THE BEATLES - STAR CLUB - HAMBURGO – 1962

 

A última viagem dos Beatles para Hamburgo naqueles tempos foi no final de 1962, quando tocaram no Star-Club. Partes de suas últimas apresentações foram gravadas com um gravador portátil, por Ted 'King Size' Taylor, do grupo The Dominoes, que também tocava no clube. As fitas foram liberadas com a etiqueta da gravadora alemã 'Bellaphon', em 1977 como: 'The Beatles: Live! no Star Club, em Hamburgo, Alemanha, 1962', e, posteriormente, relançado em vários formatos e títulos.

O Star-Club ficava na Grosse Freiheit 39, St. Pauli, em Hamburgo. O clube existiu por 7 anos, entre 1962 e 1969. O Star-Club foi inaugurado por Horst Fascher no dia 13 de abril de 1962, onde antes ficava o Stern Kino. Fascher e o sócio Manfred Weissleder abriram o Star-Club, porém, Weissleder, não queria grupos desconhecidos de garagem pra tocar em seu clube, e foi por isso que o chamou de Star-Club - "clube das estrelas". Rapidamente, o Star-Club tornou-se a maior casa noturna de Hamburgo, e conseguiu que todos os artistas renomados da época tocassem lá: Gene Vincent, Jerry Lee Lewis, Little Richard, The Everly Brothers, Chuck Berry, Bill Haley, Bo Diddley, Tony Sheridan e Ray Charles.

Cada vez com mais estrelas, Weissleder conseguiu fazer com que seu clube ficasse famoso em toda a Europa como o "centro-beat do mundo", e contratou muitas outras estrelas, como Gerry & The Pacemakers,The Swingin' Blue Jeans e The Searchers. No auge, mais de oito bandas se apresentariam por noite, a maioria delas era inglesa: The Zodiacs, The Remo Four, The Dominoes, etc. Outras poucas eram alemãs como The Rattles e The German Bonds.

Vários outros artistas de peso que tocaram no Star-Club e alguns merecem ser citados: Black Sabbath, Cream, Chicken Shack, Crickets, Fats Domino, Donovan, The Animais, Duane Eddy, Groundhogs, Richie Haven, Keef Hartley, Mannfred Mann, Small Faces, Spencer Davis Group, Spooky Tooth, Taste, Vanilla Fudge, Yes, e Jimi Hendrix ainda com o Experience.

O Star-Club fecharia no dia 31 de dezembro de 1969, depois de um concerto da dupla britânica Hardin & York. Entre 1964 e 1967 o Star-Club também lançou um selo, onde vários dos artistas citados lançaram singles e alguns lançaram o único LP da carreira. Em novembro de 1962 os Beatles tocaram por 12 dias (do dia 1 ao dia 13) no Star-Club. A quinta e última viagem aconteceu no dia 17 de dezembro de 1962. Eles tocaram todos os dias, entre o dia 18 e o dia 31 no clube das estrelas. Foi nessa viagem que foram feitas as gravações dos Beatles ao vivo.

Lançado originalmente na Alemanha pela Bellaphon (associada a Lingasong), THE BEATLES LIVE! AT THE STAR-CLUB IN HAMBURG, GERMANY; 1962 - o álbum duplo, só foi lançado na Inglaterra após o fracasso dos ex-Beatles em tentar impedir sua comercialização. Gravado durante uma apresentação dos Beatles no clube Star Club de Hamburgo pelo amigo Ted 'Kingsize' Taylor, o disco captura os Beatles na fase pré-EMI, mais rockers e crus do que nunca. A qualidade de som até que não é tão ruim, considerando-se que foi gravado com um pequeno gravador mono. É um documento histórico de valor incalculável. Dos inúmeros números covers tocados pelos Beatles, o que se destaca são as composições de Lennon/McCartney ainda em fase de teste, como I Saw Her standing There e Ask Me Why. Covers como Roll Over Beethoven, Twist and Shout, Mr Moonlight, A Taste of Honey, Kansas City, Long Tall Sally e Everybody´s Trying To Be My Baby fariam parte dos primeiros álbuns dos Beatles.

Os Beatles nunca deixaram de enfatizar a importância que a música metropolitana de Hamburgo teve nos seus anos de aprendizado. John Lennon diria anos mais tarde: "Eu nasci em Liverpool, mas cresci em Hamburgo".

THE BEATLES - ANY TIME AT ALL - 1964

 

Depois de escrever as canções que seriam usadas no filme, a corrida agora era para criar as músicas que preencheriam o segundo lado do álbum com a trilha sonora. E o Lado 2 do incrível A Hard Day's Night, 3º álbum dos Beatles, começa de forma espetacular com uma batida seca e Lennon rasgando a voz iniciando a música já pelo refrão, como em "She Loves You" e "It Won't Be Long". John era obviamente o compositor mais prolífico da época, tendo escrito cinco das sete músicas do filme e em via de compor quase todas as canções do lado 2, com exceção de uma, "Things We Said Today", de Paul. “Any Time At All”, John admitiu depois, tinha sido reescrita a partir de “It Won t Be Long”, usando a mesma progressão de acordes e a mesma forma de cantar (gritando) durante a gravação. “Any Time At All” foi gravada durante a sessão final para o álbum em 2 de junho de 1964. Embora a música tenha sido lançada pela primeira vez no Reino Unido em A Hard Day’s Night, nos EUA, apareceu no LP Something New. Ambos os álbuns foram lançados em julho de 1964.
“Any Time At All” ainda estava inacabada quando John Lennon a trouxe para o estúdio na tarde de 2 de junho de 1964. Os Beatles gravaram inicialmente sete tomadas da faixa rítmica, além de vocais de Lennon. O grupo correu para gravar “Things We Said Today” e “When I Get Home” antes de retomar “Any Time At All” quando já era noite. Naquela noite, gravaram quatro outras tomadas. Na última, take 11, adcionaram piano, violão e vocais. Foi primeiro mixada para mono em 4 de junho, mas isso foi descartado e novas mixagens mono e estéreo foram feitas em 22 de junho. Toda a composição de “Any Time At All” de última hora significou que os Beatles nunca chegaram a escrever a letra para a parte do meio. McCartney sugeriu um conjunto de acordes de piano, aos quais eles pretendiam adicionar letra, mas não conseguiram escrever nada. George Martin fez um solo de piano com ecos de guitarra de George Harrison levemente reproduzindo nota-por-nota. McCartney canta o segundo "Any Time At All" em cada coro, porque Lennon não conseguiu alcançar as notas. O prazo para as combinações finais do álbum significou que ele foi lançado em seu estado não intencionado, com “Any Time At All” não completada.

O álbum A Hard Day’s Night foi lançado em 10 de julho de 1964 no Reino Unido. A letra manuscrita de John Lennon para “Any Time At All” foi vendida por £ 6.000 em um leilão realizado na Sotheby's em Londres, em 8 de abril de 1988. “Any Time At All” só aparece em A Hard Day’s Night.

Jade Warrior "Distant Echoes" (1993)

 

Logicamente, a morte de Tony Deweg removeria automaticamente o nome Jade Warrior de circulação. Foi o que os fãs pensaram. E o mesmo aconteceu com o falecido John Field , seu fiel companheiro . Segundo ele, a saída de Tony significou o fim da magia musical que havia impulsionado o trabalho anterior de JW . No entanto, a sorte tinha outros planos. Em 1990, a banda renasceu com uma nova formação. Agora, Dave Stuart (baixo sem trastes) e  Colin Henson (guitarra) trabalhavam lado a lado com Field (flauta, metais eletrônicos, percussão). Os três lançaram o elegante e meditativo disco "Breathing the Storm" (1992). E esse não foi o fim... 

"Distant Echoes" foi escrita tendo como base o LP "Way of the Sun" (1978), o último lançamento do Jade Warrior pela Island Records . Por algum motivo, John considerou extremamente importante capturar aquele clima de quinze anos atrás. O material, que narrava os habitantes primitivos da Terra que chegaram ao Norte e lançaram as bases dos rituais xamânicos, demonstrava uma inclinação para a polifonia. Field e seus companheiros sabiam de antemão que tal projeto não seria possível com forças modestas. A ajuda veio na forma de velhos amigos. Fã de "sinfonias mágicas", o ex-colega de John no grupo psicodélico July, Tom Newman, assumiu a tarefa de fornecer um coral, além de participar da produção do disco. Além dele, o processo envolveu: um trio de metais liderado pelo famoso Theo Travis (saxofone soprano e tenor), os violinistas elétricos David Cross e Andy Aitchison , um quarteto vocal, o baterista Russell Roberts , o organista Chris Ingham e um casal de especialistas em percussão étnica. Em outras palavras, a equipe é mais do que competente. E o resultado? Mais sobre isso abaixo.

A introdução esparsa de "Evocation", apesar de sua curta duração, sugere claramente: uma comparação com "Way of the Sun" não é de todo supérflua aqui. É claro que não se fala de mistérios egípcios. Mas há um toque étnico com flashes de hard rock na guitarra. A impressão é duplicada pelo afresco lúdico de "Into the Sunlight", tecido a partir de uma cascata de emoções diversas – do descuido total com um toque de rumba a misteriosos "reflexismos" espaço-astrais. "Calling the Wind", com suas modulações atmosféricas e melodiosas roladas de baixo, aproxima-se mais das melodias new age de "Breathing the Storm". No entanto, a faixa "Snake Goddess", colocada a seguir, já é reproduzida no estilo "característico" de JW de meados dos anos 70. E até mesmo o estilo de guitarra de Henson transmite com maestria os princípios característicos do fraseado do maestro Deweg. Aliás, o momento-chave da separação dos subgêneros é observado mais adiante. Se "Timeless Journey" é uma pastoral leve de flauta e teclado em tons pastéis, "Night of the Shamen" é um rock etnoartístico "new wave" rítmico. De textura fantasmagórica, "Standing Stones" é uma espécie de show beneficente "para três". Field, Sturt e Henson conjuram silenciosamente, sem interferência externa, consolidando as técnicas encontradas na linguagem sonora recém-adquirida. "Village Dance" é outro "olá" do distante 1978 (afinal, o esquema estratégico de "The Path of the Sun" revelou-se extraordinariamente tenaz!). A história é resumida pelo final solene, cristalino e belo, como uma antiga saga nórdica, de "Spirits of the Water".

Resumindo: um excelente ato artístico, correspondendo plenamente ao título original ("Sonhos dos Espíritos Esquecidos"). Uma talentosa combinação sonora de arcaísmo e modernismo. Não perca.     

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Sigmund Snopek III "Trinity - Seas Seize Sees" (1974, 1999; 2 CD)

 

Natural de Milwaukee, Zygmunt Snopek é um músico hereditário. Daí o algarismo romano III em seu nome, que lembra um título aristocrático. Desde o final dos anos 60, Snopek estuda composição na Universidade de Wisconsin. Ao mesmo tempo, liderou o projeto Bloomsbury People , onde experimentou a combinação de neoclassicismo, vanguarda acadêmica, eletrônica e elementos de drama teatral. Após lançar alguns álbuns interessantes, a banda se separou. No entanto, Zygmunt não ficou muito chateado com isso. Naquela época, ele foi cativado por uma nova tendência. Tendo estudado um artigo sobre o gênero musical incomum "space rock", um fervoroso fã de ficção científica, Snopek se interessou pela ideia de fazer algo com tema espacial. Ele usou o sintetizador VCS3, com o qual o maestro projetou várias colagens abstratas. E então algo estranho aconteceu. Na primavera de 1973, Sigmund, em suas próprias palavras, teve uma epifania. Em pouco tempo, Snopek escreveu a partitura e, literalmente, em um dia, compôs a letra de uma obra conceitual em larga escala, mais tarde intitulada "Trinity - Seas Seize Sees". Era necessário um grupo para dar vida à grandiosa trama, e um foi finalmente encontrado. Já no verão daquele ano, a banda, rapidamente formada, testava o programa em concertos no palco universitário. E no inverno de 1974, o conjunto, sob a liderança do maestro, gravou as primeiras dezenove das quarenta e oito faixas da trilogia em estúdio (a versão do álbum, lançada um ano depois, anunciava menos faixas – são apenas dezessete). E embora o ambicioso Sigmund estivesse ansioso para transmitir a obra ao ouvinte em sua totalidade, a oportunidade só se apresentou um quarto de século depois...
"Trinity" impressiona por sua abrangência: 33 intérpretes, duração de 120 minutos, rica instrumentação, além do tradicional repertório de rock, incluindo leitor, coro, seções de cordas e metais, cítara, apito e flauta shakuhachi. Não faz sentido examinar a ópera espacial passo a passo. Direi apenas que Snopek e companhia fizeram um ótimo trabalho. O caleidoscópio artístico é generosamente decorado com vários tons estilísticos, temperados com uma dose de humor absurdista. Momentos jazz-psicodélicos se alternam com um avant-rock declamatório, com arranjos que lembram as obras de Frank Zappa.Sequências eletrônicas se dissolvem em orquestração sinfônica, música de câmara espaçosa anda de mãos dadas com boogie-woogie irônico, fusion prog compacto e funk superalegre com seus "grooves" de dar água na boca. O cérebro responsável por toda essa "feiura" está a cargo da luxuosa seção de teclados (piano, mellotron, ARP 2600, VCS3, sintetizadores), ocasionalmente soprando flauta, cantando junto e regendo o coro conjunto. O momento de articulação atemporal também é curioso aqui. Apesar do enorme intervalo de vinte anos, todos os segmentos estão perfeitamente ajustados uns aos outros. As partes gravadas entre 1996 e 1999 não contrastam em nada com a metade imortalizada nos anos setenta. E aqui também se pode traçar o profissionalismo, o talento e a engenhosidade do compositor multitarefa Zygmunt Snopek III .

Resumindo: um gigantesco oratório de rock, executado com imaginação e bom gosto, capaz de limpar o nariz da maioria dos "promotores" atuais da música progressiva. Intelectuais, anotem!  

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Jean-Philippe Goude "La Divine Nature des Choses" (1996)

 

Ele escreveu o design de som para a peça "Frankenstein", música para uma dúzia de filmes, inúmeros comerciais e programas de TV. No mundo do rock progressivo, o maestro é reverenciado como o tecladista da banda cult francesa de zoyl Weidorje . Jean-Philippe Goude (nascido em 1952) valoriza o trabalho solo acima de tudo. E, note-se, não sem razão. Somente aqui ele está totalmente aberto a todos os ventos espirituais e livre de obrigações coletivas.
"La Divine Nature des Choses" ocupa a sexta posição na discografia do original parisiense. Antes disso, houve vários samples experimentais dos anos 70 e 80, além dos discos "De Anima" (1992) e "Ainsi de Nous" (1994), onde Goude tentou encontrar a linha tênue entre a monumentalidade filosófica e o lirismo despreocupado. Em 1994, ele começou a selecionar intérpretes para seu próprio conjunto de câmara. E quando todas as questões pessoais foram resolvidas, Jean-Philippe e seus companheiros começaram a estudar a "Natureza Divina das Coisas".
A seção emocional de "La Divine Nature des Choses" é verdadeiramente curiosa. Tendo rejeitado completamente o rock, operando com os meios do minimalismo, das tendências acadêmicas modernas e (em pequena medida) da eletrônica, Goode implementou com sucesso na prática o modelo do universo sonoro dos seus sonhos. Não é possível compará-lo com outros desenvolvimentos conceituais. A geometria sagrada de Jean-Philippe parece muito pessoal, suas harmonias melódicas são muito originais e a combinação de instrumentos no espaço esférico de faixas individuais parece bastante paradoxal.

O desfile abre com o esquete cinematograficamente convexo "Tristessa", repleto de samples de fala, ruídos eficazes de estação ferroviária e rua, baseado em uma linha pontilhada de teclado de dream-jazz em loop, na percussão de Bashiri Johnson e nas modulações de órgão de Michel Deneuve . No entanto, a peça seguinte, "Total Balthazar", exceto pela autoria, não tem pontos de contato com sua antecessora. Esta passagem antiquada é tocada por uma orquestra de câmara de oito pessoas e, em certa medida, evoca memórias do maravilhoso Julverne belga . A peça-título é uma aliança de beleza e reflexão, trazida à vida por um sexteto de violoncelos com o apoio de um piano e sintetizador. O pequeno estudo "Allegria", por um lado, é claro e puro, mas ao mesmo tempo carrega uma certa dose de astúcia, beirando a ironia cáustica. O afresco perturbador e de densidade cada vez maior "Cellui Au Cœur Vestu De Noir" assemelha-se a uma confissão silenciosa que atormenta e mina por dentro... Alguns dos pontos do lançamento são marcados por um intenso trabalho de pensamento, lutando para resolver os problemas eternamente relevantes da existência. Às vezes, pensamentos tristes são substituídos por uma leveza lúdica (o número alegre "Je Suis Chose Légère"), o charme dos instrumentos de corda de Dixieland ("Léger Et Disposé"), palhaçadas sonoras absurdas com um toque jazzístico ("Fièvre & Industrie") ou a vanguarda camerística inquieta ("Ost"), mas o leitmotiv de Good ainda é uma melancolia amorfa. E em sua frieza enevoada, ao som solitário da melodia de piano ("Fugace"), o mestre completa seu voo de fantasia...
Resumindo: um ato artístico extraordinário, poderoso e expressivo. No entanto, nem todos conseguirão saborear seu encanto. Vá em frente.

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Maneige "Maneige" (1975)

 

Uma das principais esperanças da cena prog de Quebec dos anos setenta. Entre observadores estrangeiros, há uma opinião de que Maneige é a resposta do Canadá ao Gong de Pierre Moerlen . Vamos admitir. Mas como podemos lidar com a cronologia neste caso? Afinal , Gong, sob a liderança de Moerlen, começou a criar quando todas as obras fundamentais de Maneige já haviam sido lançadas em vinil. E os principais membros do conjunto não confirmam esse ponto de vista, mencionando Soft Machine , Jethro Tull , Gentle Giant , The Nice e Frank Zappa entre suas inspirações . Mas dane-se, teorias. Fatos sobre a mesa. Então, a banda foi formada em 1972. Os progenitores são a formação proto-prog de Lasting Weep, Jerome Langlois (teclados, clarinete) e Alain Bergeron (flauta, saxofone). Além disso, Gilles Chétagne (bateria), Paul Picard (percussão) e Yves Leonard (baixo) se juntaram a eles . Eles conquistaram sua reputação junto ao público, como de costume, através de shows. E, claro, suas apresentações de aquecimento para a banda holandesa Ekseption , que estava em turnê , não foram em vão: o grupo foi notado pelos produtores. Como resultado, assinaram um contrato com a filial regional da gravadora EMI/Harvest, que lançou os dois primeiros discos do Maneige .
O disco de estreia foi gravado por um número maior de músicos: o pianista/percussionista Vincent Langlois e o guitarrista Denis Lapier se juntaram aos já mencionados . Gilles, Yves e Jerome, que compuseram o material individualmente, tentaram unir suas díspares preferências estilísticas. E, é preciso dizer, conseguiram. A síndrome do "cisne, lagostim e lúcio" felizmente não afetou o trabalho fundamental dos canadenses (embora o sopro do ecletismo certamente tenha soprado por aqui). 

A abertura pertence ao poderoso megaépico "Le Rafiot". Seu enredo é simples: a peregrinação de um navio desgastado pelo traiçoeiro espaço oceânico. Grande apreciador de experimentos de câmara, o maestro Langlois tentou desgastar o ouvinte com o desgaste atmosférico. Como resultado, por uns bons quatro minutos, nossos cérebros são inundados com passagens atonais, desprovidas de características sexuais primárias. Mas então as reservas melódicas entram em ação. Escapadas vibrantes de flauta são sombreadas por acordes rítmicos de piano; vibrafone, címbalos, teclados e metais, juntos, alcançam um efeito harmônico maravilhoso. No processo, o clima muda repetidamente, às vezes saturado de agressividade elétrica, às vezes descendo para a contemplação silenciosa... Em uma palavra, uma obra poderosa. Na revelação composicional de Shetan, "Une Année Sans Fin", formada durante o período de "estudos" estudantis no conservatório, "truques" de vanguarda irrompem rapidamente através da espessura de sinos e assobios de fusão progressiva quase folclóricos. Uma espécie de mistura dos cânones prescritos de Gentle Giant e  Gryphon com uma pequena dose de RIO. A peça lúdica "Jean-Jacques", de Yves Leonard, é talvez o número mais motivador do programa. Partes de flauta solo extremamente expressivas e melancólicas, acompanhadas por um sólido acompanhamento de rock. O ato final de "Galerie III" é um truque de natureza limítrofe, passando a ideia básica pelas pedras angulares do avant-jazz, da arte, do folk e do noise. Também na categoria original estão os bônus, que demonstram a maestria "ao vivo" de Maneige em condições de estúdio (especialmente notável é "Tèdetèdetèdet" com seu incrível diálogo de percussão e sopro).

Resumindo: uma obra-prima imperecível do rock progressivo de Quebec, um triunfo alquímico de mente, alma e talento. Recomendado. 

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Naikaku ‎"Shell" (2006)

 

Um europeu médio teria dificuldade em entender o que se passa na cabeça dos japoneses. Ou eles são alienígenas de verdade, ou nós somos completos idiotas. Pode ser que ambos os fatores sejam verdadeiros. A questão é: quem se sente melhor com isso? Em geral, deixemos que filósofos e sociólogos discutam sobre esse assunto. Estamos prestes a mergulhar novamente no campo da pesquisa musical e nos familiarizar com um grupo com uma configuração muito atípica e uma estratégia composicional mais do que incomum.

Então, deixe-me apresentar a dupla Naikaku , composta por Satoshi Kobayashi (baixo) e Kazumi Suzuki (flauta). Artistas, pensadores e estruturalistas originais. Na opinião deles, para uma percepção adequada da realidade sonora, o ouvinte deve ser como uma concha, deixando os fluidos ondulantes do oceano sonoro passarem por si. Não é por acaso que o segundo álbum de Naikaku se intitula "Shell". A dupla de autores foi auxiliada por seus amigos: Norimitsu Endo (bateria, percussão), Muraoka Mitsuo (guitarra, trompete), Kei Fushimi (guitarra elétrica), Daichi Takagi (Minimug, sampler Mellotron, sintetizador analógico Yamaha CS-30). O resultado é estranhamente cativante, e é sobre isso que trata a nossa história de hoje.

O ponto de partida do programa é o número saudável "Crisis 051209", cujas cinco partes se assemelham a um intrincado ornamento de uma teia habilmente tecida. O tom da narrativa é dado pela flauta do maestro Suzuki. Às vezes imitando fleumáticamente motivos tradicionais do Oriente Médio, às vezes elevando-se no ar como um leopardo hábil, ela "faz o jogo" em todas as frentes. Mas não nos esqueçamos dos outros participantes da ação. A seção rítmica, com um guitarrista no flanco direito, domina com sucesso uma ampla gama de temas – de episódios étnicos e psicodélicos à arte fusion e ao metal progressivo. E como os artistas asiáticos são mestres da intriga sinuosa, seu caleidoscópio estilístico heterogêneo certamente não deixará você entediado. A peça subsequente, "Ressentiment", também não sofre de falta de imaginação. Em sua tela, o peso de uma ressaca se combina com as melodias mágicas do Rajastão, riffs furiosos de screamo e exercícios de jazz-rock recatados. A obra nº 3 tem um título incrivelmente longo (treze versos na versão em inglês, dez em escrita hieroglífica). Provavelmente ninguém conseguirá pronunciá-lo de uma vez. Eu também não vou tentar. Direi apenas que diante de nós está uma fusão apurada com um toque sutil de brutalidade, monogramas de baixo elegantes, partes arrojadas de flauta e trompete. No inventivo segmento de 9 minutos "Lethe", as "serras" de guitarra em alta velocidade coexistem com a tristeza elegíaca dos metais. O épico titular leva o público às dunas da Arábia, adoradas pelos japoneses; um mosaico exótico incomparável de um número gigantesco de ingredientes. O desfile-carnaval é encerrado pela imprudente obra de sintetizadores líquidos "Tautrogy" – uma demonstração convincente dos talentos de Naikaku no campo do "rock espacial".       

Resumindo: um projeto de coquetel nuclear, capaz de causar tanto uma onda extasiante de vivacidade quanto uma "reviravolta cerebral". No entanto, se os alertas do Ministério da Saúde não são dogmas para você, sinta-se à vontade para apertar o play. Eu te abençoo. 

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Coletânea – Forró em Alagoas

 

Colaboração do Maicon Fuzuê.

Um dos maiores ícones do forró participou da coletânea, mas na época, ele ainda não havia recebido o pré-nome “Mestre”. Dessa forma, podemos concluir que o disco é de meados ou da primeira metade da década de 1990.

Participam da coletânea: Tinan Rodrigues, Cláudio Rios, Mestre Zinho, Edson Natureza, Messias Lima e Irineu Nicácio, Geraldo Cardoso, Avelino Torres e Chameguinho.

Coletânea – Forró em Alagoas
Digit Sound

01 P.cês do Brasil (Tinan Rodrigues) Tinan Rodrigues
02 São João em São Miguel (Cláudio Rios) Cláudio Rios
03 Festa dos namorados (Zinho – Zuza) Mestre Zinho
04 Pra você voltar (Antonio Jacinto – Edson Natureza) Edson Natureza
05 Desabafo de um lavrador (Messias Lima) Messias Lima e Irineu Nicácio
06 Gostoso rela-rela (Geraldo Cardoso – Airton Silva) Geraldo Cardoso
07 São João do sertão
08 Penedo (Tinan Rodrigues) Tinan Rodrigues e Mestre Zinho
09 Amar, amar (Airton Silva) Chameguinho
10 Recordação (Avelino Torres) Avelino Torres
11 A festa na fogueira (Messias Lima) Messias Lima
12 Não sei chorar pra fora (Irineu Nicácio) Irineu Nicácio

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Coletânea – O maior forró do mundo

 

Uma linda coletânea, musicalidade acima da média.

O disco tem duas faixas instrumentais: “Forró do Egildo”, de autoria de Egildo, executada pela Banda de Pau e Corda; e “Oia o cruzado de novo”, com Pinto do Acordeon, de sua autoria.

Participam da coletânea Quinteto Violado, Banda de Pau e Corda, Nana Rocha e Pinto do Acordeon.

Coletânea – O maior forró do mundo
1986 – Paralelo

01 Funga, funga (Toinho Alves) Quinteto Violado
02 Vamos suspirar (Roberto Andrade – Waltinho) Banda de Pau e Corda
03 Beco do prazer (Toinho Alves – Ciano) Nana Rocha
04 Pagode russo (Luiz Gonzaga – João Silva) Quinteto Violado
05 Forró do Egildo (Egildo) Banda de Pau e Corda
06 O maior forró do mundo (Toinho Alves) Quinteto Violado
07 Partida (Egildo – Waltinho – Zezé de Andrade) Banda de Pau e Corda
08 Oia o cruzado de novo (Pinto do Acordeon) Pinto do Acordeon
09 Anita Cruz violeira (Toinho Alves – Marcelo Melo) Nana Rocha
10 Com todo gás (Pinto do Acordeon) Quinteto Violado e Banda de Pau e Corda
11 Engenho velho (Waltinho – Roberto Andrade) Banda de Pau e Corda
12 As três festas (Toinho Alves – Mario Lobo) Quinteto Violado

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Tinan Rodrigues – Os PCs do Brasil

 

Colaboração do Maicon Fuzuê

Esse selo Digit Sound era um selo econômico da Sony Music. Embora não tenha data, o disco deve ser de meados da década de 1990.

Participação especial de Mestre Zinho na faixa “Penedo cidade linda”; e de Sandoval na faixa “O pecador não é nada”, ambas de autoria de Tinan Rodrigues.

Tinan Rodrigues – Os PCs do Brasil
Digit Sound

01 Penedo cidade linda (Tinan Rodrigues)
02 O Brasil tá enrolado (Tinan Rodrigues)
03 O pecador não é nada (Tinan Rodrigues)
04 Tudo abaixo do céu (Tinan Rodrigues)
05 Dona do meu coração (Tinan Rodrigues – Airton Siuwa)
06 Toalha molhada (Tinan Rodrigues – Airton Siuwa)
07 Tempestade de gol (Tinan Rodrigues)
08 Maria Juliana (Tinan Rodrigues)
09 Meu telefone (Tinan Rodrigues)
10 Tudo que fede é gostoso (Tinan Rodrigues)
11 Os PCs do Brasil (Tinan Rodrigues)

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