José Fernandes Castro / Júlio Proença *fado puxavante*
Repertório de António de Jesus
Da janela do meu quarto Apenas vejo saudade E sinto que me reparto Entre o sonho e a verdade
O sonho de te não ver / Como via antigamente E a verdade de querer / Beijar-te constantemente
Vejo da minha janela / Vestígios dum grande amor Que por ela, só por ela / Me faz sentir sonhador
Mas o tempo vai voando / Sem trazer-te de regresso Porque não há retrocesso / Na dor que vou suportando
Janela da minha vida / Meu sufoco magoado É para ti este fado / Que canto d'alma ferida
À janela do luar
José Gonçalez / Miguel Ramos *fado alberto* Repertório de António Pinto Basto
Será que no teu peito ainda mora
Aquele coração apaixonado
Que disse: por favor não vás embora
Que ainda existe amor pró nosso fado?
Será que aquela mão que me estendias
No ultimo momento dos meus passos
Ainda guarda o lume desses dias
A correr das tuas veias prós meus braços?
Será que o nosso quarto ainda sente
Aquela lua cheia de ternura
Que embora minguante era crescente
No sal dos nossos corpos de loucura?
Mas sei, que este mar sobre os meus pés
De mansinho, os meus sonhos vem beijar
E traz-me esta saudade que tu és
Debruçada na janela do luar
A janela do meu peito
Letra e musica de Alberto Janes Repertório de Amália
Lá vai brincando, pela mão de uma quimera Essa garota que fui eu, sempre a sorrir Como se a vida fosse eterna primavera E não houvesse dores no mundo p’ra sentir
As gargalhadas vêm poisar na janela E ao ouvi-las tenho mais pena de mim Ai quem me dera rir ainda como ela Mas quando rio, eu já não sei rir assim
Tenho a janela do peito Aberta para o passado Todo feito de fadistas e de fado Espreita a alma na janela Vai o passado a passar E ao ver-se nela, a alma fica a chorar Neste desfile que passa Fica a saudade sózinha Até a graça, perdeu a graça que tinha Desilusões as que tive Enchem a rua…lá estão E a gente vive dos tempos que já lá vão
Lá vem gingando nesse seu passo miúdo Melena preta, calça justa afiambrada Como mudamos, tu que foste para mim tudo Hoje a meus olhos pouco mais és do que nada
Tuas chalaças de graçola e ironia Eram da rua, andavam de boca em boca Eu, era ver-te não sei o que sentia Talvez loucura, que por ti andava louca
Antes da chegada de Steve Perry, o Journey era um grupo de fusão bastante discreto e principalmente instrumental, procurando se intrometer na cena jazz-rock perpetrada por nomes como Weather Report e Mahavisnu Orchestra.
O interesse do Journey pelo jazz-fusion experimental foi confirmado em seu álbum de estreia autointitulado, lançado em 1975. Um trabalho elegante, o álbum ressoa com uma segurança além de sua formação recente, todos os músicos parecem fluidos e experientes. Neal Schon, em particular, rasga seu braço da guitarra como uma combinação de Jeff Beck e Robert Fripp. Confira o Kahoutek de sete minutos, onde ele troca licks de chamada e resposta com Gregg Rolie.
Surpreendentemente para uma música tão complexa, o álbum vendeu moderadamente bem, alcançando a posição 138 na parada da Billboard. Depois que George Tickner saiu da banda, seus próximos dois álbuns - 'Look Into The Future' de 1976 e 'Next' de 1977 - repetiram o padrão, com Gregg Rolie fazendo um esforço concentrado para entregar vocais razoavelmente eficazes sobre o que era claramente um jazz- fanfarronada de fusão.
Grandes jogadores, o estilo inicial e os arranjos meticulosos de Journey iriam, inevitavelmente, limitar o seu apelo, a menos que mudanças radicais fossem implementadas. Seu som atraiu ótimas críticas, mas, como entidade comercial, eles estavam presos em uma rotina. Não é de surpreender que, a pedido de sua gravadora, a Columbia, mudanças precisassem ser feitas e uma remodelação radical da banda fosse exigida para expandir seu apelo.
Efetivamente, isso significou adicionar um vocalista/frontman adequado e modificar a direção musical. Foi uma pílula difícil de engolir, mas a banda pegou no queixo e lançou a rede para ver o que era possível.
Jornada com Robert Fleischman (extrema direita) 1977
Eles escolheram o californiano Robert Fleischman , que se juntou à banda em junho de 1977, a pedido do presidente da gravadora, Bruce Lundvall, que pediu a Robert que voasse para São Francisco para ver a banda. Fleischman rapidamente assimilou seus novos companheiros de banda, co-escrevendo um punhado de músicas, três das quais – Wheel In The Sky, Anytime e Winds Of March – apareceriam mais tarde no Infinity.
No entanto, após a turnê com Fleischman por quase um ano, as coisas desmoronaram entre a banda e seu vocalista quase adquirido e foi tomada a decisão de recrutar Perry (que trabalhava como técnico da banda) para o cargo, depois que ele fez o teste para o papel durante uma passagem de som.
Foi o início de um novo capítulo para Journey. Dotado de uma personalidade atraente, boa aparência e uma voz arrasadora, Perry logo se tornou o ponto focal das atenções. Agora era hora de liberar seu talento em estúdio gravando o quarto e fundamental álbum do Journey, Infinity.
Foto publicitária da Journey Infinity 1978
O plano era simples: escrever músicas, contratar um produtor, selecionar um estúdio e fazer um álbum que serviria de base para os próximos 10 anos ou mais. Steve mergulhou na composição com todos os membros da banda, mas principalmente com o novo parceiro criativo Neal Schon, eventualmente garantindo créditos de co-autoria em oito das 10 músicas.
Steve e Neal estabeleceram um relacionamento forte e rapidamente estabeleceram uma cabeça de ponte, fortalecendo o som da banda e estabelecendo uma nova direção. A ênfase agora estava em músicas totalmente formadas com melodias, refrões e o tipo de estilo contemporâneo que fazia a competição tremer.
A escolha do produtor foi inspirada. Banda, empresário e gravadora concordaram com Roy Thomas Baker, o extravagante artesão de estúdio britânico que trabalhou com algumas das bandas de rock mais influentes do mundo, incluindo Free e – mais importante – Queen.
Depois de ver a banda ao vivo em Santa Monica, RTB (como é carinhosamente conhecido) e seu engenheiro de confiança Geoff Workman se encontraram com a banda no His Master's Wheels Studio (antigo Alembic Studios), localizado na Brady Street, no centro de São Francisco.
“Eles me colocaram em um pequeno apartamento na Bay Street”, lembra Steve. “Eu ia ao SIR [Studio Instrument Rentals, uma conhecida sala de ensaio] todos os dias e escrevia músicas com a banda.
“Então, de repente, chega o RTB. Tínhamos um enorme respeito por ele, porque ele produziu Queen e Free. Ele era muito divertido. O estúdio [His Master's Wheels] tinha um console Neve antigo e uma grande sala de gravação, e a próxima coisa que você percebe é que ele estava realmente nos dando um som diferente.
“Neal está fazendo o que chamamos de 'guitarras de violino'. Roy me fez empilhar todos os vocais em um aparelho de 40 pistas, e eu realmente gostei desse processo. Além disso, Geoff Workman foi tão instrumental que acabamos contratando ele para fazer um dos discos [Departure] sem RTB.
“Ensaiamos bastante o material antes de gravá-lo, então tudo estava pronto antes de Roy chegar. O que Roy nos deu foi a oportunidade de experimentar diferentes texturas e ideias, mas o aspecto fundamental das músicas e dos arranjos estava feito. Ele realmente nos deu uma direção e a partir daí a banda se encontrou.”
“Tenho boas lembranças de trabalhar com Roy e Geoff”, diz Gregg. “Roy gostava muito de experimentação e era bastante selvagem no estúdio. O multi-tracking de guitarras e vocais foi algo totalmente novo para nós – todas as camadas. Foi um trabalho intenso. Ele criou um som que muitos caras não gostaram porque era muito nervoso, mas aconteceu de eu gostar.
“Essas faixas tinham um som específico, que é o que um bom produtor faz. Ele era, e ainda é, um personagem real. Ele e Workman – era divertido estar perto deles. Workman fazia grande parte do trabalho pesado, na medida em que fazia as coisas.
“Geoff trabalhava com Roy há muito tempo e sabia o que queria. Se Roy desaparecia por algumas horas, Geoff simplesmente continuava porque sabia o que eles estavam fazendo como equipe. Usamos a mesma equipe no próximo álbum, Evolution. Isso nos colocou no mapa.”
Não é de surpreender que o maior impacto tenha sido a qualidade e a força dos vocais de Steve Perry.
“Eu certamente descobri a profundidade do multitrack, já que nunca tive a oportunidade de trabalhar em uma máquina de 40 pistas antes”, diz Perry. “Eu nunca tive a capacidade de fazer oito notas fundamentais e depois colocá-las em uma faixa, depois apagá-las e fazer as oito terças, apagá-las e depois fazer oito quintas e oito oitavas e assim por diante - e de repente você tem uma grande pilha como em qualquer hora. Quando eles estão em camadas e bem untados, eles simplesmente bloqueiam. Roy sabia como fazer isso.”
Com o álbum concluído, seguiu-se uma reforma no design. A banda trouxe os renomados artistas de São Francisco Alton Kelley e Stanley Mouse (nome verdadeiro Stanley George Miller). A dupla primeiro se juntou aos decanos da contracultura de São Francisco, o Grateful Dead (desenhando as capas de seus álbuns) e o lendário promotor da Costa Oeste, Bill Graham (desenhando os pôsteres de seus shows). Durante o início dos anos 70, eles formaram o Mouse Studio e ajudaram a reformular a marca Journey, projetando e padronizando a arte da capa, incluindo as coloridas asas flamejantes do Infinity. A dupla também criou um logotipo do Journey.
Diz Perry: “Bruce Lundvall era o presidente da Columbia na época e ele brincou que, para fazermos outro disco comigo cantando, teríamos que vender um milhão de unidades. Daí a razão pela qual ficamos na estrada por 298 shows naquele ano. Começamos a turnê em fevereiro e não voltamos para casa por quase um ano.
"Wheel In The Sky" foi o primeiro single. Neal e eu fomos a uma pizzaria, fui até a jukebox e vi uma Wheel In The Sky 45 naquela máquina – uma sensação de êxtase. Não contei ao Neal, apenas coloquei duas moedas, apertei o botão, sentei e a música começou. Neal olhou para mim e começou a rir. Foi um momento monumental. Naquela época, se você estivesse começando a aparecer em jukeboxes, era um sinal de que você finalmente poderia estar começando a acontecer."
'Infinity' marcou a iniciação de Perry no mundo da gravação profissional, um marco nas acrobacias auditivas contemporâneas. Dentro do confinamento de 10 músicas, ele mudou sem esforço da improvisação alegre (La Do Da) para a bombástica épica (Wheel In The Sky), fornecendo um modelo a partir do qual surgiriam futuros diamantes criativos, cimentando para sempre o apelo de Journey e garantindo seu lugar no rock. Hall da Fama vocal. [extraído de Louder Sound )
Crítica do álbum (por Easy Livin' - Progarchives)
Após a espetacular falta de sucesso de seus três primeiros álbuns musicalmente credíveis, o Journey sucumbiu à pressão de sua gravadora e se reinventou. Reconhecendo que eram fracos no departamento vocal, inicialmente trouxeram Robert Fleischman como vocalista principal. No entanto, ele durou menos de um ano, havendo apenas uma gravação da banda disponível comercialmente com seu vocal ("For you" pode ser encontrado no box "Time 3"). No entanto, ele escreveu outras músicas com a banda, três das quais podem ser encontradas em "Infinity".
No final de 1977, no movimento mais significativo de toda a existência da banda, Steve Perry assumiu o papel de vocalista principal. Pelo meu dinheiro, Perry tem uma das melhores vozes do rock. Ridicularizado por afastar a banda do rock fusion que tocavam até então, deve-se, no entanto, reconhecer que sua chegada trouxe imediatamente o sucesso comercial que a banda e sua gravadora desejavam. Neste álbum, Perry divide os vocais principais com o fundador Gregg Rolie, mas já é evidente que os talentos de Rolie são mais fortes em outros lugares.
O famoso produtor do Queen, Roy Thomas Baker, foi contratado para produzir o álbum, Baker trazendo com ele muitas das técnicas que usou para grande sucesso com o Queen.
A abertura “Lights”, escrita por Steve Perry e Neal Schon, dá uma indicação imediata do caminho que Journey seguirá para sempre. Esta clássica balada AOR pode ser ultra suave, mas tem uma melodia matadora e todos os ingredientes de um hino ao vivo. Perry e Schon dominam a composição do álbum como um todo, mas os outros membros da banda também contribuem.
As músicas alternam entre baladas, hinos e rock animado, mas ao mesmo tempo são mais curtas e muito mais focadas. As longas pausas instrumentais já se foram e as improvisações são agora uma área definitivamente proibida. As faixas aqui duram de 2½ a 5 minutos, com a maioria tendo a duração preferida de 3-4 minutos.
Faixas como a balada vocal “Paciently” podem não soar como nada que ouvimos até agora do Journey, mas as vendas do álbum falam por si, e tais músicas pelo menos garantiram um futuro para o Journey. Pessoalmente, considero-a uma música maravilhosa.
A otimista "Wheel in the sky" é semelhante a "Murder in the skies" de Gary Moore, pelo menos melodicamente, mas não no sentimento. "Wheel In The Sky" foi escolhido para ser lançado como primeiro single do álbum.
Os cinco minutos de "Winds of March", escrita durante o breve período de Robert Fleischman com a banda, é o mais próximo que chegamos de algo progressivo aqui. A música inclui ótimo órgão e guitarra, que combinam bem com o excelente vocal de Perry.
Ao todo, um álbum que para meu dinheiro é injustamente ridicularizado, não pela música que contém, mas pelo que representa em termos da história do Journey. O simples fato é que a gravadora da banda estava pronta para abandoná-los. Eles tiveram que reinventar ou morrer. É um mérito deles terem dado os passos ousados que tomaram. Embora “Infinity” possa representar o fim do Journey como uma banda com credenciais progressivas, ainda é um bom álbum.
Este post consiste em FLACS extraídos de minha cópia em vinil, adquiridos de uma das principais lojas de importação de Melbourne em 1979, localizada na Flinders Street, se não me falha a memória. A capa do álbum e as gravadoras têm os detalhes da gravadora escurecidos com texto, uma prática comum nas lojas de importação australianas da época. Por que, não tenho certeza.
Como bônus, também incluo uma demo de "Wheel In The Sky", gravada em 1977 com Robert Fleischman nos vocais principais. Os vocais de Fleischman têm um toque distinto de Robert Plant, e embora sejam bons; eles não têm o refinamento e o alcance vocal de Perry. Steve Perry é definitivamente uma das grandes vozes do rock, um tipo de vocalista único e influenciará toda uma geração de aspirantes a crooners.
Listagem de faixas
01. Lights (3:10)
02. Feeling That Way (3:27)
03. Anytime (3:28)
04. Lă Do Dā (2:58)
05. Patiently (3:20)
06. Wheel In The Sky (4:12)
07. Somethin' To Hide (3:26)
08. Winds Of March (5:04)
09. Can Do (2:39)
10. Opened The Door (4:34)
11. Wheel In The Sky (Bonus Demo with Robert Fleischman on vocals)
Alinhar:
- Steve Perry / vocal principal
- Neal Schon / guitarra elétrica e acústica, backing vocals
- Gregg Rolie / teclados, solo (2,3) e backing vocals
Great Hard Rock do Helix, banda formada em 1974 em Kitchener, Ontário.
Neste concerto no Harpos, Detroit, estavam a promover o seu quarto álbum, Walkin' the Razor's Edge , com oito faixas deste álbum incluídas no set nomeadamente o hit Rock You
No final dos anos 70 e início dos anos 80, o quarteto nova-iorquino SORROWS era uma banda em ascensão com uma presença de palco emocionante e um som único: três vocalistas, um ataque de guitarra dupla e melodias imediatamente inesquecíveis e com ganchos. Em 1981 e com o lançamento de seu álbum de estreia TEENAGE HEARTBREAK, eles estavam junto com The Romantics e The Plimsouls no topo da então chamada cena "Power-pop".
As expectativas para o segundo álbum, Love Too Late, eram muito altas, mas o resultado final foi decepcionante para os fãs e para a própria banda. Na verdade, quase não há Sorrows no álbum original, com os músicos e cantores substituídos no estúdio por um bando de pistoleiros contratados, com apenas as músicas sobrevivendo intactas.
Depois de quatro décadas e algumas batalhas legais, os membros originais do SORROWS ARTHUR ALEXANDER (vocal, guitarra), JOEY COLA (vocal, guitarra) e RICKY STREET (vocal, baixo), acompanhados pelo baterista LUIS HERRERA regravaram LOVE TOO LATE... the álbum de verdade. É, como Arthur diz nas notas do encarte, “verdadeiros Sorrows, tocando músicas reais dos Sorrows, como só os Sorrows podem”, e aqueles que estiveram lá para ouvir essas músicas tocadas ao vivo no auge da banda irão atestar que This Real Album agora lançado em BIG STIR RECORDS é realmente o verdadeiro negócio.
1) Para fins de argumentação, digamos que um espectador muito jovem tropeça neste blog pela primeira vez e não sabe quem são os SORROWS: o que você diria a ele sobre a banda para apresentar os vários membros, a história do a banda e também seu corpo de trabalho?
Comecei o Sorrows por volta de 1976, logo depois de deixar o The Poppees, uma das bandas de Nova York que estava começando a cena punk/new wave na cidade. Os Poppees estavam fortemente inclinados para o som Merseybeat do início dos anos 60, especialmente os Beatles, e foram uma das primeiras bandas que lançaram as bases para o que logo se tornaria conhecido como Power Pop.
A formação do Sorrows consistia em Joey Cola no voc/gtr; Ricky Street no vocal/baixo; eu no vocal/gtr e Jett Harris na bateria (Jett também tocou comigo no The Poppees). No início tocamos em todos os pontos quentes de Nova York e frequentemente tocávamos na costa leste de Boston, Filadélfia, Washington, DC e outras cidades, desenvolvendo uma base sólida de seguidores.
Em 1979 assinamos um contrato com uma das gravadoras associadas à CBS Records e lançamos dois álbuns. O primeiro – “ Teenage Heartbreak ” – foi muito bem recebido pelos fãs e pela crítica, tornando-se lenda. Principalmente porque após seu lançamento inicial a CBS nunca mais relançou nenhum de nossos discos. O álbum seguinte, “ Love Too Late ”, foi gravado em Londres e produzido por Shel Talmy. Foi uma foda total e uma farsa de disco. Basicamente, fomos substituídos por um grupo de músicos de estúdio, acompanhando os vocais de Joey.
Nós, como banda, renegamos isso, os fãs sentiram o fedor e os DJs de rádio não quiseram tocar nele. O disco, como era de se esperar, foi um fracasso total e desapareceu sem deixar rastros. E isso foi uma coisa boa!
2) Sobre o álbum recém regravado, "Love too late", o que você pode contar sobre o processo de gravação? Foi uma gravação "ao vivo" em estúdio ou uma gravação faixa por faixa com muitos overdubs?
Embora relançar “Teenage Heartbreak” tenha sido relativamente fácil, apenas uma questão de melhorar as mixagens e o som geral, “Love Too Late” apresentou um problema totalmente diferente. Mesmo que eventualmente tenhamos reivindicado os direitos de nossas músicas e masters, quando se tratava desse disco não havia realmente nada para ‘relançar’. A “produção” de Talmy era um lixo total e “a banda” era um bando de hacks de estúdio, não Sorrows. A única (e certa) coisa a fazer era gravar o álbum como foi planejado.
Nessa época estávamos espalhados entre as costas leste e oeste, então fazer isso “ao vivo” não era uma opção. Além disso, a essa altura Jett Harris já havia se aposentado completamente. Luis Herrera interveio e a primeira coisa na agenda era substituir a bateria com som abominável por outra que soasse como bateria e fosse tocada por um verdadeiro baterista de rock and roll (embora eu tivesse me contentado com pelo menos alguém com pulso!). Feito isso, substituímos todos os malditos teclados e sintetizadores em que as faixas estavam se afogando, por guitarras, já que SOMOS uma banda de guitarras! Em seguida veio a substituição dos cantores de estúdio pelos nossos próprios vocais (que conceito!). Só então vieram os overdubs como eu pretendia que fossem, o que nunca consegui fazer depois que saí no meio das sessões originais. Demorou muito tempo e trabalho duro, mas valeu a pena.
“ Love Too Late… o verdadeiro álbum ” É o álbum que Sorrows pretendia que fosse.
3) No que diz respeito às gravações deste último álbum, vocês utilizaram a atual tecnologia de gravação digital ou ainda continuam trabalhando com máquinas analógicas em estúdios analógicos?
Não tínhamos luxo nem orçamento para ir a estúdios comerciais e eu tenho meu próprio estúdio muito legal. Tudo foi feito no Pro Tools, embora eu tenha executado muitas faixas em meu gravador Studer/Revox de 2 faixas durante a gravação.
4) Qual é o seu tópico/tópico favorito que surge facilmente quando você escreve uma nova música?
Parece que você quer dizer “letras”? Joey e Ricky são realmente muito bons quando se trata de letras. Eu, bem, não sou Bob Dylan, então normalmente acabo optando pelo testado (banal? ) e verdadeiro, você sabe, menino/menina/sexo... embora ocasionalmente eu me surpreenda com algo que na verdade é meio decente !
5) Que tipo de música você ouvia quando era adolescente e isso ainda influencia seu trabalho hoje? Quais eram suas bandas favoritas quando era adolescente? Cite 3 bandas que você considera que ainda influenciam seu trabalho hoje.
Todos partilhamos influências comuns, desde os primeiros roqueiros, como Chuck Berry, Little Richard e Eddie Cochran, até às bandas britânicas dos anos 60; Beatles, Stones, Who, Kinks, etc…
6) Agora que seu segundo álbum finalmente recebeu o tratamento merecido, você também considera, pelo menos, um relançamento de seu álbum de estreia? Se não me engano esse álbum nunca foi lançado em CD ?
Ummm… errr… você está enganado! “Teenage Heartbreak” ganhou o devido valor com o lançamento de “Bad Times Good Times”, essencialmente o álbum “Teenage Heartbreak” com novas mixagens, masterização e faixas bônus, lançado em 2011 pela Bomp! Registros. O legado dos Poppees também foi preservado pelo lançamento de “Pop Goes The Anthology” em 2010, na Bomp! Registros também.
7) Há algum artista nos EUA hoje de quem você se considera próximo, musicalmente falando?
Francamente, não consigo pensar em nenhum, com exceção de Pat Todd e The Rankoutsiders de Los Angeles. Uma grande banda de rock and roll que merece muito mais reconhecimento do que tem recebido.
8) Você acha que era mais fácil estar em uma banda de rock'n'roll nos anos 70/início dos anos 80 do que é agora? O que mudou?
Não sei se foi “mais fácil”, mas acho que foi mais divertido. Pelo menos para nós, já que tivemos a sorte de fazer parte de uma “cena” real que estava acontecendo em Nova York naquela época, algo que realmente não aconteceu desde então.
9) Existe um compositor principal na banda ou todos estão envolvidos de uma forma ou de outra?
Fui o principal compositor da banda, mas sempre incentivei os outros a trazerem suas músicas. Tanto Joey quanto Ricky contribuíram com alguns ótimos para o nosso repertório.
10) Vocês agora são artistas da Big Stir Records. É este o rótulo que melhor se adapta ao SORROWS? E se sim, porquê?
Sim, fazemos parte da família de artistas BSR e não poderíamos estar mais felizes! Eles são ótimas pessoas, trabalham duro por seus artistas e têm a verdadeira missão não apenas de promover o Power Pop, mas também de tratar seus artistas como seres humanos, não apenas como números no livro-razão. Um conceito bastante refrescante!...
11) Quais são os planos para o resto de 2021 no que diz respeito ao SORROWS?
Da forma como as coisas estão agora, com a Covid a assolar todo o país e metade da população dos EUA aparentemente tendo engolido a “pílula estúpida”, não há realmente nenhum incentivo para fazer muito. Esperançosamente, todos eles terão uma pista antes de morrerem e as coisas voltarem ao normal.
12) Algo que você queira acrescentar?
Eu adoraria que o Sorrows fizesse alguns shows ao vivo, uma turnê, especialmente pela Europa, Japão seria uma explosão!... mas por enquanto isso não parece estar nos planos.
Banda italiana de exploração tocando a música maluca de um obscuro produtor austríaco. Este álbum está repleto de loucura de Hammond e vibrações psicológicas de blues. Uma verdadeira delícia do começo ao fim! Dizem que é SUB disfarçado!
Se os americanos McLuhan sentiram a influência do protoprogressismo britânico, você definitivamente não pode dizer isso pela música deles. Tudo começou com o time Seven Seas de Chicago . Foi liderado por Paul Cohn , um jovem curioso que era estudante universitário na época. A brigada se especializou em jazz-rock com abundância de instrumentos de sopro. O próprio líder tocava alternadamente saxofone, clarinete e flauta. Mas, inquieto por natureza, fazia periodicamente tentativas de fortalecer o componente do nado peito. Finalmente, Cohn pensou em ligar para seu amigo David Wright , um estudante cabeçudo e bom em tocar trompete. A aliança acabou sendo excelente. Juntamente com o organista Martin Kraut, o trio gerou ideias composicionais originais. No entanto, Seven Seas teve uma vida longa. E então David encorajou seus amigos a iniciarem o projeto conceitual de McLuhan . Na verdade, a criatividade do Sr. Wright resumiu-se à fórmula especulativa “mais coisas diferentes, mas em um monte”. Curiosamente, a técnica funcionou. Um coquetel inimaginável de rock, soul, funk, elementos klezmer, country folk e outras influências encantou o público farto do doce pop comercial. E uma mudança radical por parte dos jovens intelectualmente desenvolvidos quase sempre veio a calhar. Ao longo de 1970, o grupo, cujas fileiras se expandiram para incluir amigos e conhecidos, entregou-se aos ensaios. E no outono do mesmo ano, após uma apresentação particularmente inspirada em um prédio da Lincoln Avenue, foi assinado um contrato com a administração da gravadora Brunswick Record. Sob a direção de produção de Bruce Suidien (futuro vencedor de 13 prêmios Emmy), a miniorquestra McLuhan decidiu registrar as fantasias bizarras de Wright para a história.
Existem quatro faixas no disco. O número de abertura "The Monster Bride" é uma obra-prima inspirada nos filmes mudos sobre Frankenstein. O ataque sonoro se desenrola lentamente. Os esforços líricos de órgão e metais logo adquirem um tom descaradamente atrevido (especialmente em combinação com a seção rítmica: Neil Rosner - baixo, vocal principal, John Mahone - bateria, vocal). O que se segue é uma zombaria completa: uma paródia da trilha sonora da 20th Century Fox, efeitos de voz “fantasmagóricos”, melodias de baladas comoventes e pathos de jazz sinfônico com um swing poderoso para arrancar. O monólogo artístico de Dixieland "Spiders (In Neal's Basement)" é parcialmente baseado nas colisões do romance "Heart of Darkness" de Joseph Conrad ; paradoxalmente combina o espírito dos musicais da Broadway com o sabor rítmico latino. O cativante estudo orquestral "Witches Theme and Dance" é dedicado a desmascarar as políticas do senador McCarthy . Os momentos melódicos lembram os New Trolls italianos com o seu “Concerto Grosso”, mas o conteúdo principal da fusão é único e dificilmente passível de análise. A estrutura final de 10 minutos “Uma Breve Mensagem da Sua Mídia Local” é um quadriptico misterioso, começando com um conto romântico, transformando-se em um burlesco polifônico com uma sólida dosagem de latão-funk (saudações calorosas ao Mandrill!) e terminando com um staccato execução mecânica do motivo cult “ América ” Leonard Bernstein .
Resumindo: um excelente lançamento, que até hoje é percebido como uma lufada de ar fresco em meio ao pântano rochoso estagnado. Altamente recomendado.
A palavra Begnagrado tem vários significados. No entanto, os músicos da formação eslovena com o mesmo nome optaram pelo conceito de “fuga” - da rotina e da ossificação para um mundo imaginário, perigoso e sedutor. Quanto à história imediata do conjunto, ela começou em meados da década de 1970. Quatro alunos, liderados pelo acordeonista Bratko Bibich, decidiram fazer algo original. A inspiração veio do folclore nativo, dos clássicos e do rock. Fortalecido tecnicamente, o quarteto considerou necessário registrar em filme as obras de maior sucesso. Além disso, essas gravações foram posteriormente lançadas oficialmente pela gravadora local BPM. Mas com o tempo e devido à rotação de pessoal, a estratégia de estilo mudou. O baixista/bandolinista Nino de Gleria , o baterista/violinista Ales Rendla e o percussionista/guitarrista Boris Romikh , que se juntou a Bibich e ao sopro Bogo Pechikar, seguiram um curso de intelectualização. Agora Begnagrad parecia um colosso, com um pé preso no pântano da vanguarda e o outro batendo os ritmos das numerosas nacionalidades da Europa Oriental, da Albânia e da Itália. Claro que eles foram notados. As digressões pela Suíça, Alemanha e França deram à equipa de Ljubljana um sabor multicultural. Porém, já em 1983 a banda se separou por vários motivos. Mas, graças a Deus, a herança dos direitos de autor eslovenos não desapareceu na escuridão de décadas. E agora temos a oportunidade de tocar nas obras de um grupo verdadeiramente extraordinário.
"Opener" com o título inequívoco "Pjan Ska (Drinking One)" demonstra o pitoresco da inebriante intoxicação eslava. Mudanças infinitas no padrão rítmico ao longo de três minutos (mantendo a perspectiva melódica) garantem um frenesi. Além disso, as explorações acordeão-clarinete do dueto supremo Bibich/Pechikar dominam o lirismo sombrio dentro da estrutura do número composicionalmente denso “Romantična (Romantic One)”. Para aumentar ainda mais a expressividade do afresco de fusão étnica "{Bože (Če Bo)} (All's Good (Maybe)"), o multijogador Boris e seu amigo Nino tocam um diálogo de contrabaixo com a participação folk acústica do resto do seus camaradas. Como uma espécie de antítese aos noruegueses, Streif parece muito interessante. O tríptico "Cosa Nostra / Waltz" distingue-se pela atmosfera de um funeral alegre. O humor negro dos artistas de Begnagrad é um pouco semelhante às reviravoltas paradoxais de Samla Mammas Manna , mas em vez das paixões circenses convencionais, prevalece o rigor rústico, filtrado pelo filtro da malícia artística. O estudo borderline "Narodna | Kmetska (National One | Knecht Ska)" é um exercício de sintetismo; o intenso esquema RIO é decorado com dedilhar rústico e simplório. E a virtual ausência de costuras atesta o gosto e a habilidade dos intérpretes. A enérgica obra "Coc'n Rolla (Ljubljana Ponoči) destina-se a um público ávido pelo rock) (Coc'n Rolla ( Ljubljana by Night)", em que a "assustabilidade" da guitarra é marcada pela vitoriosa exuberante da "Dança do Sabre" de Khachaturian. O ponto principal da narrativa é o final enganosamente frívolo de “Žvižgovska Urška (Ursula Assobiando)”. Bem, como bônus - quatro coisas, incluindo apresentações em concertos.
Resumindo: um conjunto de motivos maravilhoso, estranho e bastante espetacular, que ilustra as atividades de uma das mais originais brigadas progressistas da região sul-eslava. Eu recomendo.
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