Riverside , o que eles fizeram desta vez? Eles nem nos avisaram. Havia algumas pistas, mas pelo menos um pequeno aviso era necessário. Como nos aviões, quando a luz de apertar o cinto acende antes da decolagem. Aqui, com ID.Entity , Riverside demonstra como aquela catarse de toda esta crítica ao estabelecido - que se traduz em lutas pelo poder, capitalismo excessivo, produto da desumanização das constantes mentiras que rodeiam as redes sociais - foi criada em movimentos de sons absolutamente variados. Movimentos que nos levam a sentir a satisfação daquela primeira lufada de ar depois de muito tempo debaixo de água.
Ouvir esse álbum inteiro foi gratificante do início ao fim. Você pode ver a grande evolução que, como banda, o Riverside alcançou ao longo dos anos, sem medo do que dirão sobre explorar o caminho, mudar a rota, ampliar a visão para enriquecer a jornada. Devo admitir que minha experiência pessoal foi como estar dentro de um videogame. E não pude deixar de relacionar certas passagens de “Friend or Foe?”, “Landmine Blast” e “Big Tech Brother” com alguns sons dos clássicos Doom ou Wolfenstein 3-D . Isso, claro, faz você vivenciar um flashback direto dos anos 80 e 90, mas sem perder nem um pouco da assinatura Riverside.
A experiência ID.Entity é composta por sete músicas que mostram, sem introduções ou frases amigáveis, diferentes problemas sociais. Amigo ou inimigo? Começa de forma diferente do que ouvimos dias atrás, durante seu lançamento. Michał Łapaj abre bem a proposta com aquele teclado que nos remete ao synth-pop dos anos oitenta . Com riffs fortes na guitarra de Maciej Meller que se destacam com clareza, e Mariusz Duda não esconde nada, a mensagem é direta: “Quem você finge ser para agradar todo mundo? Quem você está imitando agora? Isto é liderado por um crescendo que nos captura de imediato e que não nos deixa ir até ao final do álbum.
Segue-se Landmine Blast , com um baixo que brilha totalmente, acompanhado por uma bateria forte e virtuosa nas mãos de Piotr Kozieradzki , ligando-nos às sonoridades reconhecíveis de Riverside. Big Tech Brother é uma dessas músicas. Embora a introdução me lembre o álbum “The Audio Guide To Happiness Part II” do Jolly – com aquela voz bem típica de assistente virtual – o que se segue é uma delícia para os ouvidos. Não só no instrumental, mas na mensagem subjacente: uma denúncia de como acabamos sendo números para grandes corporações que somam ou subtraem para os seus fins. Ao fundo, ressoam aqueles riffs fortes e crus , acompanhando as passagens pelas quais Duda nos conduz com as texturas de sua voz característica.
Post-Truth é a música de Meller, aqui está estampada sua assinatura. Todo o percurso e progressão que ele faz com a guitarra é absolutamente sublime. Se somarmos a isso o virtuosismo de todo o quarteto, resulta numa peça extremamente agradável.
Em seguida vem The Place Where I Belong , que adiciona o fator balada ao álbum. Um corte de 13 minutos, onde Duda expõe o seu potencial na narrativa que acompanha, em perfeita sincronia, o som tremendo daquele Hammond a que Łapaj tão bem nos habituou.
O álbum culmina com os já conhecidos I'm Done With You e Self-Aware . O primeiro, encarregado de nos lançar aquela primeira isca antes do lançamento da obra completa, ainda em novembro de 2022. Uma peça que tem uma pegada forte, o suficiente para despertar a nossa curiosidade. O segundo, o mais cativante, encerra com um tom mais esperançoso, evidenciando a importância de se reconectar num estilo um pouco mais atmosférico, rápido e feliz, apesar do conceito que engloba todo o álbum.
Durante e depois da pandemia percebemos que, muitas vezes, a nossa identidade é definida pelo que fazemos rotineiramente, à força, para sobreviver. Mas, na realidade, não reflecte quem realmente somos ou o papel que desempenhamos na sociedade. De certa forma, este álbum remove essas placas, convidando-nos a refletir sobre suas próprias questões sobre quem eles são e o que realmente buscavam entregar neste seu mais recente trabalho. O que se lê nas entrelinhas é o quão unidos estão como banda hoje, após o encerramento de um ciclo com “Wasteland”.
De alguma forma, neste trabalho você pode perceber como cada integrante deu parte de sua identidade ao álbum. Você vivencia essa interação constante entre eles, na perspectiva deles, e isso torna o trabalho ainda mais prazeroso. Isto influenciará diretamente as suas atuações ao vivo: porque este álbum, já na primeira audição, é apreciado e vislumbrado, como um espetáculo musicalmente explosivo, o que claro, alimenta o desejo de todos nós que aguardamos a sua breve visita ao nosso país.
Num mundo onde a música se consome em comprimidos, aprecia-se vivenciar projetos tão diretos e honestos que convidam o ouvinte a ser participante ativo neste processo comunicativo cheio de originalidade.
O que, a título pessoal, me deixa absolutamente feliz é que o ID.Entity seja bebido como um excelente vinho de adega, pois este trabalho é o reflexo de todo o percurso que a Riverside fez ao longo dos anos. É o resultado de uma proposta diferente, repleta de experiência; uma evolução que aprecio desde 2003 e que mostra, em grande medida, tudo o que têm para oferecer.
Zopp é o projeto musical do proeminente multi-instrumentista britânico Ryan Stevenson , que nos surpreendeu em 2020 com seu álbum de estreia autointitulado. Agora Zopp acaba de nos oferecer seu segundo álbum, intitulado 'Dominion'.
Inspirado na sonoridade da cena de Canterbury do início dos anos 70, Zopp oferece-nos uma proposta cheia de nuances, arranjos intricados e melodias que nos obrigam a ouvir atentamente cada momento da música.
Em ' Dominion ' novamente Ryan mostra todo o seu talento instrumental, assumindo o comando dos teclados, guitarras, baixos, sintetizadores, flauta, efeitos sonoros, além de incorporar vozes pela primeira vez.
A acompanhá-lo, tal como no seu álbum de estreia, está Andrea Moneta na bateria. Ao lado deles, um grupo de músicos adicionais, que acrescentam cor e texturas ao som de Zopp .
O álbum abre com ' Amor Fati ', uma introdução de 2:10, mas onde ocorre muita música, passagens e momentos. A primeira parte é dominada pelo órgão e pelos rodos, onde entram então as vozes femininas, relembrando-nos os melhores momentos de Magma . Ryan nos mostra toda sua versatilidade nos instrumentos, onde há guitarras marcando contrapontos com o órgão, além da bateria, que acentuam a melodia e ao mesmo tempo o ritmo. Como se tudo isso não bastasse, os ventos se unem. ' Amor Fati' termina com o que por sua vez continua imediatamente com ' You '.
' You ' é a segunda peça do álbum e a segunda mais longa. O piano e os teclados marcam o ritmo no início, acompanhados pelo órgão. A banda faz uma entrada triunfante, e após uma longa introdução que passa por vários momentos sonoros, Ryan se aventura a cantar. O trabalho do sax tenor é duplicado pelo violão, proporcionando uma unidade sonora. É realmente surpreendente o quão realizada é a instrumentação, onde em nenhum momento parece que estamos perante uma dupla. Parece que era uma banda completa de pelo menos 6 membros (guitarra, voz, baixo, teclado, bateria, sax). ' You ' representa uma peça elaborada, onde Zopp se aproxima do progressivo sinfônico, mas mantendo um toque diferenciado em sua sonoridade. Sabemos que não é a Sinfonia dos anos 70. É uma interpretação moderna e atual.
' Bushnell Keeler ' começa dominado por saxões... espere, eles são saxões? De acordo com os créditos do álbum, é Ryan nos teclados. ' Bushnell Keeler ' aproxima-nos da sonoridade do seu trabalho anterior, mais influenciado pela cena de Canterbury . Assim como ' You ', exige uma escuta concentrada, pois realmente não se sabe o que vai acontecer musicalmente nos próximos minutos. Há grande presença das melodias, além de excelente trabalho na bateria de Andrea Moneta . Um dos melhores trabalhos do álbum. Se tivéssemos que escolher um ‘Single’, sem dúvida ‘ Bushnell Keeler ’ seria um candidato.
‘ Uppmarksamahet ’ começa tão misterioso quanto seu nome parece (que, aliás, não sabemos o que significa). A calma proporcionada pelo órgão confere carácter à peça. Apreciamos pela primeira vez o violão, que reforça o caráter reflexivo da instrumentação. A bateria trabalha nos tons, enquanto o restante dos instrumentos acompanha a aparência da guitarra principal, que é etérea e flutua acima da instrumentação. Talvez a única crítica seja que ' Uppmarksamahet ' poderia ter sido mais longo .
' Reality Tunnels ' é de cair o queixo: uma execução excepcional do que poderíamos chamar de jazz fusion, onde a paleta sonora não nos dá trégua. Aqui pegaremos as palavras de Ryan na descrição do álbum: 'Tenho ouvido muitas bandas como King Gizzard e Tame Impala nos últimos anos, não apenas seu som psicodélico, mas também seu DIY (faça você mesmo). ), abordagem independente ao fazer música'. Acreditamos que suas palavras definem perfeitamente o que se ouve na música de ' Reality Tunnels '.
' Wetiko Approaching ' é a segunda peça em que Ryan canta e, embora possa não parecer, é a mais curta do álbum. Serve como uma introdução à magnum opus do álbum.
' Toxicity ' começa com uma rápida introdução de bateria e o característico órgão fuzz, depois a banda e os vocais se juntam. A viagem sonora traz de volta memórias do álbum de estreia, enquanto ' Toxicity ' se desenvolve numa evolução contínua de sons e momentos. Nas palavras de Ryan : “Escrever uma peça progressiva de 14 minutos como ' Toxicity ', onde a música flui continuamente, foi um desafio, mas mesmo assim uma experiência de sucesso.” O final surpreendente e abrupto deixa-nos a sensação de que talvez haja outra parte da música à espera de um próximo álbum.
Sem dúvida, um dos álbuns que vai fazer falar este ano. Já está emergindo como um dos mais destacados
Na minha coleção de discos, tenho um espaço reservado para 25 discos que marcaram algo especial em mim. Não só são postos de lado para encontrá-los mais facilmente - devido à escuta incansável - mas também porque mudaram algo em mim. Entre os álbuns de King Crimson, Genesis, Area, Banco, Neu!, Tool, UK, Harmonium e Dream Theater (entre outros) há um, apenas um do Rush : Moving Pictures .
A obra culminante do trio canadense, e uma das entregas magistrais não só do rock progressivo, mas do rock em geral. Então, sem sobrenomes. Um disco que mal levou dois meses para ser certificado como disco de ouro e 10 semanas como disco de platina. Com o tempo, eles adicionariam mais três platinas. Na verdade, Moving Pictures, até o momento em que este livro foi escrito, continuava sendo o álbum mais vendido do Rush.
Raramente o sucesso comercial cria laços tão fortes com a qualidade de um álbum. Moving Pictures está, sem dúvida, entre esse punhado de obras abençoadas.
Fundo de imagens em movimento
Embora Rush tenha gravado o álbum no Le Studio (Quebec) entre outubro e novembro de 1980, o trabalho de composição em Moving Pictures demorou um pouco mais. Na verdade, o Rush tornou-se uma máquina perfeitamente calibrada para compor algumas de suas peças durante a extensa turnê de seu álbum anterior, Permanent Waves . A tal ponto que aproveitaram até testes de som para desenvolver o icônico “YYZ”. Esta operação quase ascética permitiu que Rush desse a volta por cima e lançasse Moving Pictures apenas 13 meses após seu trabalho anterior. Mesmo com os atrasos durante a masterização. Digno da relojoaria suíça!
O título obedece a um paradoxo oposto a Permanent Waves , seu álbum antecessor. Na verdade, “pinturas que se movem” é uma ideia que se opõe a essas “ondas permanentes”. Embora Permanent Waves tenha, sem dúvida, estabelecido uma base importante no grupo. Um estilo de fazer músicas mais concisas se comparado ao que vinham fazendo desde 2112 . Em Moving Pictures , Rush amadureceu, destilando-se gota a gota, num filtrado que derramava a sua essência mais genuína. Um elixir que, sem a pretensão do rock progressivo mais clássico , continha o equilíbrio perfeito para ser apreciado por milhões de pessoas em todo o mundo.
Seu título está perfeitamente retratado na capa, um dos mais reconhecidos do rock. Esta capa é obra de Hugh Syme , que brinca com a contradição estática/dinâmica de forma simples: pinturas artísticas sendo transportadas. Nelas, vemos um retrato de Joana D'Arc queimada – uma possível alusão à música “Witch Hunt” -, uma mesa de pôquer com cachorros brincando e, mais atrás, o emblemático “Starman” de 2112 .
Deborah Samuel foi quem tirou a fotografia, na frente do Legislativo de Ontário, no Queens Park, em Toronto. Ela também é a Joana D’Arc que aparece na capa. Do lado direito, encontramos um grupo de pessoas entusiasmadas com estas pinturas. Tão impressionada que uma delas deixa cair a sacola de compras! Embora isso não tenha sido preparado. Nem Syme previu que essas pessoas, de ascendência russa, chegariam usando chapéus de pele de urso. Aproveitando a roupa e a bolsa caída, Syme pediu à mulher que olhasse as pinturas com um olhar triste e ela tirou o lenço. Tudo isso definitivamente deu a emoção precisa à fotografia final.
Músicas de Moving Pictures
Sua primeira música, Tom Sawyer , tornou-se especialmente famosa , inspirada no romance de Mark Twain , embora adaptando a letra aos tempos modernos. A canção cristalizou a inspiração mundana que Neil Peart havia assumido , que se moveu em detrimento da mitologia e das referências abstratas que assolaram sua escrita até Hemispheres . Musicalmente, além disso, "Tom Sawyer" propôs uma composição simples, tão radiofônica quanto "The Spirit of Radio" em si.
A letra desta música é uma colaboração entre o poeta Pye Dubois e o próprio Peart, originalmente chamada de “Louie the Warrior”. Embora o livro de Twain também tenha sido estudado por Geddy Lee e Alex Lifeson , o espírito aventureiro de seu protagonista tocou as fibras de Peart, que pegou os versos originais de Dubois e acrescentou versos que permitiriam "a reconciliação do menino e do homem". Assim, apresentam-nos liberdade e aventura através da formação da identidade individual, em grande parte definida pela forma como nos vemos e como as outras pessoas nos veem. Entendemos, finalmente, que ambas as noções não precisam coincidir.
Esta mensagem, de profundo alcance filosófico, é exibida por trás de uma cortina de hard rock bastante direto. O início, com sintetizador OB-X, reforça o ar moderno que o grupo queria imprimir nas letras, enquanto a voz de Geddy Lee transita com desenvoltura entre oásis instrumentais em 7/8. Especialmente importante é a ponte onde Lee diz “The world is, the world is love and life are deep” , fornecendo tanto uma necessária resolução temática como uma ligação à melodia inicial.
Resumindo, Rush criou uma delícia auditiva. Um verdadeiro hino do rock!
Por sua vez, em Red Barchetta , Neil Peart mistura três de suas paixões: música, carros esportivos e literatura. Uma experiência cinematográfica captada numa atraente peça rochosa de uma história distópica em que é proibida a condução de veículos motorizados. A letra é baseada em uma história que Peart leu na revista Road and Track, chamada A Nice Morning Drive , de Richard S. Foster .
No âmbito desta proibição (“Lei Automóvel”), um agricultor, tio do protagonista, tinha guardado a sua velha Ferrari Barchetta vermelha , em perfeito estado. Ele cuidou dele como um filho mimado. No passeio de domingo, o protagonista leva o carro, enquanto a música e a letra detalham cada sensação da velocidade que atinge. Em sua caminhada, ele encontra duas modernas e enormes viaturas policiais, deixando-as para trás graças a uma ponte de mão única. Uma aventura arriscada, cuja adrenalina é transmitida através de uma narrativa que assume arestas visuais, e cujo som é baseado em harmônicos perfeitos fornecidos por Lifeson e linhas poderosas de Rickembacker de Geddy Lee .
Depois desta aventura, surge uma peça ainda mais vertiginosa: a instrumental YYZ . Mais um ápice na criatividade musical do Rush, que utiliza um código Morse utilizado pela IATA (International Air Transport Association), que estabelece um código de três letras para cada aeroporto do mundo. YYZ (-.– -.– –..) corresponde ao identificador do Aeroporto Internacional de Toronto, que fornece uma inspiração local abstrata a uma peça que, no final das contas, fez balançar cabeças em todo o mundo.
O ritmo sincopado do código, porém, é apenas a introdução, evidenciando posteriormente toda a capacidade criativa do grupo. Geddy Lee e Neil Peart brilham em partes iguais, numa faixa repleta de breaks e texturas. Lifeson, por sua vez, adiciona algumas linhas de guitarra tecnicamente muito difíceis no meio da música, enquanto atrás delas são ouvidos sinos de vento que produzem um som de quebra ou estrondo. A vertigem que percorre esta peça, muito concisa em comparação com “La Villa Strangiato”, é avassaladora. Meu favorito pessoal do álbum, que não consigo ouvir sem repetir.
Segue-se o roqueiro Limelight , retratando a frustração de Peart com a fama e sua consequente perda de privacidade. Na verdade, os holofotes eram dispositivos antigos nos palcos do teatro, usados para iluminar o artista principal de cada cena, fazendo com que o público concentrasse sua atenção. Na verdade, ser o centro das atenções não tinha sido fácil para o grupo até então, especialmente para Neil Peart. Apesar de tê-la escrito, ele parece deixar Alex Lifeson como o centro das atenções aqui, tanto pelo riff principal quanto pelo solo maravilhoso e delicado com que pontua.
The Camera Eye é a faixa mais longa do álbum. O único do álbum a ultrapassar 10 minutos, e o último do Rush a fazê-lo desde então. Dedicada às cidades de Nova Iorque e Londres, esta canção retrata a primeira como uma cidade vertiginosa, mas que perdeu a sensibilidade. Alusões como “rostos hermeticamente fechados” esclarecem isso. Londres, por sua vez, parece uma cidade desgastada, mas orgulhosa. Contudo, ambas as cidades são vistas como locais onde as possibilidades podem ser muitas. Musicalmente, ganha força gradativamente nos primeiros minutos, dando origem a mais um grande solo de guitarra de Lifeson.
O álbum continua com Witch Hunt , onde agradecemos a participação de Hugh Syme nos sintetizadores. Essa música oferece um sentimento sombrio em sua letra, uma escuridão que fica muito bem acompanhada pela música. Seu início já é bastante descritivo: sons sombrios que são seguidos de gritos (gravados pelo próprio grupo, enquanto bebiam uísque fora do Le Studio ) que exclamam, frases ameaçadoras, raivosas. Assim como o brilho das tochas de uma horda ilumina o céu noturno, essas vozes parecem se aproximar lentamente do ouvinte, até que entra o riff de Lifeson.
Um tema como a caça às bruxas só pode colocar o preconceito como conceito articulador. O preconceito, na lógica de Rush, leva ao medo, e este, por sua vez, ao controle social. Conceito hoje infelizmente atual, aliás, em que vemos diferentes manifestações de violência e agressividade sistemática. As redes sociais, certamente, contribuíram ainda mais para um sentimento que transcende gerações: o medo como veículo de controle sobre as pessoas.
O ritmo lento facilita essa sensação, que encontra o sintetizador reforçando a escuridão da música durante os refrões. Witch Hunt acabaria por se tornar a primeira música a fazer parte da série de peças dedicadas às diferentes expressões do medo. Entre eles, encontramos também "The Weapon" (do álbum Signals ), "The Enemy Within" (de Grace Under Pressure ) e "Freeze" (de Vapor Trails ).
"Rush fecha Imagens em Movimento com Sinais Vitais " . Essa música incorpora batidas de reggae , em linha com o que The Police fazia na mesma época. O reggae já havia aparecido em "The Spirit of Radio"), embora aqui seja mostrado com arranjos instrumentais bem mais leves se comparado ao que Rush costumava fazer. Isso representou uma espécie de transição em direção ao som que viria nos álbuns subsequentes, o que deixou muitos fãs confusos. As letras surpreendentemente otimistas aumentaram esse sentimento. O próprio Neil Peart reconheceu que tiveram que trabalhar muito nessa música ao vivo para que o público pudesse adquirir o gosto que Rush esperava. Afinal, eles a posicionaram para fechar o álbum, justamente, para que fosse tomada como uma música de transição. E é claro que eles conseguiram!
O lançamento de Moving Pictures trouxe uma extensa nova turnê para o Rush , compreendendo 79 datas somente nos Estados Unidos. A fama mundial bateu à sua porta, mesmo com o lamento de Peart pela privacidade. Com este álbum, Rush também fechou um ciclo de álbuns altamente progressivos (pelo menos desde 2112 ). Em sua busca constante, o grupo exploraria novos horizontes desde então, o que só fortaleceria seu status como uma das grandes bandas de rock de todos os tempos.
Also listed among the personnel are “Venux De Luxe” (Francis Linon), the band’s live sound engineer, as “switch doctor and mix master”, and Robert Wyatt‘s son Sam.
Segundo disco da banda francesa liderada pelo maluco genial Daevid Allen trazendo já a sonoridade com que a banda ficaria conhecida ou seja psicodelia espacial jazzística, diferente do primeiro disco que era mais como um projeto solo dele e de sua esposa Gilli Smyth e tinha uma sonoridade mais folk e baseada em canção.
Esse disco tem guitarras mais pesadas que nos discos que viriam depois e Daevid era o único guitarrista da banda, depois se dedicou mais a a guitarra glissando (slide com eco).
Um disco indicado pra quem curte psicodelia de verdade e não gourmet, jazz fusion, rock progressivo (não careta) e experimentalismo.
As Mercenárias é um grupo de pós-punk nacional que surgiu no início dos anos 80, com as integrantes Sandra Coutinho (baixo), Rosália (vocal) e Ana Machado (guitarra) e a adição de Edgard Scandurra, sendo que este sairia tempos depois dando lugar a baterista Lou. O grupo tem influências de bandas inglesas como Siouxsie and the Banshees, Joy Division, The Slits e Sex Pistols. Depois de um hiato musical (resultado de sua dispensa da gravadora EMI sem aviso prévio), o grupo está na ativa, com a integrante da formação original Sandra Coutinho mais as novas integrantes Silvia Tape ( guitarra e back vocal ) e Michelle Abu ( bateria e back vocal).
