Dolly Parton, Linda Ronstadt e Emmylou Harris 'Trio': Soaring Sisterhood

 

No que diz respeito às parcerias vocais, o vínculo entre Dolly Parton , Linda Ronstadt e Emmylou Harris está entre os mais puros, uma irmandade ostentando uma mistura vocal celestial, enraizada na admiração mútua e na pura alegria de fazer música. Trio , o álbum de 1987 que chegou muito depois de Crosby, Stills e Nash inspiraram a maquinaria de criação de estrelas a produzir mais joint ventures mercenárias, brilha com uma beleza sônica sem esforço enquadrada na modéstia duradoura da música country tradicional.

A constelação Parton/Ronstadt/Harris começou sua formação em 1973, nos bastidores do local de Houston onde Ronstadt estava abrindo para a turnê Time Fades Away de Neil Young. Foi lá que Chris Hillman, o ex-aluno dos Byrds e Flying Burrito Brothers que logo se envolveria em seu próprio suposto supergrupo com JD Souther e Richie Furay, apresentou Ronstadt a um jovem cantor em ascensão chamado Emmylou Harris. Hillman sugeriu que os dois poderiam se dar bem, assim como ele havia sugerido dois anos antes para Gram Parsons, quando aquele ex-Burrito estava procurando uma cantora de harmonia.

eu. à direita: Linda Ronstadt, Dolly Parton, Emmylou Harris

Anos depois, Harris se lembraria daquele encontro com um sorriso. “A primeira coisa que as cantoras fazem quando se encontram é perguntar umas às outras: 'Quem é sua cantora favorita?' E nós dois dissemos: 'Dolly'”, lembrou Harris. Em retrospectiva, a admiração mútua era natural. Ronstadt estava então à beira da descoberta da platina com Heart Like a Wheel de 1974 , enquanto Harris floresceu sob a influência de Parsons para mergulhar na música country. Ambas as mulheres começaram como cantoras folk antes de traçar caminhos de volta às suas raízes no sudoeste de Ronstadt e no sul profundo de Harris. Ambos tinham a mesma idade, ambos dependiam principalmente do material de outros escritores e ambos aceitariam convites para cantar em discos de outros artistas.

Onde Ronstadt e Harris foram identificados com a comunidade do rock de LA, Parton foi percebido por meio de links para estrelas country mais antigas de Nashville. No entanto, Parton era apenas um ano mais velha, seu histórico mais longo era o resultado de uma carreira precoce lançada no início da adolescência, antes de ela escapar de seu pequeno vilarejo no leste do Tennessee para o Music Row de Nashville. Lá, ela rapidamente fez incursões como compositora antes que o veterano country Porter Wagoner se tornasse seu mentor, apresentando-a em seu programa de TV sindicalizado e gravando com ela como uma dupla, o que a levou a seu próprio contrato de gravação solo. O fato de Ronstadt e Harris admirarem a arte de cantar de Parton e não apenas sua voz luminosa foi confirmado por seus próprios covers das canções de Parton a partir de 1975.

A música country foi o denominador comum para todos os três cantores nos anos 70, mas cada um seguiu um caminho diferente. Ronstadt ajudou a mapear a linha de falha do country-rock em Los Angeles, Harris seguiu as obsessões country de Parsons de volta às suas fontes tradicionais e Parton divergiu de sua longa sequência de sucessos country para cruzar o sucesso pop, bem como a notoriedade na TV e no cinema. Foi no programa de TV de Parton que os três primeiros entrelaçaram suas vozes em harmonias angelicais em canções country familiares.

Veja o trio cantando “Silver Threads and Golden Needles” em 1976

Ronstadt, Harris e Parton tocando juntos em 1987

Em 1978, seu relacionamento pessoal e musical nutriu um objetivo comum de gravar juntos, mas o ímpeto de suas carreiras solo empurrou as balizas para o futuro. Suas primeiras apresentações em estúdio apareceram como destaques em três dos álbuns de Harris, começando com o tema natalino de 1979 Light of the Stable. Finalmente, em 1987, as mulheres limparam seus horários e começaram a trabalhar em seu ápice vocal há muito atrasado, montando um repertório que encolheu os ombros das tendências do momento para revisitar as cadências sertanejas de suas primeiras apresentações.

“The Pain of Loving You” de Dolly Parton e Porter Wagoner oferece um ponto de entrada natural para o Trio , com todas as três vozes declamando o refrão do título antes de Harris assumir os versos solo. Com cada um trazendo um amplo alcance vocal para o microfone, sua capacidade de alternar entre tônica, terceira e quinta harmonias é apenas uma de suas ferramentas formidáveis; arranjos espaçosos enraizados no country tradicional desmentem as credenciais de primeira chamada de LA do conjunto de estúdio enquanto eles erguem uma treliça de violões, bandolim e rabeca. Parton assume o papel principal em outro drama country padrão, “Making Plans”, sua assinatura vibrando com a essência do coração partido.

Sem alterar abruptamente a instrumentação, eles se voltam para o pop e rock 'n' roll dos anos 50, como haviam feito anteriormente ao cobrir a confecção pop do grupo de garotas Chordettes, “Mr. Sandman”, lançado no álbum Evangeline de Harris . O primeiro grande sucesso de composição de Phil Spector, “Conhecê-lo é amá-lo”, inspirado no epitáfio na lápide de seu pai, traduz-se facilmente em desejo romântico, com o dolorido registro do meio de Harris, um contraste digno em uma performance que rendeu o primeiro lugar no país golpe único.

A alta e solitária soprano de Parton brilha tanto em seu próprio material quanto em covers, incluindo “Those Memories of You”, um canto fúnebre de bluegrass ao luar, editado pela primeira vez por Bill Monroe em 1978, mas soando décadas mais velho.

O produtor George Massenburg e a banda blue chip sustentam o senso de espaço e tempo musical, enquanto as escolhas das músicas invocam as primeiras raízes country (“Hobo's Meditation” de Jimmie Rodgers, com Ronstadt conduzindo os solos, “My Dear Companion” de Jean Ritchie liderada por Harris, e a liderança delicada de Parton em “Rosewood Casket”), e gospel tradicional (o padrão de encerramento, “Farther Along”), abrindo espaço para duas apresentações brilhantes de compositoras contemporâneas.

Ronstadt carrega os versos solo em “Telling Me Lies”, escrita por Linda Thompson (com Betsy Cook) enquanto ela se recuperava do rompimento de sua parceria musical e conjugal com o pioneiro do folk-rock britânico Richard Thompson. Ronstadt começa os versos solo com uma resignação gentil, tornando suas acusações de traição romântica ainda mais devastadoras: mantendo/estou quebrando”. É aqui que o design do Trio se abre para explorar o drama pop, servido generosamente pelo arranjo orquestral arrebatador de David Campbell e pelo piano elétrico Wurlitzer de Bill Payne. O refrão sobe como se despertasse para a terrível verdade enquanto Ronstadt canta: “Eu cubro meus ouvidos, fecho meus olhos/ainda ouço sua voz e ela está me contando mentiras, me contando mentiras…”

Harris e Ronstadt ajudaram a homenagear seu parceiro de trio no tributo MusiCares de Parton em 8 de fevereiro de 2019

Se os outros singles do Trio marcaram em grande parte com o bálsamo auditivo dessas harmonias de platina, “Telling Me Lies” alcançou a posição # 3 na parada de singles country e ganhou uma indicação ao Grammy como Melhor Canção Country ao elevar um tropo country - outra música trapaceira - com uma autenticidade angustiante. Também se destaca como um precursor de "I've Had Enough" de Kate McGarrigle, com Ronstadt novamente realizando os solos em um veredicto de derrota emocional, uma sequência de olhos secos para a balada de Thompson forjada no próprio casamento fracassado de McGarrigle com Loudon Wainwright III (que , por coincidência agridoce, tornou-se amigo e colaborador de Richard Thompson).

Contra um piano sobressalente e apresentada em versos concisos, a música documenta as lágrimas derramadas, o amor ignorado e a decisão fatídica de partir, com uma alusão discreta aos filhos enquanto Ronstadt canta: “E se você escolher / eu darei a notícia /Esta parte é difícil/Muito difícil.”

O lançamento de 2 de março de 1987 ganharia o Grammy de Melhor Grupo Country ou Gravação Duo, levaria quatro singles para o top 10 do Country e ganharia o status de álbum de platina, unindo o público pop e country sem se esforçar para um cruzamento comercial. Sua celebração sonora da irmandade foi informada por um feminismo gentil, mas não menos consciente, que pode ter sido negligenciado na época (e certamente teria sido uma década antes) pelo que mais tarde seria codificado como o olhar masculino.

Uma sequência mais solta e variada gradualmente tomaria forma na década seguinte, com várias faixas iniciais inicialmente lançadas no retorno de Ronstadt ao country-rock em 1995, Feels Like Home , para o qual as partes de Parton foram removidas a pedido dela, devido a conflitos contratuais. . Posteriormente, seriam restaurados para inclusão no Trio II , lançado em 1999.

Vídeo Bônus: Assista aos cantores do 'Trio' fazendo um cover de "After the Goldrush" de Neil Young no The Late Show com David Letterman , 24 de março de 1999

Talking Heads ‘More Songs About Buildings and Food : música artística

Tendo se colocado no mapa com seu debut Talking Heads '77 e seu single "Psycho Killer", Talking Heads não teve medo de injetar um nível ainda mais alto de espontaneidade e diversão nas sessões de acompanhamento. Se o primeiro álbum deles soou, nas palavras de Frank Rose do The Village Voice , “como um ataque epilético bem orquestrado”, o que poderia acontecer se o quarteto convidasse o produtor Brian Eno para supervisionar o próximo? “Quando você encontra algo novo na arte, você tem a sensação de estar ligeiramente deslocado”, disse Eno depois de conhecer a cena punk e “no wave” na cidade de Nova York, da qual Talking Heads era uma parte importante. “E com isso estão as conotações emocionais que são levemente ameaçadoras e sedutoras.”

Para o baterista do Talking Heads, Chris Frantz, os “talentos especiais” de Eno combinam com os seus. Como ele disse a Ian Birch da Melody Maker na época, “Parecia que cada ideia que ele tinha nós pensávamos ser uma boa ideia… Ele seria a primeira pessoa a admitir que não é um virtuoso no sentido de que ele interpreta um verdadeiro chefe guitarra ou piano... Estávamos todos completamente abertos à ideia de ele 'tratar' o som. Ele fez isso em quase todos os instrumentos, distorcendo, alterando ou intensificando o som.”

Talking Heads (da esquerda para a direita): Chris Frantz, Tina Weymouth, Jerry H

Trabalhando no Compass Point Studios nas Bahamas durante março e abril de 1978 no LP eventualmente apelidado de More Songs About Buildings and Food, David Byrne (vocal, guitarra, percussão sintetizada), a baixista (e esposa de Frantz) Tina Weymouth e o ex-multi-instrumentista do Modern Lovers, Jerry Harrison, poderiam aproveitar as vantagens de taxas horárias mais baratas, clima glorioso e o console de mixagem Sony MCI que Eno preferia para seus trabalhos anteriores com Devo, David Bowie e outros. As faixas básicas foram supostamente concluídas em cinco dias - principalmente a primeira ou a segunda tomada - o que permitiu três semanas dedicadas à experimentação, com um espírito espontâneo e colaborativo fomentado por Eno, que contribuiu com suas próprias partes instrumentais e vocais aqui e ali enquanto as faixas eram desenvolvidas. . Weymouth elogiou como Eno e o engenheiro Rhett Davies microfonaram a sala e seus instrumentos e disse: "Deixamos todos os erros e ficamos igualmente felizes com o resultado."

A estética dos Talking Heads foi altamente influenciada pelo mundo da arte moderna (Franz, Weymouth e Byrne frequentaram a Rhode Island School of Design, embora Byrne não tenha se formado). Musicalmente, eles ignoraram as fronteiras e as limitações de gênero: Frantz disse uma vez àRolling Stone, “A grande diferença entre nós e os grupos punk é que gostamos de KC and the Sunshine Band e Funkadelic/Parliament,” e Harrison insistiu ao jornalista Joe Nick Patoski, “Nós não se encaixa na categoria de ninguém, então teremos que criar a nossa própria.”

Quanto às melodias, em 2003, o escritor principal Byrne olhou para os primeiros álbuns do Talking Heads em seu encarte para o conjunto de caixas Once In A Lifetime , escrevendo: “As canções têm uma ressonância emocional perturbadora que eu provavelmente não apreciei no início. tempo. Eles são, agora me parece, o trabalho de uma mente bastante perturbada - a minha - que estava usando essa escrita e performance para descobrir como estar no mundo... A sintaxe bizarra e a perspectiva distorcida que produziram essas canções são irrepetíveis... um presente de um estranho, e esse estranho sou eu.”

Lançado em 14 de julho de 1978, More Songs About Buildings and Food alcançou a 29ª posição na parada nacional de álbuns da Billboard , e sua versão de “Take Me To the River” de Al Green, a única não original no set, tornou-se o segundo single pop improvável do grupo.

“Thank You for Sending Me An Angel” abre o álbum com uma batida galopante e um conjunto implacavelmente circular de letras, entregue em um estilo soluçante por Byrne, totalmente comprometido com letras que não dão significado facilmente: “Você pode olhar, você vai andar em círculos ao meu redor/Mas primeiro, eu vou andar em círculos ao seu redor/Mas primeiro, eu vou andar ao redor do mundo.” Com pouco mais de dois minutos, termina abruptamente antes que você consiga recuperar o fôlego. Segue-se o funk mutante de “With Our Love”, uma das várias canções que dependem do baixo fluido de Weymouth, sobreposição de staccato ou linhas de guitarra sinuosas, mudanças de tempo e a alternância de Byrne entre engolir em seco, ganir e gritar letras que são assertivamente agressivas e irônicas. -bochecha: “Esqueceu o problema, esse é o problema/Com o nosso amor.”

“The Good Thing” tem uma pitada de “Hold On” de John Lennon na melodia de abertura, até que um coro multi-voz esfarrapado anunciado como “Tina and the Typing Pool” chega para lidar com as palavras inexpressivas, lançadas em algum lugar entre um trabalho final e haicai: “Existe uma linha reta entre mim e a coisa boa/Encontrei a linha e sua direção é conhecida por mim/Confiança absoluta me mantém indo na direção certa/Qualquer intrusão é recebida com o coração cheio da coisa boa .” Byrne disse a Birch que a música foi “escrita como uma reação ao lidar com o mundo da música. Eu senti que o negócio da música é essencialmente amoral.” (Boa sorte em encontrar esse sentimento nas letras.) O último minuto soa como uma paródia afetuosa de James Brown e os JB's, com Byrne exortando todos a “Trabalhar! Trabalhar!"

O co-autor de Byrne-Frantz, “Warning Sign”, de acordo com Byrne, é “a música mais decadente. Eu recebo imagens de pessoas nuas e drogas e pessoas passando mal por tomarem muitas drogas. São apenas muitas imagens de comportamento depravado.” Frantz e Weymouth lideram, com uma introdução de tempo médio que é quase cinematográfica. A voz de Byrne é fortemente tratada enquanto ele declama letras tipicamente opacas (“Sinal de aviso/Olhe para o meu cabelo, eu gosto do design/É a verdade”), mas é a variedade de sons e ritmos de guitarra – entrecortados, bonitos, ásperos – que são os tesouros enterrados aqui.

“The Girls Want to Be With the Girls” é uma composição feliz e pop, e apresenta uma linha de sintetizador giratória e piano tilintante para cor extra. Ele contém um pouco do DNA de "Psychotic Reaction", "96 Tears", "1-2-3 Red Light" e outras maravilhas de um sucesso de rádio AM que o grupo espalharia em seus primeiros sets no Mudd Club e no CBGB. Para fechar o lado, “Found a Job” explode como uma espécie de gêmea da abertura “Thank You for Sending Me An Angel”. O refrão insistente está entre os mais fortes de Byrne: “Judy está no quarto, inventando situações/Bob está na rua hoje, procurando locais/Eles recrutaram toda a família/Eles recrutaram todos os amigos.” A banda inteira está presa no ritmo dançante contagiante; KC e a Sunshine Band ficariam orgulhosos.

O adorável e vibrante tema de “Artists Only” tece um feitiço por 30 segundos quando o lado dois do LP original começa, até que Byrne grita “Vamos lá!” e se transforma em uma performance apaixonada, peculiar e totalmente cativante, talvez a melhor do LP. Seu humor excêntrico (palavras de Byrne e seu amigo RISD Wayne Zieve) está no local, espetando o artista sensível que não vai mostrar a você sua obra - ou sua música? - até que esteja terminada. A faixa parece surgir em tempo real como uma pintura de ação em áudio, enquanto o protagonista anuncia: “Estou pintando, estou pintando de novo”. Isso poderia ter sido seguido por “estou limpando meus pincéis”, mas Byrne prefere “estou limpando meu cérebro”. Ele grita: “Não preciso provar que sou criativo!” duas vezes antes de admitir: “Todas as minhas fotos estão confusas”.

A minúscula introdução de guitarra de “I'm Not in Love” é rapidamente seguida por uma faixa cheia de mudanças de andamento stop-start, alterações de humor, o 4/4 de Frantz e Weymouth e exclamações de Byrne em meia dúzia de vozes diferentes. Aos três minutos, a faixa se transforma em uma rave completa, com muitos efeitos de troca de timbre cortesia de Eno. O ímpeto continua com o brilhante “Stay Hungry”, uma co-criação de Franz-Byrne com um título copiado de uma revista de musculação (sem dúvida inspirado no romance de 1972 com esse título sobre fisiculturistas). De acordo com Franz, a música "junta a sensação de ser um artista trabalhador com a tentativa de ser um jovem bonito ao mesmo tempo". O ritmo africano de abertura antecipa Fear of Music e Remain In Light do Talking Headsálbuns, antes que o ritmo diminua, e temos uma série de seções que mantêm o ouvinte adivinhando, o refrão repetitivo (“Move a muscle, move a muscle, move a muscle/Make a motion, make a motion, make a motion” ) deliciosamente fora de ordem.

“Take Me To the River” vem a seguir, “white soul” descarado com uma bateria, baixo e som de órgão fantásticos, e uma performance vocal de Byrne que vai de contida a desencadeada conforme o momento dita. “Estávamos tocando e as pessoas gostaram ao vivo”, disse Byrne, explicando sua inclusão a Ian Birch, admitindo que pode ser “o gênero menos esperado para escolhermos. Essas músicas do Al Green são muito estranhas, no entanto - misturando Jesus com sexo e outras coisas. Green a escreveu com seu guitarrista Mabon Hodges e a gravou para o álbum de 1974, Al Green Explores Your Mind . A versão do Talking Heads chegou ao Top 40 quando lançada como single e tem sido a favorita do rádio e do streaming desde então.

Corte mais longo do álbum, em 5:30, “The Big Country” é uma das composições mais ambiciosas de Byrne, e encerra o LP. Ele queria fazer os versos “o mais objetivos possível, apenas gravando diretamente o que você vê de um avião, e então os refrões eu acho que você chamaria de mais subjetivos. Eles eram bastante irracionais e ficaram um pouco confusos no final. Achei que seria interessante apresentar algo de forma muito objetiva e depois jogar esse ódio irracional e não dar nenhuma razão para isso.” Daí, um refrão que insiste: “Não moraria aí nem se me pagasse/ Não poderia viver assim, não senhor!” A guitarra slide dá uma leve sensação de “country”, e a melodia crescente é uma das primeiras evidências de que a trilha sonora do filme pode estar no futuro de Byrne. Há um peso real quando ele canta: “Estou cansado de viajar, queroestar em algum lugar .”

A impressionante capa de More Songs About Buildings and Food , concebida por Byrne e executada pelo artista Jimmy de Sana, compreende 529 fotos Polaroid em close do grupo. A contracapa apresenta “Portrait USA”, uma imagem fotomosaica do país vista do espaço, construída a partir de mais de 500 fotos tiradas pelo satélite Landsat. Esses elementos visuais e design impressionantes foram transferidos para a iluminação e figurino dos shows do Talking Heads, culminando no célebre filme Stop Making Sense , dirigido por Jonathan Demme, em 1984.

Na época do lançamento de More Songs About Buildings and Food , David Byrne foi questionado se, de alguma forma, o que ele estava fazendo com Talking Heads era mais arte do que música. Ele respondeu: “Tenho certeza que é música. No entanto, não tenho certeza se é rock and roll. Rock and roll é um assunto morto. O que é interessante para mim é a função que desempenhamos para as pessoas... Ainda não tenho certeza.”

Vídeo Bônus: Assista ao Talking Heads no final do período tocando “Take Me To the River” ao vivo

Resenha Barclay James Harvest Álbum de Barclay James Harvest 1970

 

Resenha

Barclay James Harvest

Álbum de Barclay James Harvest

1970

CD/LP

Barclay James Harvest é uma banda que por ter feito diversos álbuns, se tornou uma banda relativamente conhecida. O fato é que essa banda surgiu já bombando. Em 1966, John Lees, jogou recortes de um sombreiro pro alto e caíram as palavras Barclay James Harvest, e decidiu que seria esse o nome do grupo formado em 1964 por John Lees (guitarra e vocal), Les Holroyd (Baixo e Vocal), Wooly Wolsteinholme (bateria) e Mel Pritchard (teclados).

Em 1968, algumas demos foram enviadas a BBC que gravou o material para as rádios. O sucesso de algumas dessas músicas, rendeu um contrato de alguns anos com a Polydor, na qual gravaram todos os seus álbuns até 1978.

Por meio desse contrato que foi gerido o primeiro álbum auto intitulado da banda no ano de 1970. 

É um álbum que gira em torno de uma esfera alegre, sombria e medieval. 

Começamos dançantes com "Taking Some Time On", uma canção com pegadas medievais acolchoadas no pop, mas sem soar enjoativa. As linhas de guitarra de Lees pegam bem nessa música e todo o conjunto faz parecer que todo o álbum tenha uma orquestra (ou talvez tenha, não sei).

"Mother Dear" é uma canção melancólica escrita por John Lees. Tem um ritmo 'real' baseado em violões e violinos, sendo uma canção autenticamente acústica, altamente folkeada.

O sentimento de alegria e festividade retorna em "The Sun Will Never Shine". Tudo tá em festa na música, começando em níveis mais calmos até despontar de vez. A instrumental seria uma boa pra soundtrack em Senhor dos Anéis.

Aqui temos nossa primeira canção sombria com instrumentação pesada. "When The World Was Woken/The World Was Woken" (não, a música não tem esse anexo, e sim, um título mais alternativo), mostra esse tom sombrio terminando num solo orquestral muito bom, com uma passagem clássica, que anos mais tarde virou a estrutura musical para a canção Fantasia Barroca de Flávio Venturini.

Temos então, um Hard Rock simples chamado "Good Love Child" que é assim como When The World Was Woken é vocalizada por Les Holroyd (ou Wooly Wolsteinholme). Com uma passagem de Hard Rock psicodélico, essa canção tem camadas de sintetizador, baixo e bateria, fazendo jus ao ELP que tem essa fórmula como matriz, além de um coral dos membros ressoando o título com voz  distorcida de rádio.

"The Iron Maiden" que não é a banda, é mais uma canção sombria que me lembra uma avenida da cidade grande numa tarde chuvosa com o céu acinzentado.

Agora, chega o espetáculo principal que me lembra um musical de teatro, e que foi o grande ganho da banda. "Dark Now My Sky", se desenvolve nos seus 12 minutos, começando com uma espécie de abertura de um musical da Broadway, com Lees recitando um discurso sob o acompanhamento de um bumbo de bateria. Depois de Lees e um coro gritar "i could i know" com uma risada aterradora finalizando o recital, a música finalmente começa com piano, guitarra, baixo e bateria acompanhados de uma orquestra. Depois a música entra num grave de baixo pulsante onde Les Holroyd entra com os vocais. A música possui do mesmo segmento até determinada parte, onde entra num solo triste (de ritmo e pegada, não que seja ruim, claro) de guitarra, onde termina a desilusão, partindo pro Gran Finale totalmente em orquestra.

Bom... Como salientado no início, esse álbum se deu em circunstâncias da banda ter feito relativo sucesso na rádio, e como a partir de 2000 e 2010, virou comum relançar álbuns, esse não fugiu a regra. Há pelo menos quatro versões de Taking Some Time On, tirando a original, cinco de Dark Now My Sky, tendo uma de aproxima

damente quatro minutos (uma versão de rádio), e os lançamentos em outros países conferem duração diferente para a música, numa tracklist original. O mesmo vale pra The World Was Woken e The Sun Will Never Shine (cuja versão preliminar é MUITO diferente, sendo bem curta e completamente acústica). Assim como canções inéditas da época (67-71) como Poor Wages, Brother Thrush, Eden Unobtainble, Early Morning, Mr. Sunshine, So Tomorrow, Night (com duas versões), Small Time Town, entre outras que foram enviadas como demo pra BBC, outras que não saíram no LP final

Bom... É um álbum que eu gosto bastante apesar de algumas canções como Good Love Child e Taking Some Time On não me agradarem tanto... No mais, é isso...

Resenha Birds: Passage to the Forest of Mysterious Álbum de Karfagen 2023

 

Resenha

Birds: Passage to the Forest of Mysterious

Álbum de Karfagen

2023

CD/LP

A cada ano que passa, eu tenho duas certezas em relação ao rock progressivo, a primeira é que uma grande quantidade de excelentes discos serão lançados e a outra é que Antony Kalugin vai contribui pra isso, inclusive, 2023 está sendo um dos seus anos mais prolíficos do incansável multi-instrumentista ucraniano. No início do ano, Kalugin, lançou um álbum de inéditas com a Sunchild, Exotic Creatures and a Stolen Dream, e no final de março, foi a vez da Karfagen aparecer com mais um disco, Passage to the Forest of Mysterious. Além disso, o músico ainda trabalhou em mais dois relançamentos, Dragon Island, uma versão instrumental 'Directors Cut' do álbum Echoes from within Dragon Island, lançado em 2019, e Birds, uma versão instrumental "Director's Cut" do álbum, Birds of Passage, lançado em 2020.  

Passage to the Forest of Mysterious entrega algumas das características bastante conhecidas da banda, como linhas sinfônicas bucólicas que ao mesmo tempo que remete o ouvinte ao rock progressivo 70’s, também produz peças com um frescor maravilhoso, além de belíssimas e de melodias adequadas que, apesar de progressivas, não são do tipo “músicas para músicos”, mas sim, muito acessíveis e com capacidade de agradar todos os ouvidos. A faixas centrais do disco são os dois épicos de 14 e 19 minutos, sendo esses épicos cercados por músicas mais curtas que variam entre 4:21 e 1:38.  

Embora não seja necessariamente um disco inovador, dentro de sua zona de conforto, Kalugin consegue manter a banda como uma das grandes forças do rock progressivo sinfônico contemporâneo. Sem querer entrar no mérito de quem está errado ou certo nessa guerra, mas mesmo Kalugin sendo um cidadão ucraniano, é impressionante o quanto ele consegue focar em sua música a ponto de entregar um material tão substancial, mesmo em tempos sombrios para o seu país, tornando Passage to the Forest of Mysterious não apenas mais um lançamento, mas sim, uma conquista.  

“Kingfisher and Dragonflies Part 4”, como o nome sugere, é a quarta parte da música que começou em 2007 no disco, The Space Between Us, seguida pela segunda e terceira parte que estão nos álbuns, Solitary Sandpiper Journey de 2010 e Land of Green and Gold de 2022. Possui um clima pastoral, com violões bem-soante e algumas vocalizações. Este arranjo poderia ser tirado de algum disco 70’s do Genesis - A Trick of the Tail talvez -, principalmente pela maneira como violão e teclas trabalham de forma bela e muito harmônica. Um começo de álbum excelente e que serve como espécie de amostra para o que está por vir.   

“Mysterious Forest Part 1 - World in a Grain of Sand”, com 14 minutos, é um dos dois épicos do disco. Tem um início bastante atmosférico, com teclas e violão antecedendo os vocais brandos, então que a peça se intensifica em uma sonoridade sinfônica que me lembrou o The Flower Kings, mas com direito a até um saxofone que permeia a peça brilhantemente. O breve solo de sintetizador é bastante característico da banda, assim como o solo de guitarra que o sucede. A forma polivalente, caprichosa e profunda que Antony lidera o seu exército de músicos sempre me impressiona. Até mesmo quando a banda atinge sons que podem ser considerados mais experimentais, ela consegue se manter agradável em qualquer tipo de radar. “Mysterious Forest Part 1” é um rock progressivo sinfônico com altas doses de requinte e sofisticação, exatamente como Kalugin adora fazer.  

“Mysterious Forest Part 2 - The Ominous Ride” é uma peça instrumental que a banda entrega uma mescla bastante desenvolvida. Pratos e algumas notas de piano iniciam a música que logo em seguida ganha um ritmo mais rápido e clima enérgico. Teclados e guitarras irão se alternar como instrumento principal – exceto por um curto período que começa por volta dos 1:35 em que bateria e percussão tomam a frente. No geral, é uma música dinâmica e agradável. “To Those Who Dwell in Realms of Day”, é muito suave e entra em contraposição em relação à faixa anterior. A genialidade de arranjador de Kalugin não é novidade pra ninguém, mas quando o vejo cantar de uma forma tão tocante e se contrabalançando perfeitamente com a melodia da música, percebo que ele está evoluindo até na condição de intérprete.  

“Birds of Passage and the Enchanted Forest”, com os seus 19 minutos, é a peça mais longa e também a obra máxima do disco. Há um pouco de muita coisa, neo-progressivo, folk, algumas linhas jazzísticas e até mesmo acenos ao metal progressivo, orquestrações ora ferozes e ora mais serenas, excelente trabalho rítmico e guitarras sempre muito bem encaixadas que em alguns conjunturas lembram The Flower Kings – Max Velychko nunca escondeu ser um grande admirador de Roine Stoilt -, além de uma alta performance de teclas por toda a parte. Os vocais de Kalugin também estão ótimos. Tudo nesse épico acontece dentro de uma incrível noção romântica de domínio harmonioso e natureza pacífica, além de temas preponderantes intercalados com momentos suaves, fabulosos e de universo de arranjos variados intrinsecamente de um espírito progressivo sinfônico.  

“Through the Whispers of the Wind”, com pouco mais de um minuto e meio, é a peça mais curta do disco. Depois de um épico tão poderoso, a banda entrega uma música que exala delicadeza e brandura. O violão e a cama orquestral de teclado ao fundo, deixam bem acentuado o clima pastoral que é característico da banda. “Mysterious Forest Part 3 - World in a Grain of Sand Reprise”, como o nome sugere, apesar de ser a parte 3, há também uma reprise, nesse caso, a temática lírica é a mesma da primeira parte. Violão e guitarra excelentes, saxofone adequado e sintetizadores melódicos guiam a música brilhantemente para o final do disco, encerrando mais um capítulo resplandecente do maravilhoso e romântico mundo de contos de fadas de Antony Kalugin. 

O que me faz gostar tanto do Antony Kalugin, não é apenas o quanto ele é prolífico, mas o quão ele consegue produzir material de qualidade em um curto espaço de tempo, sempre soltando discos novos seja solo ou em algum dos seus projetos – que pra mim já se consolidaram como bandas oficiais. Como sempre, além de arranjos fúlgidos, Kalugin tem bastante cuidado com a produção de seus trabalhos, e aqui não é diferente. Novamente a Karfagen consegue ser de forma convincente um atrativo para qualquer entusiasta de rock progressivo sinfônico.  

Resenha That! Feels Good! Álbum de Jessie Ware 2023

 

Resenha

That! Feels Good!

Álbum de Jessie Ware

2023

CD/LP

Passei a maior parte dos anos 2000 até os dias atuais, no modo antigo, ouvindo grandes clássicos pop disco. É bem verdade que teve seu fim e não atingiu picos de qualidade, sumindo com cantoras caricatas e resinadas pela indústria. Meu anti americanismo chega ao ponto do ranço, por isso, me espanto e encanto quando surge uma britânica voando depois de Adele. E sou réu confesso sobre essa, ficou presa entre o jazz / pop e o vozeirão não fez jus ao instrumental, não anima especular a janela fora de sua cortina de hits. 
No caso de Jessie Ware temos um disco cheio, dançante e surpreendente em 2023.
Devo dizer, foi por acaso meu contato, sequer ouvi os anteriores, mas, farei brevemente.  

That! Feels Good! soa leve e com o baixo passeando por nossas cabeças. A produção é acertada e não me parece que a moça persiga tendencias, faz por ela, tudo bem, um certo apreço ao Jamiroquai, não mata ninguém. 
A existência pop disco passeia por outras praias e concebe uma quase coletânea. São incontáveis artistas que fizeram de seus trabalhos apenas dois ou três sucessos e depois usaram os famosos fills para fechar a bagunça em torno do principal, no entanto, se querem um ou dois arrasa quarteirões, bebam um pouco de Free Yourself e da faixa titulo.

That! Feels Good ! sequer esbraveja músicas para serem espremidas em rádios, até porque esse tempo não existe mais. Ela permanece forte no geral, sustância, caldo de mocotó e feijoada.
Inoperante apontar destaques, tudo é tão bom que não acho exagero quando ouço os animados dizerem: é o álbum do ano! 
Não estou nem ai para meu lado roqueiro, quero música de qualidade na orelha. De veras, estou por fora do mundo pop, agora com esperança de retornar.
That! Feels Good! Tem classe, instrumental de qualidade e pouca panfletagem. 

ROCK ART

 

Sugarloaf - Don't Call Us, We'll Call You (1975 us, great classic rock with prog shades, 2010 remaster and expanded)

Sugarloaf foi uma banda de rock psicodélico de Denver, Colorado, que se tornou famosa no início dos anos 1970. A formação original consistia em Bob MacVittie (bateria), Bob Webber (guitarra), o baixista Bob Raymond (falecido em 11 de fevereiro de 2016, 69 anos) e o vocalista/tecladista Jerry Corbetta (23 de setembro de 1947 - 16 de setembro de 2016) , com uma série de mudanças e adições de pessoal. Formado em 1968 e inicialmente conhecido como Chocolate Hair, o grupo decidiu renomear-se para algo menos racialmente incendiário depois de assinar com a Liberty Records. Em 1970, eles se tornaram conhecidos como Pão de Açúcar por causa de uma montanha próxima fora de Boulder e lançaram seu álbum de estreia homônimo no mesmo ano.

Pão de Açúcar estreou nas paradas Pop/Rock em 1970 com a evocativa "Green-Eyed Lady", um clássico de fusão rock/jazz psicodélico co-escrito por Corbetta apresentando um longo interlúdio instrumental de órgão que se tornou um hit Top 5. Esse sucesso foi seguido em 1971 por "Tongue In Cheek" e "Mother Nature's Wine", ambos do segundo álbum da banda, "Spaceship Earth". Pão de Açúcar mais tarde teve um hit no Top 10 em 1974 com o blues rocker, "Don't Call Us, We'll Call You", a canção-título do quarto e último álbum da banda, que também foi co-escrito por Corbetta. Pão de Açúcar teve duas entradas finais nas paradas em 1975 com "Stars In My Eyes" e "I Got A Song".

Depois que o Pão de Açúcar se separou em 1978, Jerry Corbetta seguiu carreira solo. Antes da separação da banda, ele teve um pequeno sucesso em 1976 com "You Set My Dreams To Music". De 1980 a 1984, Corbetta foi membro do Frankie Valli & The Four Seasons e, mais tarde, tornou-se parte de uma série de shows nostálgicos em turnê. Sugarloaf teve várias reuniões ao longo dos anos e se reuniu mais uma vez em 8 de setembro de 2012 para se apresentar no Boulder Theatre para sua introdução no Colorado Music Hall of Fame.

Corbetta havia sido diagnosticado com a doença de Pick em 2010. O tratamento o forçou a se aposentar. Ele morreu da doença em um hospício em Denver, Colorado, em 16 de setembro de 2016, aos 68 anos.

Tracks

1. I Got A Song (Bob Corso, Jerry Corbetta) - 5:11

2. Myra Myra (Jerry Corbetta) - 5:12

3. Lay Me Down (Bob Corso, Jerry Corbetta) - 6:42

4. Wild Child (Frank Slay, Jerry Corbetta) - 4:02

5. Don't Call Us, We'll Call You (Jerry Corbetta, John Carter) - 3:23

6. Lookin' For Some Fun (Jerry Corbetta, Ray Payne) - 4:09

7. Round And Round (David Riordan) - 3:37

8. Colorado Jones (J.C. Phillips, Jerry Corbetta) - 3:30

9. Easy Evil (Alan O'Day) - 4:02

10.I Got A Song, Reprise (Bob Corso, Jerry Corbetta) - 2:25

11.Boogie Man (Bob Corso, Jerry Corbetta) - 3:31

12.Texas Two Lane (Jerry Corbetta, Dick Eastman) - 4:13

13.Stars In My Eyes (Jerry Corbetta) - 3:48

14.Last Dance (Jerry Corbetta, Sky Keegan) - 3:59

15.Green Eyed Lady (David Riordan, J.C. Phillips, Jerry Corbetta) - 8:05

Bonus Tracks 11-15

Sugarloaf

*Jerry Corbetta - ARP Synthesizer, Clarinet, Organ, Piano, Vocals

*Bob Webber - Guitar 

*Bob Raymond - Bass

*Myron Pollock - Drums

MUSICA&SOM