não ofuscou a veia poética de Homme, pelo contrário, causou tal impacto que esta canção graduou-se como imperdível dentro da discografia da banda. Variando o tom, surge o pop maluco de “The Lost Art of Keeping a Secret”, que desacelera e nos apresenta um Josh muito melhor no microfone; o tema foi um sucesso total. “Leg of Lamb” e sua interessante variação funky, enquanto os harmoniosos meios-tempos de “Auto Pilot” são os melhores momentos desta obra. Aqui, Oliveri assume o trabalho vocal enquanto Homme cuida das cordas e bateria. Mark Lanegan participa de um trabalho mais secundário, acompanhando Oliveri nesta demonstração sincera e emocional. “In the Fade” segue o mesmo caminho, mas com a voz de Lanegan liderando o discurso dos californianos. Por mais pungente que seja, ela tem muito ar alternativo e o sentimento a escapa a cada acorde. É tremendo. Esses momentos são os mais brilhantes. enquanto os harmoniosos meios-tempos de “Auto Pilot” são os melhores momentos desta obra. Aqui, Oliveri assume o trabalho vocal enquanto Homme cuida das cordas e bateria. Mark Lanegan participa de um trabalho mais secundário, acompanhando Oliveri nesta demonstração sincera e emocional. “In the Fade” segue o mesmo caminho, mas com a voz de Lanegan conduzindo o discurso dos californianos. Por mais pungente que seja, ela tem muito ar alternativo e o sentimento a escapa a cada acorde. É tremendo. Esses momentos são os mais brilhantes. enquanto os harmoniosos meios-tempos de “Auto Pilot” são os melhores momentos desta obra. Aqui, Oliveri assume o trabalho vocal enquanto Homme cuida das cordas e bateria. Mark Lanegan participa de um trabalho mais secundário, acompanhando Oliveri nesta demonstração sincera e emocional. “In the Fade” segue o mesmo caminho, mas com a voz de Lanegan liderando o discurso dos californianos. Por mais pungente que seja, ela tem muito ar alternativo e o sentimento a escapa a cada acorde. É tremendo. Esses momentos são os mais brilhantes. acompanhando Oliveri nesta demonstração sincera e emocional. “In the Fade” segue o mesmo caminho, mas com a voz de Lanegan conduzindo o discurso dos californianos. Por mais pungente que seja, ela tem muito ar alternativo e o sentimento a escapa a cada acorde. É tremendo. Esses momentos são os mais brilhantes. acompanhando Oliveri nesta demonstração sincera e emocional. “In the Fade” segue o mesmo caminho, mas com a voz de Lanegan liderando o discurso dos californianos. Por mais pungente que seja, ela tem muito ar alternativo e o sentimento a escapa a cada acorde. É tremendo. Esses momentos são os mais brilhantes.

Apoiado na colaboração lúcida de Mark Lanegan, Oliveri solta o punk em “Quick and to the Pointless” e “Tension Head”, enquanto “Better Living Through Chemistry” nos permite beber uma boa dose de psicodelia. Este tema é poesia nas suas letras e, musicalmente, são 6 minutos de gigantesco desenvolvimento instrumental que lhe conferem um tom sombrio e turvo. Sublime. “Monsters in the Parasol” é bem mais animada mas ainda mantém aquele toque insano, principalmente no refrão já que as guitarras transmitem muita inquietação. A maravilhosa beleza de “Lightning Song” e a definitiva “I Think I Lost My Headache” são os movimentos finais de Homme para entregar um xeque-mate, um tudo ou nada perfeito para o clímax de “Rated R”;

Desesperado, complexo e eclético. “Rated-R” permitiu a experimentação com o som das guitarras, constituindo um momento inovador, transgressor, e que marcaria uma linha para o som que viria nas décadas seguintes. “Rated-R” foi uma influência para o futuro e aí reside a sua relevância, ao mesmo tempo que elevava Josh Homme à categoria de criador essencial e letrista poético. Este disco foi uma folha em branco onde escreveu a sua própria linguagem, para não falar da potência estratosférica do baixo de Oliveri como condimento essencial ao marcar o percurso musical que o Queens of the Stone Age iniciou, que viria a ser endossado até ao cansaço dois anos depois , com a excepcional “Canções para Surdos”.