CRONICA - MOTHERS OF INVENTION | We’re Only in It for the Money (1968)

 

Para Frank Zappa, a parte mais suja do corpo não é o nariz, nem as orelhas... mas o cérebro. Com isso em mente, o líder das Mothers of Invention se dirige aos hippies. Um bando de drogados que só pensam em sexo, e ele sugere trancá-los em um campo de concentração na Lua. Doces sonhadores de moral livre que fazem uma revolução com testes de ácido em um playground, mas, assim que desabafam, tudo volta ao normal. Isso não impede o guitarrista/vocalista de ser contra a Guerra do Vietnã, contra a repressão policial, contra o racismo.

Um vasto programa é oferecido em We're Only in It for the Money , terceira obra das Mothers Of Invention para a Verve em setembro de 1968, onde Frank Zappa se cercou do baixista Ray Estrada, dos bateristas Jimmy Carl Black e Billy Mundi, do pianista Don Preston e dos saxofonistas Jim Sherwood e Ian Underwood.

Um álbum de rock psicodélico que zomba do público que ouve esse tipo de música como um panfleto anti-flower power. Um gosto pelo paradoxo do guitarrista bigodudo.

Basta olhar para a parte interna da capa, onde você pode ver os músicos travestidos parodiando satiricamente a arte da banda Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, dos Beatles . Aliás, alguém pode se perguntar por que esta não é a capa externa? É a que você deve ver primeiro ao comprar.

Era exatamente isso que estava planejado originalmente. Só que a censura atrapalhou. A gravadora, querendo evitar qualquer conflito legal com os Beatles, recusou categoricamente. Então, tudo foi revertido.

We're Only in It for the Money segue os passos de Absolutely Free , lançado em 1967. Também apresenta o primeiro trabalho solo de Zappa, Lumpy Gravy , lançado no primeiro semestre de 1968, onde o líder indiscutível faz referência a ele na contracapa. Os Mothers mais uma vez oferecem um conjunto de 19 faixas que fluem perfeitamente em um disco que se assemelha a um álbum conceitual, também nos convidando a um espetáculo teatral maluco. Com exceção de uma ou duas faixas, não há necessidade de descrever cada faixa, onde os efeitos eletrônicos que desfilam por elas conferem uma sensação cósmica.

Nesse espaço se cruzam rock de humor cínico, folk, baladas idiotas, piadas, arrotos interestelares, conversas idiotas, tempos sinfônicos, pop surf, scratching, jazz, fitas aceleradas ou invertidas, pegadinhas telefônicas onde Suzy Creamcheese retorna do outro lado da linha (desejo de Zappa de dar continuidade ao seu trabalho).

Os temas costumam ser breves. Quando um aparece, é rapidamente eclipsado por outro. Uma revelação de um artista transbordando imaginação e talento. Nesses breves interlúdios, surge esta cintilante guitarra elétrica de seis cordas, provando que Zappa tem tudo para ser um herói da guitarra.

Nessa confusão sonora, somos brindados com uma versão extraterrestre de "Hey Joe" ("Flower Punk"), onde o termo punk aparece pela primeira vez. O encontro termina com o instrumental "The Chrome Plated Megaphone of Destiny". Seis minutos de música concreta alucinógena, onde Frank Zappa segue os passos de Edgar Varese, fazendo a conexão com Freak Out! (1966), sem as orgias sexuais.

Um disco essencial de 33 rpm da discografia dos Mothers Of Invention, mas especialmente de Frank Zappa.

Títulos:
1. Are You Hung Up
2. Who Needs The Peace Corps
3. Concentration Moon
4. Mom & Dad
5. Bow Tie Daddy
6. Harry, You're A Beast
7. What's The Gillest Part Of Your Body?
8. Absolutely Free
9. Flower Punk
10. Hot Poop
11. Nasal Retentive Caliope Music
12. Let's Make The Water Turn Black
13. The Idiot Bastard Son
14. Lonely Little Girl
15. Take Your Clothes Off When You Dance
16. What's The Gillest Part Of Your Body? (Reprise)
17. Mother People
18. The Chromed Megaphone Of Destiny

Músicos:
Frank Zappa: guitarra, piano, vocais
Jimmy Carl Black: trompete, bateria, vocais
Roy Estrada: baixo, vocais
Billy Mundi: bateria, vocais
Don Preston: baixo, teclados
Bunk Gardner: metais
Ian Underwood: piano, metais
Euclid James “Motorhead” Sherwood: saxofone

Produção: Frank Zappa

CRONICA - THE ZOO | Presents Chocolate Moose (1968)

 

É o final da década de 1960 em Los Angeles, o epicentro de uma efervescência cultural sem precedentes. O Verão do Amor mal terminou, mas seus ecos ainda ressoam nos clubes, praias e estúdios da Costa Oeste. À medida que a psicodelia permeia as ruas e os amplificadores, uma infinidade de bandas emerge à sombra de gigantes como The Doors e Love. É nesse clima vibrante que se forma a Zoo, uma banda tão misteriosa quanto efêmera.

Formado em 1967, o Zoo gira em torno do vocalista Ira Welsley, do baterista Mike Flicker, do baixista Terry Gottlieb e dos guitarristas Howard Leese (líder) e Murphy Carfagna (rítmico). Logo após sua formação, o grupo cruzou o caminho do produtor Ed Cobb, recém-saído da Capitol Records e fundador de sua própria gravadora, a Sunburst Records. Cobb sugeriu que gravassem seu primeiro single, "(Standing On The) Sunset Strip / One Night Man", com um som soul-garage bastante ousado. O disco de 45 rpm passou relativamente despercebido, mas atraiu a atenção de outra gravadora, a Bell Records, que concordou em financiar um álbum, novamente sob a direção de Ed Cobb, que inclusive coescreveu várias faixas.

Intitulado Presents Chocolate Moose , este álbum curto (apenas 25 minutos para 10 faixas) navega entre o soul, o rock e o garage psicodélico, batendo às portas do hard rock. Sem ser revolucionário, o álbum oferece alguns belos flashes, carregados de energia bruta, arranjos eficazes e um groove que não deixa ninguém indiferente.

Começou com tudo! "Chocolate Moose" é um rhythm & blues furioso que exala urgência e suor. Irritado, Ira Welsley pode não ser um grande cantor, mas sua voz imediatamente cativa o ouvido, crua e contida. Howard Leese, sem ser um herói da guitarra extravagante, entrega uma execução incisiva, cortando onde é preciso. Quanto à seção rítmica, bombeada com hélio, ela se desenrola com uma energia imparável.

Revigorantes e explosivas, "Written On The Wind", "Soul Drippin's" e "Ain't Nobody" mantêm uma pressão constante, como um trem a toda velocidade. No centro do álbum está "I've Been Waiting Too Long", um blues psicodélico lento, sombrio, quase hipnótico, com um toque de ácido e armas.

Às vezes, Zoo surpreende com melodias mais ácidas e cativantes, sem jamais negar sua paixão. Continuamos seduzidos por "Try Me", a celestial "Love Machine", a encantadora "Have You Been Sleepin'", ou mesmo "Get Some Beads", carregada por uma guitarra com refrãos irreais, quase cósmicos.

O LP encerra com "From A Camel's Hump", um final mais experimental e complexo. Um rock pesado e destrutivo, com uma métrica incandescente, salpicado de efeitos alucinatórios e solos elétricos de seis cordas com toques orientais. Um final adequado para um álbum tão breve quanto intenso.

Apesar da qualidade e da energia, este álbum passou completamente despercebido após o seu lançamento. Isso provavelmente se deveu ao momento ruim, mas, mais importante, ao rápido desaparecimento da Sunburst Records, uma gravadora tão efêmera quanto a própria banda. Surgindo tão rapidamente quanto desapareceu, esta pequena gravadora não tinha os recursos necessários para levar o Zoo além dos corredores confidenciais das lojas de discos.

Ira Welsley e Murphy Carfagna desapareceram. Terry Gottlieb e Mike Flicker assumiram a produção e emprestaram seus talentos a vários artistas renomados. Quanto a Howard Leese, ele se tornou um guitarrista respeitado, principalmente na banda Heart.

Presents Chocolate Moose permanecerá uma curiosidade, um pequeno tesouro esquecido nos recessos do rock psicodélico americano. Em suma, intenso, às vezes instável, mas sempre habitado, testemunha o que de mais louco e vibrante o final dos anos 60 poderia produzir. Uma anomalia cativante, a ser (re)descoberta ao desenterrarmos uma relíquia colorida de uma era em que tudo parecia possível, mesmo para uma banda que preferia rugir uma vez a miar por muito tempo.

Títulos:
1. Chocolate Moose  
2. Written On The Wind       
3. I’ve Been Waiting Too Long        
4. Soul Drippin’s       
5. Get Some Beads    
6. Ain’t Nobody         
7. Try Me      
8. Love Machine       
9. Have You Been Sleepin’   
10. From A Camel’s Hump

Músicos:
Terry Gottlieb: Baixo
Mike Flicker: Bateria
Murphy “Chocolate Moose” Carfagna: Guitarra
Howard Leese: Guitarra solo
Ira Welsley: Vocal

Produção: Ed Cobb

CRONICA - FIVE AMERICANS | Progressions (1967)

 

Francamente, entre esta capa e a do álbum anterior, Western Union / Sound Of Love , lançado no início de 1967, fica a dúvida se estamos lidando com a mesma banda. Acabaram-se os ternos excessivamente bem-feitos. Agora é a vez de um visual de estudante hippie, cercado por padrões psicodélicos. A mudança é tanto visual quanto estética.

É preciso dizer que Western Union/Sound Of Love , por mais bem produzido que fosse, já soava fora de sintonia com as novas tendências. Em 1967, a música pop era eletrizante, tornando-se lisérgica, política, aventureira: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , The Doors , Surrealistic Pillow , Are You Experienced ... A paisagem sonora estava mudando e os Five Americans sentiam isso.

Mike Rabon (vocal, guitarra), Jim Grant (baixo), John Durrill (teclados), Jimmy Wright (bateria) e Norman Ezell (guitarra) não quiseram perder esse momento decisivo. Rapidamente retornaram ao estúdio para gravar seu terceiro LP, também pela Abnak Records, lançado no mesmo ano. E para marcar sua evolução, batizaram o álbum de Progressions .

Com este terceiro ^trabalho , os Five Americans marcaram uma clara reviravolta em sua discografia. Longe dos refrãos pop açucarados de seus primórdios, este terceiro álbum, lançado em 1967, assumiu uma nova ambição, inspirada pelas reviravoltas dos Beatles durante os períodos Revolver e Sgt. Pepper . O grupo buscou aqui não apenas evoluir musicalmente, mas refletir as convulsões culturais de sua época, entre emancipação, consciência psicodélica e o desejo de autenticidade.

Após uma introdução com um órgão Hammond quase religioso, "Stop-Light" dá o tom para uma música pop picante, ao mesmo tempo despreocupada e irreal. Sentimos a influência dos Byrds e do Love, mas especialmente dos Four Boys in the Wind, no folk gótico "Con Man", denunciando a pretensão em um tom quase irônico e mordaz, acompanhado por um refrão cativante.

"Black Is White – Day Is Night" mistura sonho e tensão, um pop psicodélico que é simultaneamente inocente, sombrio e furioso. Por trás de suas árias flutuantes e etéreas, a música revela uma raiva opaca com sua guitarra nervosa, como uma discreta recusa às aparências. Provavelmente a música mais contagiante deste álbum. Estamos bem no meio de um universo psicodélico, onde os marcos se esvaem.

"(But Not) Today" adota a abordagem oposta, com um pop barroco intimista, silencioso e bucólico, como um Paul McCartney introspectivo. É uma bolha melancólica, suspensa no fluxo do disco, e "Come On Up" então revive a energia da banda: guitarras cortantes, órgão grooveado, vocais cheios de soul. Encontramos algo do nervosismo de garagem, mas melhor canalizado. A celestial "Zip Code", com estrutura mais gospel, aborda os temas de ausência e separação sob uma camada rítmica elegante, mas carregada de gravidade como um telégrafo que nada pode parar.

Com "Rain Maker", damos uma guinada boogie pop com este piano ardente e este órgão fervente. Mais leve, "Sweet Bird Of Youth" continua nessa veia mais adulta, evocando delicadamente a passagem do tempo, o desencanto silencioso de uma juventude que se torna consciente de si mesma. Em sintonia, "Evol - Not Love" voa em direção aos céus. Com um fuzz à frente, "Somebody Help Me" fecha o álbum com um garage melódico.

Apesar de seus sons às vezes aventureiros, Progressions não é um álbum cerebral. Pelo contrário, exala uma urgência de viver, um desejo sincero de abraçar o momento, de evoluir com o tempo sem trair sua própria voz. É um álbum de transição, de transformação, lúcido e vibrante.

Com Progressions , os Five Americans dão um passo crucial: a emancipação artística. Mais do que um álbum de transição, este álbum reflete uma banda em busca de maturidade, determinada a não permanecer presa à adolescência pop de seus primórdios. Por trás da estética psicodélica e da experimentação sonora, sentimos um desejo real de fazer parte de seu tempo, de capturar suas vibrações interiores.

Mas essa ambição, ao mesmo tempo que eleva a banda, também marca o início de um certo desmoronamento. Nem todos compartilham a mesma visão de futuro. E nessa turbulência criativa, uma figura se destaca gradualmente: Mike Rabon, vocalista/guitarrista, mas acima de tudo, o principal compositor. É ele quem compõe muitas das faixas mais marcantes da banda. Ele, novamente, é quem inspira esse desejo de ousar mais. Depois de Progressions, a necessidade de se sustentar por conta própria torna-se cada vez mais premente.

O fim de The Five Americans já está em andamento? Continua...

Títulos:
1. Stop-Light
2. Con Man
3. Black Is White-Day Is Night
4. (But Not) Today
5. Come On Up
6. Zip Code
7. Rain Maker
8. Sweet Bird Of Youth
9. Evol-Not Love
10. Somebody Help Me

Músicos:
Mike Rabon: Vocal, Guitarra
Jim Grant: Baixo, Vocal de Apoio
John Durril: Órgão, Vocal de Apoio
Jimmy Wright: Bateria
Norman Ezell: Guitarra, Vocal de Apoio

Produção: Cinco Americanos

CRONICA - THE HOLLIES | Evolution (1967)

 

Em meados da década de 1960, os Hollies eram uma das bandas mais populares da Inglaterra, ao lado dos Stones, dos Kinks e, claro, dos Beatles. Seus singles mais recentes ("Stop Stop Stop", "On A Carousel" e "Carrie Anne") foram grandes sucessos em ambos os lados do Atlântico, e " For Certain Because" , o sexto álbum, era composto inteiramente de composições originais. Em suma, a banda de Allan Clarke e Graham Nash estava no auge e pronta para novos desafios. Todo esse frenesi levou a melhor sobre o baterista Bobby Elliott, que desmaiou de exaustão no meio de uma turnê. Por esse motivo, ele foi substituído durante as primeiras sessões de estúdio do Evolution por vários bateristas, incluindo Mitch Mitchell, que acabara de ser promovido a tenente de Jimi Hendrix. Os cinco de Manchester gravaram este álbum no Abbey Road, enquanto os quatro de Liverpool criavam "Sgt. Pepper" no estúdio ao lado. Ambos os álbuns serão lançados no mesmo dia, e é óbvio que a comparação será com os Hollies.

No entanto, não conseguir estar à altura de uma das maiores obras-primas da história da música não significa necessariamente que se tenha feito um álbum ruim. É, acima de tudo, um erro de timing. Com Evolution , os Hollies, impulsionados por Nash, queriam explorar a psicodelia por sua vez, deixando de ser apenas um grupo de singles para também oferecer álbuns ambiciosos. Pet Sounds e Revolver são, então, os padrões mestres que os grupos da cena pop e rock tentam alcançar. Mas Clarke, Nash e Tony Hicks, o trio de compositores, faltou audácia aqui e suas tentativas de trazer psicodelia para seu pop adolescente muitas vezes permanecem muito tímidas.

Um riff acústico cativante, uma guitarra elétrica discreta, mas psicodélica, "Then The Heartaches Begin" mantém os sabores do pop adolescente que fizeram o sucesso da banda, mas demonstra um desejo de evoluir seu estilo com os sons da época. "Stop Right There" atesta o interesse de Nash, que assume o microfone aqui, por um pop fortemente influenciado pela cena folk americana. "Water On the Brain" apresenta alguns tons de influências indianas, mas também de fanfarra em torno desse rock sessentista, quase como se os Hollies quisessem ir além do manual da peça psicodélica perfeita, oferecendo de repente duas cores específicas para o estilo. Poderia ter falhado, mas o resultado funciona. Os efeitos vocais da balada acústica "Lullaby For Tim", no entanto, que os faziam soar como se tivessem sido cantados na água, envelheceram muito mal e agora são bastante irritantes. Uma pena, porque o título cantado normalmente teria sido bastante agradável. Felizmente, o grande sucesso "Have You Ever Loved Somebody" traz tons mais metálicos do que antes, graças à guitarra distorcida de Hicks. Mas o corpo da música é uma ode pop ao amor adolescente, semelhante aos seus maiores sucessos da época. A mais calma "You Need Love" é menos impactante, apesar de um bom trabalho de guitarra e um refrão que busca construir potência.

Com "Rain On The Window", sentimos que a banda queria compor uma continuação para "Bus Stop", já que o estilo do título é muito próximo a ele, até mesmo na melodia. Aqui também, há ideias muito boas no trabalho das guitarras e dos metais. Os arranjos de "Heading For A Fall" são bastante originais, tornando este título um dos mais psicodélicos do álbum. Por sua vez, "Ye Olde Toffee Shoppee" caminha em direção à música barroca, outra influência notável da psicodelia, certamente sob o impulso de Nash, membro do grupo mais ansioso para virar a página do pop adolescente. A influência dos Byrds, com quem Nash havia se unido, é evidente em "When You Light's Turned On", um título que cheira ao sol dos anos 60. No estilo pop/rock da primeira metade dos anos 60, "Leave Me" é bastante bem-sucedida e traz até um lado mais pesado e soulful do que estamos acostumados no grupo. A cativante "The Games We Play" encerra o álbum como começou, com uma faixa eletroacústica sobre amor adolescente. 

No fim das contas, a evolução que os Hollies nos oferecem ainda é muito branda. A psicodelia presente aqui, com muita frequência, consiste em adicionar um conjunto de metais ou alguns efeitos de guitarra fuzz a canções pop ingênuas. No entanto, é óbvio que, se a maioria do grupo ainda não está pronta para realmente evoluir, as ambições de Nash superam as de seus parceiros. E se as músicas são todas assinadas pelo trio Clarke/Hicks/Nash, à maneira de Lennon/McCartney ou Jagger/Richards, não é difícil adivinhar aquelas das quais ele é o compositor principal (ou mesmo exclusivo), aquelas das quais ele é geralmente o vocalista principal. No entanto, o álbum teve um bom desempenho na Inglaterra, reforçando a posição dos Hollies, e continua muito agradável de ouvir. Mas para Nash, era óbvio que, se seu grupo quisesse perdurar até o fim, teria que sair de uma zona de conforto que estava prestes a se tornar obsoleta para ir mais longe.

Títulos:
1. Then the Heartaches Begin
2. Stop Right There
3. Water on the Brain
4. Lullaby to Tim
5. Have You Ever Loved Someone?
6. You Need Love
7. Rain on the Window
8. Heading for a Fall
9. Ye Olde Toffee Shoppe
10. When Your Light's Turned On
11. Leave Me
12. The Games We Play

Músicos:
Allan Clarke: Vocal, gaita
Graham Nash: Vocal, guitarra
Tony Hicks: Guitarra, vocal
Bernie Calvert: Baixo, cravo
Bobby Elliott: Bateria (4, 5, 10)
+
Dougie Wright: Bateria
Mitch Mitchell: Bateria
Clem Cattini: Bateria
Elton John: Piano, órgão

CRONICA - LOVE | Forever Changes (1967)

 

A obra-prima do amor!

Em 1967, enquanto o Verão do Amor incendiava a Costa Oeste e os clubes da Sunset Strip vibravam ao som de bandas psicodélicas, Love lançou Forever Changes , mais uma vez pela Elektra. Um disco tão deslumbrante quanto enigmático, na contramão dos excessos de sua época.

Liderado por Arthur Lee no auge de sua inspiração, este terceiro álbum surge como uma obra de transição, marcada pela angústia e pela beleza frágil, onde outros cantam sobre libertação e amanhãs mais brilhantes.

A cena de Los Angeles vivia então uma era de ouro: os Doors explodiam, Buffalo Springfield buscava o sublime, os Byrds decolavam rumo ao country-rock. Love, no entanto, destacava-se por rejeitar os estereótipos hippies, preferindo uma poesia inquieta, às vezes desiludida, a slogans floridos. Forever Changes, lançado em novembro de 1967, é diferente de tudo, nem antes nem depois. É um disco de fim de era, uma canção de despedida à inocência, carregada por orquestrações barrocas, arranjos de uma delicadeza quase mórbida e a voz de Arthur Lee, mais assombrada do que nunca.

Mas por trás desta obra-prima esconde-se uma atmosfera venenosa. Em 1967, o Love era uma banda à beira da implosão. Depois de Da Capo , as tensões aumentaram, os egos se chocaram, o uso de heroína se intensificou e Arthur Lee se retraiu. Ele tinha a estranha convicção de que morreria em breve, de que precisava deixar uma última mensagem. Forever Changes seria esse testamento, esse registro de sombra na luz.

Quando a banda entrou em estúdio no verão de 1967, nada estava funcionando. Os músicos estavam despreparados, desorganizados e, às vezes, incapazes de tocar suas partes. O vocalista/líder, mais perfeccionista do que nunca, acabou chamando artistas de estúdio, incluindo alguns do Wrecking Crew, para algumas faixas. O choque foi brutal. Irritados e profundamente irritados, os membros do Love se recompuseram. Tocaram as músicas, mas o equilíbrio foi rompido. Arthur Lee assumiu o controle absoluto do projeto, marginalizando até Bryan MacLean (guitarra e vocal), apesar de ter escrito duas faixas sublimes. Michael Stuart-Ware (bateria), Ken Forssi (baixo) e Johnny Echols (guitarra) se viram testemunhando uma banda à beira da dissolução.

Prevendo a catástrofe iminente, a Elektra chamou David Angel para as orquestrações, mas especialmente o engenheiro de som Brice Botnick para a produção, conhecido por seu trabalho com o The Doors. A presença deles daria origem a um objeto de beleza venenosa. Os violões são cristalinos, os arranjos de cordas e metais parecem flutuar em um sonho tenso. Nada de dilúvio elétrico aqui: Forever Changes joga a carta da elegância ansiosa, como se Love estivesse de luto por algo que a maioria ainda não perdeu.

O álbum abre com "Alone Again Or", escrita por Bryan MacLean. É um golpe de mestre imediato. Trompetes mariachi, ritmos acústicos tensos, vocais duplicados entre MacLean e Lee... A ambiguidade reina, entre o brilho californiano e a premonição monótona. Esta não é apenas uma faixa de abertura; é uma estranha porta de entrada para um mundo em desequilíbrio.

"A House Is Not a Motel" retorna à urgência do rock. Mas, novamente, nada é direto. Arthur Lee canta com um tom profético, quase místico, e a guitarra elétrica de Johnny Echols, que surge no final em um solo espiralado, parece querer queimar ilusões.

Com "Andmoreagain", a suavidade retorna. Uma balada abafada, quase sussurrada. Arthur Lee parece suspenso nela, como se estivesse falando com uma memória. "The Daily Planet", mais ousada, retoma a tocha elétrica. A música impressiona com suas mudanças de ritmo e refrão martelante, como um loop mental.

Em "Old Man", Bryan MacLean retorna para uma faixa pastoral e acústica, quase barroca. "The Red Telephone" mergulha em uma atmosfera mais sombria e angustiante. "Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale" é outro destaque do álbum. Carregada por um ritmo cativante e metais luminosos, esta música evoca sutilmente a Los Angeles boêmia da época.

"Live and Let Live" marca uma mudança. Arthur Lee apresenta uma de suas letras mais densas, com um violão hispânico ao fundo. "The Good Humor Man He Sees Everything Like This" acalma novamente com flautas e cordas, criando uma atmosfera abafada. Pode-se pensar que é um momento de trégua, mas o canto de Lee é ansioso demais, como se a dúvida estivesse adormecida por trás de cada palavra. Com "Bummer in the Summer", há uma mudança brutal de direção: uma peça curta e espirituosa, com uma entrega impactante. Violão acústico seco, ritmo animado e aquele tom debochado.

E então vem o final monumental: "You Set the Scene". Seis minutos de esplendor progressivo, divididos em duas partes. A primeira, melódica e introspectiva. A segunda, orquestral, como um grande final psicodélico. Arthur Lee profetiza o fim de um mundo: "  Este é o tempo e a vida que estou vivendo, e enfrentarei cada dia com um sorriso ." É belo, sério e de rara previsão.

Como um descuido perdido, um passado que se esvai, esta terceira ^obra é um disco à parte, uma joia frágil esculpida à sombra de um verão moribundo. Por trás dos metais ensolarados, das cordas elegantes e dos arranjos suntuosos, emerge um folk rock de melancolia outonal quase espectral. Arthur Lee, um visionário atormentado, sussurra isolamento, paranoia e uma beleza que se rompe. Onde a psicodelia da época sonha com a expansão cósmica, Forever Changes se volta para dentro e descobre um abismo. Um álbum sombrio, ansioso e elegante. Talvez o réquiem mais belo da geração hippie, escrito quando eles nem sabiam que iriam morrer.

Os Doors, que chegaram logo atrás, iriam continuar o sucesso.

Títulos:
1. Alone Again Or
2. A House Is Not A Motel
3. Andmoreagain
4. The Daily Planet
5. Old Man
6. The Red Telephone
7. Maybe The People Would Be The Times Or Between Clark And Hilldale
8. Live And Let Live
9. The Good Humor Man He Sees Everything Like This
10. Bummer In The Summer
11. You Set The Scene

Músicos:
Arthur Lee: Vocal, Guitarra
Bryan MacLean: Guitarra, Vocal
Johnny Echols: Guitarra
Ken Forssi: Baixo
Michael Stuart-Ware: Bateria
+
Carol Kaye: Baixo
Don Randi: Teclado
Billy Strange: Guitarra
Hal Blaine: Bateria
Chuck Berghofer: Baixo
Richard Leith: Trombone
Bud Brisbois, Roy Caton, Ollie Mitchell: Trompete
Jesse Ehrlich, Norman Botnick, Robert Barene, Arnold Belnick, James Getzoff, Marshall Sosson, Darrel Terwilliger: Violino

Produzido por: Arthur Lee, Bruce Botnick