'Harvest' de Neil Young: Keep Me Searching

 

Já houve um artista de rock tão imprevisível e destemido quanto Neil Young (OK, OK… além de David Bowie)? Provavelmente não. Seja tocando proto-grunge ( Everybody Knows This Is Nowhere com Crazy Horse), escrevendo canções de protesto (“Ohio” com CSNY), indo para o electro-techno por nossa conta ( Trans ), revisitando o rockabilly ( Everybody's Rockin' with the Shocking Pinks), ou atuando como uma banda de um homem só ( Le Noise ), Neil Percival Young sempre fez o que queria fazer musicalmente - com pouca consideração sobre o que os outros (particularmente sua gravadora) querem que ele faça.

Mas o estilo de música com o qual ele obteve maior sucesso comercial é o country/folk suave, como evidenciado pelo único álbum no topo das paradas de toda a sua carreira, Harvest . Indiscutivelmente o maior artista de rock do Canadá de todos os tempos (pelo menos um artista de rock singular ), Young chamou a atenção dos fãs de música como membro dos roqueiros psicodélicos Buffalo Springfield, antes de abandonar o navio e seguir carreira solo (estreia autointitulada de 1968), juntando-se forças com Crazy Horse e depois Crosby, Stills & Nash (que foram então rebatizados de Crosby, Stills, Nash & Young para Déjà Vu de 1970 ).

Ouça a faixa-título de Harvest

Para After the Goldrush de 1970 , Young começou a adicionar elementos claros de country em seu som (ou seja, um cover de Don Gibson "Oh Lonesome Me"), ao mesmo tempo em que ainda oferecia melodias folk ("Tell Me Why") e roqueiros com estalos de amplificador. (“homem do sul”). Para sua quarta oferta solo, Young seguiu na mesma direção que AtG . E como seu último álbum foi um hit top 10, ele já sabia que havia um grande público preparado e pronto para as sessões.

Neil Young por volta de 1972

Embora ele já tivesse uma boa parte do material escrito (em sua gravação Live at Massey Hall 1971 , lançada posteriormente , cinco das 10 faixas de Harvest foram tocadas), Young sofreu uma hérnia de disco nas costas que resultou em ter que vestir um suporte para as costas para o segundo semestre do ano. Portanto, embora as 10 músicas que comporiam Harvest tenham sido gravadas de janeiro a setembro daquele ano, seu lançamento foi adiado, resultando no primeiro ano desde o início da carreira de gravação de Young com a estreia autointitulada de Buffalo Springfield em 1966 que não havia novo álbum de estúdio lançado que apresentava Young de alguma forma.

Young formou uma banda de apoio apelidada de Stray Gators, composta por Ben Keith (pedal steel, slide guitar, vocal), Jack Nitzsche (piano, vocal), Tim Drummond (baixo) e Kenny Buttrey (bateria), com Young lidando com os vocais principais, elétrico /guitarras acústicas, piano e gaita, e outros contribuindo também (incluindo cantores de apoio de grandes nomes como James Taylor, Linda Ronstadt, David Crosby, Stephen Stills e Graham Nash).

Descrever a abertura do álbum, “Out on the Weekend”, como descontraído seria um eufemismo - parece que Young e seus companheiros estão prestes a cochilar a qualquer momento! Mas o ritmo sonolento e a sensação certamente contribuem para o seu charme, e também preparam o palco para o que está por vir no álbum com seu acompanhamento básico, com foco na voz de Young, dedilhado de violão e sopro de gaita. A faixa-título, contando a história de uma mulher que parece bastante azarada no departamento de romance, segue, continuando o ritmo relaxado e a abordagem folk-country da abertura.

Ouça “Out on the Weekend”

Como sugerido por seu título, “A Man Needs a Maid” não é exatamente a música mais para PC que Young já compôs (letra de exemplo: “Eu estava pensando que talvez eu arranjasse uma empregada, encontre um lugar próximo para ela ficar, apenas alguém para limpar minha casa, preparar minhas refeições e ir embora”). E musicalmente, serviu como um desvio - o violão de Young e a banda de apoio ocupam cinco, e em seu lugar está apenas o piano de Young... e uma orquestra sinfônica bombástica!

A seguir, não apenas a faixa mais conhecida de todo o álbum, mas provavelmente de toda a carreira de Young, a simplesmente sublime “Heart of Gold”, pois apresenta a mistura perfeita de pedal steel guitar, violão e gaita, além de alguns dos As letras mais esperançosas de Young, com os inconfundíveis backing vocals de Linda Ronstadt se juntando no final. A canção deu a Young seu único single # 1 na Billboard , alcançando o topo da parada em 18 de março de 1972. O álbum teve sua segunda semana no topo naquela mesma semana.

Na música final do primeiro lado do álbum (na época do vinil), “Are You Ready for the Country?” vê a primeira aparição da guitarra elétrica… mas não é exatamente rock. É verdade que toda a banda de apoio está atrás de Young, mas permanece bastante contida, não chegando perto de se aproximar do rock cru free-for-alls de, digamos, “Cinnamon Girl”, “Tonight's the Night” ou “Hey, Hey, My , Meu” (Into the Black).”

E então ... há "Velho". Certamente uma das melhores letras que Young já escreveu, foi inspirada por um zelador que cuidava de seu rancho no norte da Califórnia (não sobre o pai de Neil, como alguns assumiram ao longo dos anos). A música retorna à abordagem country de “Heart of Gold”, com James Taylor tocando banjo e cantando backing vocals, e Ronstadt mais uma vez se juntando aos backing vocals.

“There's a World” acaba sendo a segunda e última “peça sinfônica” do álbum (mais uma vez com Young nos vocais/piano, e a Orquestra Sinfônica de Londres acompanhando), que, honestamente, provavelmente chega mais perto de ser descartada no álbum. .

Mas tudo é perdoado com o primeiro verdadeiro roqueiro do álbum, “Alabama”, que, como “Southern Man”, lida liricamente com o racismo no sul dos Estados Unidos.

Outro clássico, “The Needle and the Damage Done”, caiu como uma das melhores canções antidrogas de todos os tempos, supostamente inspirada por Young testemunhando o que a heroína estava fazendo com o vocalista/guitarrista original do Crazy Horse, Danny Whitten (que infelizmente morreria antes o fim do ano). Embora seja uma das faixas mais simples de Young instrumentalmente (com apenas sua voz e violão), ela captura perfeitamente a frustração de testemunhar drogas pesadas derrubando um amigo e também apresenta a frase clássica: “Mas todo viciado é como um sol poente”. Aqui está uma versão ao vivo de antes do álbum ser lançado.

Fechando as coisas está uma das músicas mais negligenciadas de Young, o longo e sinuoso jamfest, “Words (Between the Lines of Age), apresentando dois terços de CSN&Y no backing vox (Nash and Stills), e também servindo como o álbum mais longo melodia, quase estendendo-se a sete minutos de duração.

Lançado em 1º de fevereiro de 1972, Harvest ostentaria uma capa de álbum simples (o título do álbum e o nome do artista em fonte elegante, no topo de um verso quase bege e um círculo laranja bem no meio) e não apenas lideraria as paradas de álbuns em nos Estados Unidos, Reino Unido e Austrália, mas se tornou o álbum mais vendido do ano nos Estados Unidos.

Em vez de jogar pelo seguro após o enorme sucesso do álbum e entregar Harvest partes 2, 3, 4, etc., Young rejeitou completamente essa direção fácil de digerir ao longo de seus próximos esforços solo, resultando no que ele faria referem-se como a "trilogia vala", incluindo alguns dos lançamentos mais crus - e excepcionais - de toda a sua carreira ... Time Fades Away de 1973 , On the Beach de 1974 e Tonight's the Night de 1975 .

Assista Neil Young em 1971 tocando uma música então nova chamada “Heart of Gold”

10cc's 'The Original Soundtrack': Uma Obra-prima Widescreen

 

Frank Zappa perguntou: “O humor pertence à música?” e respondeu com um entusiástico “SIM!” durante toda a sua carreira. Desde a sua criação em 1972, o quarteto inglês 10cc também se comprometeu a usar sátira, paródia, piadas e gargalhadas sonoras em sua mistura de composições pop comerciais, prog ambicioso e rock falso cinematográfico.

O grupo reuniu quatro músicos brilhantes que haviam sido amigos de escola e, posteriormente, chutou a área de Manchester, Reino Unido, em várias configurações no início dos anos 1960, lançando singles flop e tentando entrar no grande momento por todos os meios necessários. Graham Gouldman eventualmente compôs uma série de canções de sucesso para a competição, incluindo "For Your Love" dos Yardbirds, "Bus Stop" dos Hollies e "No Milk Today" dos Herman's Hermits. Seu álbum de 1968, The Graham Gouldman Thing , com arranjos do futuro baixista do Led Zeppelin, John Paul Jones, não fez nada.

O multi-instrumentista/cantor Eric Stewart prosperou como membro do Wayne Fontana and the Mindbenders, co-escrevendo muitas canções e cantando em “A Groovy Kind of Love” quando os Mindbenders se separaram em 1965.

10cc (no sentido horário, do canto superior esquerdo): Eric Stewart, Kevin Godley, Graham Gouldman, Lol Creme

Enquanto isso, os futuros membros da 10cc Kevin Godley e Lol Creme trabalharam com o empresário Giorgio Gomelsky, na esperança de se tornar um ato do tipo Simon e Garfunkel (um single foi lançado sob o infeliz apelido de Frabjoy e Runcible Spoon). Eles gravavam com frequência no Strawberry Studios, co-propriedade de Gouldman e Stewart, no subúrbio de Stockport, em Manchester. Quando os produtores americanos de “chiclete” Kasenetz e Katz usaram todos os quatro homens para as sessões de 1969 no Strawberry, isso solidificou seu vínculo. Godley diz que eles gravaram cerca de 20 músicas - "muita porcaria, sério" - e economizaram dinheiro para seus clientes usando seus formidáveis ​​falsetes para gravar "backing vocals femininos".

Ainda atuando como compositores-engenheiros-produtores-de-contratação, em 1970 Stewart, Godley e Creme lançaram uma novidade mundial com "Neanderthal Man", lançado sob o nome de Hotlegs. Eles fizeram uma turnê com o Moody Blues e lançaram um LP, Thinks: School Stinks. Mas eles precisavam de alguma tração real se quisessem fazer suas próprias coisas.

 Quando o cantor americano Neil Sedaka gravou seu álbum Solitaire no Strawberry no início de 1972 com a engenharia de Stewart e os outros três como banda de apoio, isso os convenceu de que precisavam levar a sério a formação de uma banda. Uma demo da adorável canção dos Beatles de Stewart-Gouldman “Waterfall” circulou sem sucesso, mas a paródia doo-wop inspirada nos anos 50 de Godley e Creme “Donna” chamou a atenção do empresário Jonathan King, que assinou o grupo com sua gravadora no Reino Unido . Ele diz que o nome deles veio a ele em um sonho.

Esta foto apareceu na edição de 23 de março de 1974 da Record Wo

Durante 72 e 73, a recém-criada 10cc teve vários grandes sucessos britânicos, lançando dois LPs notavelmente melodiosos e estranhos, mas o melhor que eles puderam fazer nos Estados Unidos foi sua extraordinária mini-ópera “Rubber Bullets”, alcançando a posição 73 na Billboard paradas de singles. De acordo com Stewart, falando no programa de rádio do Reino Unido I Write the Songs , 10cc não ganhou muito dinheiro com seu sucesso doméstico e queria aceitar uma oferta da Philips Phonogram para comprar King com base em algumas novas gravações, incluindo um música chamada "I'm Not In Love".

Stewart diz que o chefe da A&R, Nigel Grainge, fez com eles um contrato de cinco anos com base em um álbum já gravado que ele chamou de “uma obra-prima” na primeira audição. Creme se lembra disso de maneira diferente: eles deveriam assinar com a Virgin Records - confirmado por Gouldman como Best Classic Bands, mas seu empresário Harvey Lisberg fez uma troca de última hora e foi com a Philips sem que a banda soubesse. De qualquer forma, The Original Soundtrack poderia ser lançado no mundo quase imediatamente, com o primeiro single “Life Is A Minestrone” indo para as rádios do Reino Unido.

Olhando para trás, parece uma decisão estranha fazer de "I'm Not In Love" o segundo single, não o primeiro, e colocá-lo no LP após a abertura, uma extravagância de nove minutos e três partes de Godley e Creme, “Une Nuit a Paris”, mas 10cc nunca se esquivou de ideias bizarras, mas inspiradas.

O álbum começa com uma buzina de bicicleta, ruídos da multidão, portas batendo e outros efeitos, antes que todos os quatro vocalistas formem um coro, cantem com sotaques franceses falsos bobos, sussurrem no topo e no fundo de suas faixas e criem um musical em constante mudança. paisagem que às vezes soa como Queen, Zappa e Gershwin no liquidificador. Os andamentos vêm e vão, e as letras variam de narrativas evocativas a piadas como "é assim que o croissant se desfaz" e "todas as garotas - como você diz? - são boas de cama". 10cc está claramente anunciando que eles vão fornecer um álbum de entretenimento incomum.

“I'm Not In Love” começa com uma batida de coração, piano elétrico e sintetizador lentamente construído antes do vocal principal de Stewart entrar: “Eu não estou apaixonado/Então não se esqueça disso/É apenas uma fase boba que eu vou através." A ideia lírica de Stewart e Gouldman talvez pegue emprestado subliminarmente do padrão country “She Thinks I Still Care”. (Stewart diz que o catalisador foi uma discussão com sua esposa sobre por que ele não disse mais "eu te amo".) Em ambas as canções, o narrador masculino, falando com uma mulher, continua protestando que a evidência de seu amor obsessivo - o telefonemas, fotos em exibição, etc. - estão sendo mal interpretados. Quanto mais ele argumenta, mais o ouvinte sabe que esse cara é um caso perdido. “Eu gosto de ver você/Mas, novamente/Isso não significa que você significa muito para mim.”

[Em novembro de 2022, Gouldman disse ao Best Classic Bands: “A versão original gravada era uma bossa nova. Não gostamos, apagamos e regravamos.”]

Na marca de dois minutos, 10cc faz algo incrível, entrando em uma “sequência de sonho” de áudio na qual uma voz feminina (Kathy Redfern, secretária da Strawberry) entoa: “Garotos grandes não choram... cry” sobre swells de sintetizadores cinematográficos e loops de fita. Um relatório insiste que há mais de 200 overdubs vocais na faixa. Segundo os compositores, a pegada e o ritmo são inspirados em “Garota de Ipanema”. "I'm Not In Love" liderou as paradas britânicas, mas a versão editada do single americano não conseguiu passar de # 2 aqui, bloqueada em sucessão por "The Hustle" de Van McCoy, "One of These Nights" dos Eagles e The Bee "Jive Talkin'" dos Gees.

A dançante “Blackmail” segue, apresentando uma guitarra slide grungy muito proeminente, vocais em falsete empilhados e teclados de condução. Os minutos finais apresentam um contraste surpreendente entre um arranjo disco tipo Giorgio Moroder e os lamentos de guitarra de blues de alto nível de Stewart. Poucos grupos tentariam uma combinação tão radical.

O lado dois do LP original começa com “The Second Sitting For the Last Supper”, composta pelos quatro. É um rock movido a piano que acena na direção de Steely Dan, Elton John, The Who e Chuck Berry em momentos diferentes. A letra é uma blasfêmia lúdica, reciclando expressões comuns com ironia firme: “A segunda vinda do Espírito Santo/Precisamos de um bolso cheio de milagres/Dois mil anos e ele ainda não apareceu/Mantivemos seu assento aquecido e a mesa definir." As seções duplas mostram o talento de Godley para o poder, e Creme, Gouldman e Stewart tocam guitarra. A produção de pias de cozinha pode desmoronar em mãos menos capazes, mas 10cc pode virar um turbilhão com os melhores.

Godley canta lindamente em “Brand New Day”, que soa como uma balada otimista no estilo de “Over the Rainbow” até que se torna ácida: “O chefe te faz correr para todo lugar, garoto/'Você não tem dinheiro e tem menos sentido/E você não vai a lugar nenhum'.” Como o seguinte “Flying Junk”, não se pode deixar de ouvir como o 10cc estava competindo com o Queen sem necessariamente tentar, tendo uma estética cômica e grandiosa semelhante, controle total do ambiente de estúdio e os talentos vocais e instrumentais para obter seu sucesso. sonhos mais loucos em fita, não importa quanto tempo levasse. Mas a trilha sonora original foi lançada bem antes do Queen começar a gravar A Night at the Opera , então quem influenciou quem? Teria havido uma “Bohemian Rhapsody” sem “Une Nuit a Paris”?

A única colaboração de Creme-Stewart no álbum, “Life Is a Minestrone”, é outro pastiche divertido, começando com letras que não sinalizam claramente para onde pode estar indo: “Estou dançando no gramado da Casa Branca/Bebendo chá perto do Taj Mahal ao amanhecer/Perambulando pelos jardins da Babilônia/Minnie Mouse tem tudo costurado/Ela recebe mais cartas de fãs do que o Papa.” A melodia do refrão é mais do que cativante, mas a letra é uma paródia de uma daquelas canções de “sentido da vida” que encheram os anos 70: “Life is a minestrone/Served up with parmesão cheese/Death is a cold lasagna/Suspended in deep congelar."

“The Film of My Love”, composto e arranjado por Godley e Creme para soar como “Never on Sunday”, “Cheek to Cheek” e “Moon River” se encontram no set de um filme de Fellini, contém tantas referências cinematográficas quanto eles poderiam caber em cinco minutos: “Nós partimos com o vento/No Expresso do Oriente/Para nos juntarmos aos Sete Magníficos”. As metáforas se estendem até o ponto de ruptura com “Um close-up seu/Um plano geral meu/Sobrepostos/Vou dar um zoom em você/Com um amor que é verdadeiro/Em cinemascope para sempre”. É o único vocal principal de Gouldman no álbum, e ele o vende com desenvoltura, enquanto ele e Creme dedilham bandolins e Godley toca bongôs. “The Film of My Love” é uma despedida afetuosa de um álbum insanamente eclético.

Lançado em 11 de março de 1975, The Original Soundtrack alcançou a posição 15 na parada de álbuns da Billboard e vendeu rapidamente, embora nenhum outro single de sucesso tenha invadido as rádios AM nos Estados Unidos. Ken Barnes acertou em cheio quando escreveu na Rolling Stone: “Musicalmente, há mais coisas acontecendo do que em dez álbuns do Yes, mas geralmente é tão acessível quanto uma banda pop tradicional.” Os álbuns 10cc subsequentes - também com capas impressionantes da empresa britânica Hipgnosis - continuaram sua seqüência de música de alta qualidade, mas sempre tiveram mais sucesso nas paradas em sua terra natal. Na América, seu único outro sucesso pop real foi "The Things We Do for Love" de Deceptive Bends., ponto em que Godley e Creme se separaram para reiniciar suas próprias carreiras musicais enciclopédicas (confira a caixa de cinco CDs Body of Work para a maior parte dessa história).

Depois do Windows In the Jungle de 1983 , o Stewart-Gouldman 10cc entrou em um hiato, retornando com a formação original para ... Enquanto isso , que não os reviveu. Uma caixa de quatro CDs, Antes, Durante e Depois: A História de 10cc, foi lançada em 2017, no mesmo ano em que Stewart publicou um livro de memórias, Coisas que faço por amor . Gouldman ainda lidera uma versão de 10cc apesar das objeções ocasionais de seus ex-companheiros.

A trilha sonora original faz jus ao status de "obra-prima", e "I'm Not In Love" e "The Things We Do for Love" continuam onipresentes no rádio e nos serviços de streaming, mas apesar de serem elegíveis para introdução no Rock and Roll Hall of Fame desde 1998, 10cc nunca apareceu em uma cédula de nomeação.

Assista 10c ao vivo na BBC in Concert em 1974

Kiss' 'Destroyer': onde a música finalmente igualou a imagem

 

Qualquer discussão válida sobre o Kiss começa com o visual. A aparência, afinal, é a característica que separou a banda em seus primeiros anos, quando sua maquiagem kabuki com tema de ícone fez da banda uma sensação de marketing bem desproporcional ao apelo comercial real de sua música. Esses mesmos visuais, há muito descartados para uma era que começou com Lick It Up de 1983 , também foram um fator chave quando restaurados para uma turnê de reunião da formação original de 1996 que reviveu a fortuna decadente da banda e abriu uma nova corrida de viabilidade. Tanto quanto qualquer música, o visual é o elemento essencial da identidade e longevidade do Kiss.

Quando o quarteto lançou seu quarto disco de estúdio (e quinto álbum no geral) em 1976, Destroyer marcou uma evolução sábia de sua estética de capa de álbum; onde os quatro primeiros discos do grupo usaram fotos da banda em sua maquiagem e figurinos (com os ternos de Dressed to Kill de 1975 uma divertida mudança de ritmo), Destroyertransformou a banda nos personagens de quadrinhos que em algum nível sempre foram, com uma capa pintada pelo artista de fantasia (e sobrinho de Frank Frazetta) Ken Kelly. Situado em um cenário evocativo de chamas e névoas (embora menos evocativo do que a paisagem atormentada pela destruição na versão original rejeitada pela gravadora de Kelly) e apresentando os quatro companheiros de banda como personagens maiores que a vida, o resultado foi um grande sucesso de todos os tempos. capa de rock and roll com uma estética atualizada que, ao que parece, ecoou o conteúdo de um álbum que apresentava uma atmosfera decorativa abundante por si só.

Este anúncio comemorativo de 2 páginas apareceu na edição de 27 de março de 1976 da Record World

O ano de 1976 encontrou o Kiss em um ponto de virada positivo. Dressed to Kill tinha sido uma operação complicada de uma gravadora com pouco dinheiro, com a Casablanca Records tão falida que o chefe da gravadora Neil Bogart produziu o disco para evitar pagar a um estranho. Então veio a coleção de dois discos ao vivo do grupo (com grandes overdubs) Alive! mais tarde no mesmo ano, que alcançou o top 10 na parada de álbuns da Billboard e puxou Casablanca para longe do abismo da falência, para não mencionar a obtenção de um novo contrato para o Kiss que pagou US $ 15 milhões à vista. Para o próximo álbum, não haveria capataz caseiro.

Beijo em 1976

Entra Bob Ezrin, recém-saído de seu sucesso com Alice Cooper em Welcome to My Nightmare , um álbum conceitual de sucesso comercial construído para teatralidade e excesso de arco. Essas mesmas qualidades se traduziram perfeitamente no paradigma do Kiss, e sua chegada marcou um avanço para a banda ao oferecer uma experiência sonora que combinava com os elementos dramáticos de seu visual.

A presença de Ezrin é sentida imediatamente no registro, e não apenas porque ele atua como um leitor de notícias em meio ao preâmbulo de efeitos que inicia o lado um. São quase 90 segundos de pneus cantando e aparelhos de som de carro (tocando o então recente hit “Rock and Roll All Nite”, naturalmente) antes que a banda apareça, saltando com o som nítido de “Detroit Rock City”. Impulsionada pelas guitarras elétricas duplas entrelaçadas de Ace Frehley e Paul Stanley e dourada por um lick de baixo repetitivo de Gene Simmons, a música é uma laje estrondosa de rock bombástico onde o lamento ecoado de Stanley está em casa. A faixa seria oferecida como o terceiro single do álbum a uma recepção morna, embora 45 encontrasse uma nova vida graças ao seu outro lado ... mas mais sobre isso daqui a pouco.

“King of the Night Time World” não era um original do Kiss, mas a capa do Hollywood Stars está em sua casa do leme com sua mistura inicial de fanfarronice e virgem crua fundida em uma pulsação insistente. Se eles mesmos tivessem escrito, poderia ter uma estrutura um pouco diferente, dado o problema que sua mudança de tempo no meio da música deu ao baterista Peter Criss, mas suas explosões descaradas de clichê auto-engrandecedor, vestidas com o solo decorativo de Stanley, aterram o todo o assunto bem no beco da banda.

O fascínio pelo darkly fantastic foi uma das forças criativas da banda desde seus primeiros dias, e isso se mostra na rechonchuda e melodramática “God of Thunder”, uma música tão séria que não pode ser séria. É uma arrogância de primeiro rascunho, ridícula e excessiva - o grunhido do refrão de Simmons é um lembrete severo de seus limites - mas sua seriedade brutal demonstra o quão valioso sempre foi o comprometimento com a parte para esse ato. Os adornos de guitarra e bateria em seu trabalho sludgy são exagerados, mas com esses sabores adicionados a uma linha de teclado de Ezrin e trechos vocais aleatórios de seus dois filhos, a variedade de alguma forma obscurece a falha fundamental do número - que pinta suas imagens sombrias com falta de imaginação.

Por outro lado, há “Grandes Esperanças”, uma oportunidade para Simmons abrir suas asas (de morcego) que Ezrin cria de forma espetacular. Embora em sua essência seja sobre o que quase todas as canções do Kiss falam - a perspectiva iminente de sexo com o Kiss - há uma ambição real em combinar elementos da "Sonata nº 8" de Beethoven e vocais de apoio do Brooklyn Boys Choir em uma música na qual Simmons lembra a todos mais uma vez das capacidades de sua língua, observando com orgulho: “Você vê o que minha boca pode fazer”. Inegavelmente cozida demais, a música também é estranhamente insinuante, uma explosão de absurdo que vale tudo que se soma a um absurdo intrigante.

O impacto de Ezrin é ouvido em todos os lugares, inclusive em sua convocação do ex-aluno de Lou Reed/Alice Cooper, Dick Wagner, para a guitarra não creditada em “Sweet Pain”, que insere talento por trás de um vocal principal de Simmons em uma vareta de uma melodia e veste uma outra forma contundente hino. Wagner também aparece sem portfólio em “Flaming Youth”, uma mistura de um arranjo no qual Ezrin pegou partes de canções individuais de Frehley, Simmons e Stanley e as juntou em uma enquanto acrescentava seus próprios toques, entre eles um sopro de calíope sob uma repetição refrão. Oferecido como um segundo single que estagnou em # 74, a canção apresenta um dos momentos vocais mais fortes de Stanley no disco, conduzindo sua mensagem rebelde de uma maneira consideravelmente menos caricatural do que muitas de suas declarações, embora seu grito final de “mais alto” perto do final fica bem próximo.

A produção do álbum dá coesão e adiciona profundidade em alguns lugares ao que de outra forma seria totalmente esquecível. O encerramento do álbum “Do You Love Me” fermenta o típico bloviation do Kiss com um toque de carência, mas fora da coragem de suas convicções, seus encantos são altamente suspeitos.

De certa forma, sua falta de um gancho convincente torna necessária a faixa final “escondida” que se segue, a espacial instrumental “Rock and Roll Party”, apenas porque fecha o álbum com algo que, embora soe aleatório, dissipa qualquer obsolescência persistente. do que o precedeu.

Destroyer chegou às lojas em 15 de março de 1976, apenas duas semanas após o lançamento de seu primeiro single, "Shout It Out Loud". A coisa mais próxima de um hino de festa que o disco tinha a oferecer, era um candidato lógico para replicar o sucesso de “Rock and Roll All Nite”. Apresentando um dueto vocal principal atípico de Stanley e Simmons, sua arrogância propulsiva combinava com os estilos de ambos. Combinado com uma faixa espessa de guitarra elétrica e preenchimentos que levam para casa a bateria chocalhante de Criss, é uma peça envolvente na qual todos os componentes da banda se fundem. No momento em que o verão do Bicentenário de 76 chegou, parecia que sua ascensão para o 31º lugar na parada de singles - e sua performance no topo das paradas no Canadá, a primeira vez da banda a alcançar isso em qualquer lugar - seria o sucesso de assinatura do álbum. .

Mas então veio “Beth” e seu improvável caminho para o sucesso. Uma música que Criss co-escreveu com seu amigo e ex-colega de banda do Chelsea Stan Penridge anos antes (com o título “Beck”, outro detalhe que demonstra o impacto de Ezrin), ele a ofereceu à banda e encontrou um colaborador disposto em seu produtor. A música finalizada apresenta uma adorável (e novamente sem créditos) linha de violão de Wagner, piano de Ezrin e ajuda substancial de 25 membros da Orquestra Filarmônica de Nova York. Criss fornece o vocal principal e, embora áspero e indicativo da paleta estreita à sua disposição, é indiscutivelmente a performance vocal mais memorável em qualquer música do Kiss.

O resto da banda teve pouco uso para ela e, na verdade, é a única música no catálogo da banda em que nenhum dos principais toca um instrumento. O gerente do Kiss, Bill Aucoin, mais tarde alegaria que Simmons e Stanley queriam mantê-lo longe do Destroyer , e que foi salvo apenas por sua intervenção.

Bogart também não fez nenhum favor à música. A cabeça de Casablanca rejeitou a faixa e, apesar de receber conselhos de que ela tinha potencial para ser um sucesso, ele exigiu (porque, foi alegado, o nome de sua ex-mulher era Beth e ele pensou que representava elementos de seu casamento desmoronando ) seja torpedeado, tornando-o o lado B de “Detroit Rock City”. Acontece que o rádio descobriu a música ali e começou a tocá-la. Um mês após o lançamento inicial de "Detroit Rock City" em julho, o single foi relançado, com "Beth" agora no lado A e "Detroit Rock City" relegado ao flip e, a partir daí, tornou-se uma sensação.

"Beth" chegaria ao 7º lugar - até hoje o mais alto que qualquer single do Kiss já alcançou - enquanto vendia um milhão de cópias e ajudava a acender o fogo sob Destroyer's vendas, que até então eram fracas. Também se tornou uma das músicas de assinatura da banda, para grande desgosto de pelo menos três do quarteto. Simmons e Stanley fizeram questão de especular que Criss era incapaz de escrever a música, e até hoje sua performance nos shows do Kiss faz com que todos saiam do palco quando o cara com maquiagem de gato (hoje em dia é Eric Singer) sai de atrás da bateria para cantar uma faixa pré-gravada. Nada dessa má vontade - e esta é uma banda na qual os ressentimentos são historicamente fáceis de encontrar - muda o imenso sucesso da música, nem os benefícios que ela proporcionou à banda ao ganhar uma reputação duradoura como uma balada clássica poderosa.

Ouça a versão ao vivo de “Beth” do LA Forum em 1977, lançada no álbum Alive II

Dois meses depois de "Beth" atingir seu pico nas paradas, Destroyer se tornou o primeiro álbum do Kiss a atingir as vendas de platina, feito que a banda logo replicaria com seu álbum seguinte, Rock and Roll Over , que chegou em novembro do mesmo ano. Ezrin partiria para aquele set, substituído nos próximos projetos pelo retorno de Alive! o produtor Eddie Kramer (incluindo Love Gun de 1977 , com outra capa icônica de Kelly). Ao longo do caminho, a banda continuou seguindo o caminho estabelecido no Destroyer, fabricando música com um ouvido voltado para uma produção mais envolvida e refinada que, mesmo que não pudesse ser comparada, poderia compensar as expectativas criadas pela variedade de sangue cuspido, guitarras em chamas, pelos explosivos no peito e, sim, línguas estranhamente prolongadas encontradas em seus espetáculos de palco.