Em 01/06/1972: Eagles lança o álbum Eagles

Em 01/06/1972: Eagles lança o álbum Eagles

Eagles é o primeiro álbum de estúdio da banda americana de rock Eagles. Lançado em junho de 1972, foi gravado no Olympic Studios de Londres com o produtor Glyn Johns.

Foi sucesso imediato alcançando o 22º lugar nas paradas e chegando ao disco de platina.

Três singles foram lançados do álbum, cada um alcançando o Top 40: " Take It Easy " (número 12), " Witchy Woman " (número 9) e

" Peaceful Easy Feeling " (número 22).

A banda, a partir desse álbum, desempenhou um papel importante na popularização do som country rock. Foi classificado em 368º lugar

na edição de 2012 da lista dos " 500 melhores álbuns de todos os tempos " da revista Rolling Stone, e em 207º lugar na reinicialização da lista em 2020.

O single "Take It Easy" faz parte do Rock and Roll Hall of Fame " 500 Songs That Shaped Rock and Roll ". O álbum estreou na parada Billboard 200 dos Estados Unidos na posição 102 em sua primeira semana de lançamento, subindo para a posição 22 em sua sexta semana na parada. O álbum foi certificado de platina pela Recording Industry Association of America (RIAA) em 20 de março de 2001 para embarque de 1 milhão de cópias nos Estados Unidos.

Lista de faixas:

Lado um:

1. "Take It Easy" : 3:34

2. "Witchy Woman" : 4:10

3. "Chug All Night" : 3:18

4. "Most of Us Are Sad" : 3:38

5. "Nightingale" : 4:08

Lado dois:

1. "Train Leaves Here This Morning" : 4:13

2. "Take the Devil" : 4:04

3. "Earlybird" : 3:03

4. "Peaceful Easy Feeling" : 4:20

5. "Tryin'" : 2:54.

Pessoal Eagles:

Glenn Frey - vocais, guitarras , slide guitar

Don Henley - voz, bateria

Bernie Leadon - vocais, guitarras, banjo

Randy Meisner - voz, baixo.

 

Em 01/06/1973: Frank Zappa grava o álbum Over-Nite Sensation

Em 01/06/1973: Frank Zappa grava o álbum Over-Nite Sensation

Over-Nite Sensation é o décimo segundo álbum de The Mothers of Invention (The Mothers), e o décimo sétimo álbum geral de Frank Zappa, lançado em setembro de 1973. Foi o primeiro álbum de Zappa lançado pela gravadora DiscReet.

Foi seguido pelo álbum solo de Zappa, Apostrophe (') (1974), que foi gravado durante as mesmas sessões. O disco foi certificado ouro em 9 de novembro de 1976. O disco foi certificado ouro em 9 de novembro de 1976.

Over-Nite Sensation (1973) e Apostrophe (') (1974) são o tema de um documentário da série Classic Albums da Eagle Rock Entertainment , lançado em DVD em 1º de maio de 2007.

Lista de faixas:

Todas as faixas são escritas por Frank Zappa.

Lado um:

1. "Camarillo Brillo" : 4:01

2. "I'm the Slime" : 3:35

3. "Dirty Love" : 3:00

4. "Fifty-Fifty" : 6:08

Lado dois:

1. "Zomby Woof" : 5:11

2. "Dinah-Moe Humm" : 6:05

3. "Montana" : 6:37

Comprimento total: 34:37.

Pessoal Músicos:

Frank Zappa - guitarra, vocais em todas as faixas, exceto "Fifty-Fifty" e a maior parte de "Zomby Woof"

Kin Vassy - vocais em "I'm the Slime",

"Dinah-Moe Humm" e "Montana"

Ricky Lancelotti - vocais em "Fifty-Fifty" e "Zomby Woof"

Sal Marquez - trompete , vocais em

"Dinah-Moe Humm"

Ian Underwood - clarinete , flauta , saxofone alto , saxofone tenor

Bruce Fowler - trombone

Ruth Underwood - percussão , marimba , vibrafone

Jean-Luc Ponty - violino , violino barítono

George Duke - sintetizador , teclados

Tom Fowler - baixo

Ralph Humphrey - bateria

Tina Turner e os Ikettes - vocais de apoio

(sem créditos) (faixas 2-3 e 5-7).

 

Em 01/06/1979: The Rolling Stones lança o álbum Time Waits for No One: Anthology 1971–1977

Em 01/06/1979: The Rolling Stones lança o álbum Time Waits for No One: Anthology 1971–1977.

Time Waits for No One: Anthology 1971–1977 é um álbum de compilação da banda inglesa de rock Rolling Stones, lançado em junho de 1979 (mundialmente, exceto nos EUA).

Abrange o período de Sticky Fingers em 1971 até Love You Live em 1977. Apenas dois dos dez single A-sides do período estão incluídos "Angie" e "Fool to Cry".

Foi lançado pela primeira vez em CD em maio de 2019 no Japão, fazendo uso da versão padrão da faixa-título e da versão censurada

de "Star Star".

Lista de faixas:

Todas as músicas de Mick Jagger e

Keith Richards

Lado um:

1. "Time Waits for No One" – 6:39

From It's Only Rock 'n' Roll

2. "Bitch" – 3:37

From Sticky Fingers

3. "All Down the Line" – 3:48

From Exile on Main St.

4. "Dancing with Mr. D" – 4:52

From Goats Head Soup

5. "Angie" – 4:33

From Goats Head Soup

Lado dois:

6. "Star Star" – 4:26

From Goats Head Soup

7. "If You Can't Rock Me"/

"Get Off Of My Cloud" – 4:56

From Love You Live

8. "Hand of Fate" – 4:28

From Black and Blue

9. "Crazy Mama" – 4:34

From Black and Blue

10. "Fool to Cry" – 5:04

From Black and Blue.

 

ROCK ART

 

Twenty One Pilots - Clancy (2024)

Clancy (2024)

Twenty One Pilots

Três anos após o seu divisivo Scaled and Icy, vinte e um pilotos regressam com Clancy, a conclusão de toda a tradição e conceitos que têm explorado nos últimos dez anos. Sendo um daqueles malucos que acham que esses caras são uma boa banda, fiquei animado com esse álbum e ainda mais depois de ouvir os dois primeiros singles, e estou muito feliz por estar certo. Embora não esteja à altura de Trench, Clancy é facilmente o segundo melhor álbum da banda e prova que o disco não foi um acaso. Na verdade, o marketing inicial alegando que este seria um grande retorno ao som de Trench foi reconhecidamente um pouco enganoso, fora o abridor 'Overcompensate' e o mais próximo 'Paladin Strait' e os vídeos gerais e marketing e alguns salpicos aqui e ali, não acho que haja nada aqui realmente colocado no mundo de Trench e DEMA.

Sonoramente, isso também é bem diferente de Trench ou de qualquer outra coisa que eles fizeram, já vi pessoas afirmarem que a produção aqui é indicativa de Scaled e Icy e eu meio que entendo isso, mas acho o som aqui muito novo, carregando uma presença mais forte do indie rock em faixas como 'Next Semester', 'Navigating' e 'At the Risk of Feeling Dumb' que é onde eu acho que este álbum brilha mais. 'Next Semester' especialmente é uma das melhores músicas da banda de todos os tempos, um banger pós-punk catártico com um ritmo energético, riffs e baixo fantásticos e possivelmente a melhor performance vocal de Tyler Joseph de todos os tempos, trazendo letras sobre como superar seus erros do passado e se superar. um novo ponto de partida com um refrão sobre Tyler quase se matando, é genuinamente perfeito e provavelmente a melhor música deles ao lado de 'Jumpsuit', 'Navigating' tem ótimos riffs com uma linha de baixo robusta e uma bateria estelar com letras sobre lutar contra seu cérebro e 'At the Risk of Feeling Dumb' inicialmente me fez pensar que eu não gostaria desse tipo de introdução circense, mas a bateria e a linha de baixo fantásticas rapidamente me colocaram no ritmo das coisas, eu adoro os dois refrões e as letras sobre ter certeza seus amigos estão bem mentalmente.

Liricamente, o álbum recapitula os temas usuais sobre os quais Tyler Joseph tem escrito nos últimos dezasseis anos, saúde mental, batalhas com seu príprio perebrio, terrores noturnos, o quanto Tyler ama sua esposa, mas como com Trench funciona aqui, os três as músicas que abacei de mencionar são otímos exemplos de como funciona a composição deste álbum, mas também há 'Routines in the Night' detalhando a dibilidad para dormir e sendo atormentado por memórias, 'Vignette' lidando com o vício, 'Lavish' aborda a indústria musical e critica o 'estilo de vida luxuoso e tente entrar na indústria, embora felizmente este seja um aportão muito melhor para essas ideias do que algo como 'Lane Boy', e 'Snap Back' e 'Backslide' abordam não querer voltar aos velhos hábitos , seja isso seja viciante ou problemas mentais As músicas aqui são todas consistentemente excelentes, uma excelente produção cortesia de Tyler e Paul Meany do MUTEMATH combina bem com o lirismo mais forte e os vocais de Tyler são bons aqui, seu canto está tão bom quanto desde Trench e seu rap é realmente muito bom , quem você pensaria?

Fora 'Next Semester', 'Navigating' e 'At the Risk of Feeling Dumb', meus favoritos aqui são a abertura 'Overcompensate', que é uma introdução fantástica ao álbum, mesmo que um pouco enganadora com todo 'Welcome back to Trench' coisa, mas eu adoro o rap do Tyler e a bateria é ótima, embora, como todo mundo, eu desejasse que isso fosse mais parecido com o primeiro minuto e meio com aquela sensação pós-industrial incrível e o excelente sintetizador principal, realmente poderia ter sido uma das melhores músicas deles se carregasse aquela vibe para a coisa toda, mas eu amo a música principal o suficiente para compensar isso, também sempre achei que a transição no ritmo soa muito parecida com 'Intovert' de Little Simz, 'Backslide' que tem uma produção estelar com um groove elegante e o ótimo rap de Tyler com um refrão fantástico e a frase genuinamente fantástica 'Eu costumava ser o campeão de um mundo que você não pode ver, agora estou me afogando em logística' , e 'Vignette', que provavelmente tem minhas letras favoritas no álbum fora do Next Semester, ao lado da bateria estelar e do ótimo rap, parece muito com 'Redecorate' de Scaled and Icy, que foi a melhor faixa daquele álbum misturada com a da banda. estreia com os vocais de Tyler no refrão.

O álbum todo é ótimo fora esses destaques, 'Midwest Indigo' tem ótimas letras sobre voltar para casa com uma vibe bem indicativa de Vessel e BLURRYFACE para a produção e bateria, 'Oldies Station' e 'The Craving (Jenna's Version)' são ambos bons momentos mais lentos, mesmo que sejam as faixas mais fracas do álbum, 'Routines in the Night' tem um ótimo ritmo com a sensação de Scaled and Icy e mais perto 'Paladin Strait' é outro grande momento mais lento do álbum que termina bem , sendo a faixa mais explícita baseada na tradição fora de 'Overcompensate' com Clancy preparando-se para lutar contra os Bispos e, esperançosamente, salvar as pessoas presas da DEMA, parece um pouco apertado com seu objetivo de garantir que o álbum atinja sua cota de conhecimento e eu gostaria que tivéssemos mais acréscimos ao conhecimento ao longo do álbum, a linha final mostrar o personagem BLURRYFACE conhecendo Clancy e repetindo uma frase de 'Fairly Local' é legal, mas parece quase um teaser e poderia ter sido muito mais impactante se houvesse mais músicas abordando diretamente a tradição, já que parecia que isso colocaria todas as cartas da banda na mesa e realmente não colocou, mas ainda assim, é um ótimo encerramento que faz um ótimo trabalho em amarrar a tradição.

CRONICA - McLUHAN | Anomaly (1971)

Nascido em Chicago em 1970, McLuhan é sobretudo o projecto do trompetista David Wright. Este último se cerca do saxofonista/flautista Paul Cohen, do baixista/vocalista Neal Rosner, dos bateristas John Mahoney e Michael Linn, do guitarrista Denis Stoney Philips e do organista Tom (Tojza) Laney.

Toda esta gente bonita opta pelo nome de McLuhan que é um filósofo canadiano dos anos 50/70 e que foi o primeiro a estudar os meios de comunicação e o impacto num público alienado da informação. Então aqui nos transformamos em um monstro sedento por informações como mostra a capa da Anomaly onde observamos um casamento macabro comentado ao fundo por um jornalista. Herbert Marshall McLuhan distingue duas formas de mídia: a mídia fria (telefone, televisão, etc.) e a mídia quente, que inclui o cinema.

Car Anomaly , publicado em 1971 pelo selo Brunswick, oferece rock inspirado no cinema americano.

Na verdade, em lugares ouvimos temas como a abertura da 20th Century Fox em “The Monster Bride”, narrações, efeitos eletrônicos, uma passagem inspirada em West Side Story em “A Brief Message From Your Local Media” (que fala sobre o trabalho na linha de montagem em fábricas como em “Les temps Modernes”). Já “Spider” lembra os longas-metragens sobre a proibição.

Na verdade, "The Monster Bride" (também explicando a ilustração da capa) foi gravada ao vivo durante uma exibição de The Bride Of Frankenstein .

Mas esta Anomalia vale pelo excelente trabalho dos metais (é preciso ouvir o belo voo ascendente no título de abertura mas também na épica e melancólica “Witches Theme And Dance”). Estes são uma reminiscência de Chicago e Blood, Sweat & Tears, bem como as experiências de Love em Forever Change . Quanto às linhas de baixo, ao canto desencantado em alguns lugares e ao aparecimento da flauta, evoca Genesis, Caravan mas sobretudo King Crimson.

Assim, os metais de estilo americano convivem com o espírito do jazz e o clima sinfônico, enquanto a guitarra esculpe solos ácidos e o órgão parece cavernoso ou atmosférico. Tudo numa atmosfera ao mesmo tempo silenciosa, melancólica, cristalina, angustiante, festiva e épica.

Em suma, o combo acabava de produzir um terrível LP de vanguarda próximo do rock progressivo europeu. Mas lá ! Estamos na América e especialmente na cidade do blues. No início dos anos setenta, no país do Tio Sam, estamos em chamas pela psique, pela alma moribunda, pelo hard rock emergente e pelo Southern Rock.

Anomaly passou completamente despercebida e ainda aguarda uma reedição em CD (no entanto, pode ser encontrada no obscuro selo espanhol Picar). Quanto a McLuhan, o tempo da desilusão e da separação chegará rapidamente.

Títulos:
1. The Monster Bride
2. Spiders (In Neil’s Basement)
3. Witches Theme And Dance
4. A Brief Message From Your Local Media

Músicos:
Neal Rosner: Baixo
John Mahoney: Bateria, Vocais
Michael Linn: Bateria
Paul Cohn: Saxofone, Flauta, Clarinete
Dennis Stoney Phillips: Guitarra, Vocais
Tom (Tojza) Laney: Órgão, Piano, Vocais
David Wright: Trompete, Vocais

Produzido por: Bruce Swedien

Peter Gabriel - Peter Gabriel (1980)

Peter Gabriel (1980)

Peter Gabriel

A primeira coisa que você nota é que não há pratos... durante todo o álbum. Existem outros instrumentos de percussão, mas a falta de pratos cria uma tensão - uma batida e um estrondo totêmico e animista - que permeia o álbum com um nervosismo constante que beira a histeria. A mania proposital instilada por Gabriel é amplificada ainda mais com o som de "bateria fechada", um efeito de reverberação dramático que produz um impacto estrondoso, mas altamente comprimido, na bateria criada especificamente para este álbum e empregada com gosto pelo baterista Phil Collins (que aparece em quatro faixas). Collins reutilizaria de forma memorável o efeito de bateria fechada em seu hit "In the Air Tonight", mas o aperfeiçoou no impressionante terceiro álbum solo autointitulado de Peter Gabriel, conhecido como Melt (pela distinta foto da capa). E Melt (1980), ainda mais que o mega-hit de Gabriel, So (1986), é o melhor álbum da década de 1980. Além de vocais distintos, técnicas de estúdio e inovações musicais, Melt é, para todos os efeitos, um “tratado psicológico” sobre a condição humana: compulsão, obsessão, isolamento, esquizofrenia, amnésia, preconceito, intolerância, institucionalização da raiva e assassinato. Aqui residem as dimensões mais sombrias do pensamento e da ação, apresentadas com talento de ator por Gabriel.

"Intruder", uma ode arrepiante à invasão de domicílio, começa os jogos mentais com o rangido metálico de tesouras em arame torcido, teclados discordantes e a batida estridente de Collin, e termina com um pouco de assobio com intenção criminosa. que ficou famoso por Peter Lorre no filme M (1931). “No Self Control” reflete as tendências problemáticas de “Intruder”, mas aumenta a mania, bem como o volume, com os recorrentes parceiros de vanguarda no crime de Gabriel, Robert Fripp na guitarra e Kate Bush nos vocais de apoio, junto com uma virada cruel na bateria de Collins. "I Don't Remember" (amnésia), "And Through the Wire" (sobrecarga de comunicação) e "Lead a Normal Life" (asilos) são músicas excelentes, mas as músicas verdadeiramente estelares são a sátira alegórica ao nacionalismo "Games Without Frontiers" (novamente com Kate Bush cantando "jeux sans frontières" ou "games without frontiers"), e "Not One of Us", que ataca habilmente o ódio e o preconceito nascidos do medo e da ignorância.

E depois há os dois épicos. O primeiro, "Family Snapshot", é um estudo de suspense do personagem de um solitário em busca de publicidade que mata uma figura pública, no qual Gabriel, por meio de um monólogo interno, enxerta as memórias do assassino Arthur Bremer nas cenas do assassinato de JFK em Dallas. O efeito é fascinante. Finalmente, há “Biko”, sobre Stephen Biko, um líder sul-africano dos direitos civis assassinado enquanto estava sob custódia policial. O horrível acontecimento ganhou atenção mundial em parte devido ao profundo lamento de Gabriel. "Biko" foi a maior canção de protesto dos anos 80, e a grande letra "E os olhos do mundo estão observando agora" provou ser profética. Melt é totalmente realizado e conceitualmente brilhante, um olhar severo sobre a desumanidade do homem para com o homem e a loucura que agita as mentes de muitos.

Paulo Weller - 66 (2024)

66 (2024)

Paulo Weller

Paul Weller comemora seu 66º aniversário com uma fúria estilosa em seu último álbum, 66. Apropriadamente intitulado e outra coleção sólida de faixas de The Modfather, este último álbum se estabelece bem após a maravilhosa solidez de Fat Pop. Mas para jornalistas cafeinados estressados ​​com um pedido de Evri, leva muito tempo para juntar as peças das comemorações de aniversário e do título deste artigo de Weller. Ainda assim, a conexão é feita e o cérebro começa a disparar em todos os cilindros bem a tempo. Weller tem uma atitude elegante para este último álbum, gravado em seus estúdios Black Barn e evitando refletir sobre qualquer coisa de seu passado – até mesmo os discos mais recentes. Em vez disso, ele abre um caminho novo e criativo para o futuro e contraria as implicações de intitular um álbum após seu aniversário recente. O que Weller aprendeu com seu passado? Nada mesmo. É o que mantém sua música uma emoção fresca e espirituosa. 

Suave e sutil é o novo objetivo da Weller. Sua faixa de abertura, Ship of Fools, serve como uma abertura constante. A verdadeira emoção e alegria são encontradas na música seguinte, Flying Fish, um zoom obcecado por tecnologia através da exposição instrumental que Weller está desfrutando. Uma peça alta e carregada de bateria eletrônica com agudos vibrantes e vibrações de ficção científica. Ele trouxe a carga leve da neopsicodelia e se envolveu com ela da maneira mais honesta possível. Isso dá ao 66 uma certa vantagem às faixas do álbum, o que mantém Weller no topo de seu jogo. A maioria desses primeiros momentos são mais um destaque para instrumentais furiosamente bons do que qualquer coisa específica de Weller como presença vocal. Jumble Queen tenta, mas é abafado pelas sucessivas fixações de metais e percussão, que servem como uma adição maravilhosa aos tons mais profundos de 66. É um álbum que espera manter o núcleo do rock alternativo de Weller, mas também inclinar-se para um ambiente mais suave e lounge. -como jazz com Nothin', o que pode indicar os próximos passos de sua carreira. 

Weller flerta com praticamente qualquer gênero que puder. Predominantemente o estilo barroco, mas sua mudança para a fixação em sua voz – particularmente em My Best Friend's Coat – é uma introdução divina e impressionante às profundezas de sua habilidade como vocalista. Depender de seções de cordas para fornecer profundidade adicional é uma aposta e compensa com estilo para Weller. Suas apresentações de tais momentos parecem genuínas e envolvem uma experiência maravilhosa e flutuante. Rise Up Singing soa francamente triunfante e dá a Weller um toque de intensidade juvenil que ele não ouvia há algum tempo. Existem bolsões de verdade e beleza neste lançamento de Weller. I Woke Up é uma faixa excelente que ocupa o seu lugar como a melhor de 66. Músicas como In Full Flight permanecem encantadas pelos mesmos tons sensuais e estilos vocais elegantes do pop tradicional do final dos anos 1950, embora com camadas extras óbvias. 

Esforços de colaboração excepcionais com artistas da mesma linha, Richard Hawley e Noel Gallagher, para citar apenas algumas aparições neste lançamento, dão a 66 uma profundidade extra e crescente. Música para a qual você pode trilhar seus dias ensolarados, mas mais do que isso, uma avaliação intrincada de Weller como um músico contemporâneo que sabe que o tempo não está do seu lado. O que ele tem, no entanto, é um arsenal de apoio confiável e instrumentos essenciais que crescem e transmitem esse novo e glorioso senso de propósito aos ex-alunos do The Jam. Um caso elegante, com obras de arte de Peter Blake e pincéis de coleções históricas de jazz encontradas em um álbum que parece completamente novo para Weller. Mas ele tentou experimentar várias vezes. 66 é uma de suas melhores obras até hoje, pela beleza e pelo risco – que compensa cada audição.  

The Brave Little Abacus - Just Got Back From the Discomfort—We're Alright (2010)

Just Got Back From the Discomfort—We're Alright (2010)

The Brave Little Abacus

Descrever como o Brave Little Abacus soa é meio infrutífero. Principalmente porque sua música consegue conter um milhão de coisas diferentes ao mesmo tempo, explodindo de cor nas costuras frouxamente unidas. O agrupamento eclético de instrumentação mal mixada tocada alto, rápido e com muita paixão reúne pessoas de todos os lugares e de todos os lugares. Depois de vasculhar os comentários do YouTube, RYM ou algum outro fórum de discussão com tema emo e ver as intermináveis ​​anedotas pessoais, pedidos de lançamentos de vinil e citações de letras, fica bem claro o quanto a banda significa para uma gama tão ampla de pessoas. Isso ocorre porque o Brave Little Abacus oferece uma expressão verdadeiramente rara de originalidade completa que é tão difícil de encontrar em quase todos os gêneros musicais. Vestindo suas influências de Malcolm in The Middle e videogames infantis em suas mangas, em Just Got Back from The Discomfort: We're Alright, a banda se propôs a criar um corpo de trabalho que capturasse a liberação emocional constante com tanta personalidade e explosividade que é impossível não ficar pasmo com a complexidade irregular de tudo isso.

A primeira coisa que vale a pena notar é o quão bons são o ritmo e as transições do disco. À medida que as músicas se misturam, durante a introdução de cada peça individual há quase sempre algo cativante e hino para agarrar e desfrutar, mas todos estes são sons, palavras e momentos extremamente distintos que impedem o álbum de chegar perto do reino. do tédio As próprias canções também formam naturalmente grupos de suítes menores e separadas, graças à homogeneidade das transições e ao uso da ambiência para criar linhas divisórias claras, proporcionando assim um forte senso de estrutura e narrativa definidas. Ambience também não é a única adição interessante de gênero cruzado ao álbum, com o uso frequente de trompas criando alguns dos momentos de destaque do álbum, particularmente na bela seção de Please Don't Cry, dirigida por glockenspiel, e o enorme , final esmagador de A Highway Got Paved Over My Future. Essa sensação de enormidade é uma das poucas constantes a serem descobertas nos ambientes e ambientes em constante mudança, brilhando em momentos como os inquietantes gritos de angústia na abertura catártica, engolidos pelos sons dos pratos batendo e do eclético, mas maravilhoso dissertações de piano que parecem vagar animadamente. Isso não quer dizer que também não existam momentos de pura intimidade, encontrando conexão na brisa fresca e na recém-descoberta liberdade da solidão. Isso é melhor observado através das letras poéticas de simplicidade e mudança na balada de Can't Run Away e durante o verdadeiro ápice emocional do álbum, Bug-Infested Floorboards, que nunca deixa de me fazer parar o que estou fazendo e olhar para fora. a janela

A maneira como essas letras poéticas nunca conseguem formar frases completas, em vez disso sangrando nas próximas linhas em alguma técnica abstrata de poesia slam, é crucial para revelar o ponto crucial do álbum. O que é mais central para a atitude extraordinariamente enérgica da banda são as suas explorações temáticas relativamente às dificuldades em encontrar qualquer sentido de verdadeira estabilidade. Mas o que eventualmente fica claro, pelo menos para mim, é o valor de deixar tudo sair. Abandonar a estabilidade em favor de movimentos e palavras pouco ortodoxas diante de quem decide ouvir e, finalmente, aceitar que as coisas mudam, se reorganizam e desmoronam, mesmo quando tudo parece não fazer sentido. Como Adam reitera repetidamente: 'Há dois deles e apenas um de mim', porque sempre há algo mais, não é?

Para fãs de: Emo não tão cafona, chegada de instrumentos inesperados, morte do ego.

Beth Gibbons - Lives Outgrown (2024)

Lives Outgrown (2024)

Beth Gibbons

“O tempo é apenas uma memória / Lindo para alguns / Emplumado como uma majorette / Numa rosa não dita e feita”. Há 22 anos, Beth Gibbons cantava sobre como todos nós estamos em dívida com o tempo. Ela tinha 37 anos e com 13 anos de atraso voltou a gravar músicas, pois entendeu que sua relação com o tempo estava mudando. De Fora de Temporada a Vidas Superadas o caminho tem sido turbulento. O deslumbrante álbum Third do Portishead foi lançado, bem como uma sinfonia composta por Gorecki e interpretada por Gibbons sobre a tristeza da humanidade. A compositora enfrentou perdas e percebeu que seu futuro estava ficando mais curto à medida que seu passado crescia. “Eu poderia mudar a maneira como me sinto / Posso fazer meu corpo curar / Livre de tudo que ouço por dentro”, a primeira linha de Tell Me Who You Are Today abre caminho para as músicas surpreendentemente estridentes e emocionantes que estão prestes a seguir. Cercada pelos únicos instrumentos que ela poderia usar para criar o som preciso que desejava (uma farfisa, colheres, solina, juta chinesa, serra curva, tubo cantante, harmônios, etc), Beth Gibbons moldou uma atmosfera de madeira onde cada árvore foi colocada exatamente onde ela os queria. Ao entrar em Lives Outgrown, assustado e fascinado, essa voz eterna pega sua mão e mostra o local. Veja aqueles brotos recém-nascidos e gigantes moribundos, eles foram transformados em música para que você pudesse ouvir como eles crescem e como morrem.

"Nunca notei a dor que sinto / Porque meu coração está cansado e degastado". Assim como essas letras de Oceans, este álbum parece uma autoatualização para finalmente reconhecer o que é feito o seu corpo e a sua mente: um mundo de oposições. Não é nenhuma surpresa ter uma música chamada Floating on a Moment, levando você ao céu, seguida instantânea por Burden of Life, mandando você ancorado na terra. A primeira olha para a morte nos olhos, reforçada por um coro de crianças, enquanto a segunda foca nas vidas perdidas ao seu redor, carregadas por um violino quase dissonante e cheio de tristeza. Vocês são as duas marcas que dão novas aventuras a Beth Gibbons. Olhando para dentro e para fora, ela avalia todas as mortes que moldam nossas vidas. Em Oceanos, é a morte da fertilidade: «Ovulação enganada, mas não há bebê em mim / E meu coração estava cansado e degastado / A realidade me falha, me leva tão perto / Estendo a mão, não aguento mais». Depois é o amor, a natureza, as crenças e os limites ilusórios. É preciso uma vida inteira para morrer, mas esse gesto terminal é apenas uma experiência de morte entre muitas outras. «Estou caminhando em direção a uma fronteira / Isso nos divide» ela canta em Floating on a Moment. É fácil entender que aqui Gibbons está falando sobre a morte, mas ela também poderia estar mencionando esse entendimento sobre a morte: que ela permanece algo familiar que carregamos por toda a vida. E a única coisa a fazer quando você reconhece isso é lutar para não ser comido «Ei, você aí / Mude seu coração em vez de olhar / Sinta-se vivo, segure-se / Para sempre acaba, você envelhecerá» é o mantra que ela repete em Lost Changes.

Mas apesar de toda a sua vontade, ela não consegue evitar a sensação de ser pega a qualquer momento. Ela nos pinta como pessoas que estão “todos tentando, mas não conseguem escapar” em Floating on a Moment, then “estamos enganando uns aos outros... tentamos, mas simplesmente não semesos explicar” ela conclui em Lost Changes. Dúvidas, arrependimentos, ressentimentos, perca todos os seus pensamentos ensurdecedores, uma das mentes de Gibbons se prepara para moldar sua boca aos sons de seu raciocínio. Está na bateria, nos coros e, em última análise, no tom de sua voz Conhecemos a voz de Beth Gibbons pela sua sensibilidade crua, por vezes quase teatral com o seu vibrato notável, mas em Lives Outgrown atinge outro nível de subtileza. Mesmo quando sua voz permanece naquele registro baixo, o trabalho vocal de Gibbons é tão emocionante como sempre. Com músicas como Beyond the Sun ou Rewind, o clima fica ainda mais tenso. Nesta última, com sua bateria pontuada por cordas distorcidas, é quase como se ela estivesse flertando com o primitivismo americano ou com uma espécie de post-rock entre Robert Wyatt e Cul de Sac que faz sua música parecer antiga, quase tribal «Vazio com nossos bens / E o problema é que ainda nos sentimos denutridos / Caçando-a, doce mãe natureza / Até que nada reste se isso continuar.». Rewind é provavelmente a música mais crítica do álbum. É sobre como a humanidade derrota a Terra e a nós mesmos com ela, até um ponto sem retorno ou sem pararo Se não nos prepararmos agora, iremos longe demais? » ela continuou fazendo perguntas sobre a venda. Se Gibbons se sente preso, ela está aqui para que sintamos o mesmo.

Você pode interpretar Lives Outgrown como um aviso, um convite, um conselho ou um testolo, todas essas perspectivas estão contidas na música. Em Reaching Out, vozes fantasmagóricas perguntam «Para onde foi o amor, onde está o sentimento, onde está a creedencia nas palavras que respiramos? »Essas vozes anseiam por uma reconexão. “Listen to me” diz Beth Gibbons na música de abertura, é uma repetição interminável de telefonemas e perguntas, brigas e abraços. Em Burden of a Life, ela lembra com nostalgia, «A brisa de verão, os dias eram longos», mas na música final Whispering Love, «o sol de verão, sempre / Brilha, as árvores da versoriado». É como se Beth Gibbons finalmente entendesse como você poderia usar seus sentimentos sobre um passado cheio de mortes para ajudá-lo a seguir em frente. Porque se Oceans fosse sobre a morte da fertilidade, Gibbons levanta-se enquanto cantava "Mas vou melghar no oceano / No chão encontrarei o meu orgho / E procurarei despir as repostas / De joelhos, vou olhe sempre". Há momentos de medo petrificante em Lives Outgrown, mas no final o que você lembra são os momentos de pura elevação. É aquele assobio celestial em Lost Changes que leva você a uma partitura atemporal escrita por Ennio Morricone, são os pásaros e a galinha cantando em Whispering Love, são as palavras « Eles subirão onde puderem / Quando souberem que estão seguros para ir / Oh Whispering Love / Sopre em meu coração / Quando tenho vergonha. Não há final, só resta o vento soprando o nariz das árvores. Beth Gibbons construiu para nós uma floresta onde a morte está perto de nós, e desde a cabeça somos protegidos e abraçados por todos os guardas.