PAUL McCARTNEY - O INCRÍVEL SHOW NO MARACANÃ

 

Maravilhoso! Fantástico! Sensacional! É assim que será lembrado o último show da turnê Got Back do ex-Beatle Paul McCartney no Brasil em 2023, no Rio, no lendário e significativo palco do Maracanã. Por conta do significado especial do local para a carreira de Paul, a apresentação foi acompanhada por muita especulação. Boatos diziam até que ele iria anunciar sua aposentadoria ao final do show. Afinal, ele está com 81 anos e sua carreira na música já ultrapassou a marca dos 60 anos. Nã, nã, nã, nã, nã. Paul se despediu dos brasileiros prometendo um Até a próxima! Que Deus abençoe e que ele ainda nos traga muitas alegrias nos anos que estão por vir

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O espetáculo de Paul McCartney que encerrou a turnê Got Back no Brasil, depois de passar por Brasília, Belo Horizonte, São Paulo e Curitiba, foi transmitido ao vivo, no canal Disney+ e no Star+, e ficará disponível nas plataformas durante 30 dias a partir de hoje, 17 de dezembro. Paul McCartney voltou ao local onde ele realizou seus primeiros shows no país, em 1990. Naquela turnê, The Paul McCartney World Tour, ele quebrava o recorde mundial de um artista solo ao se apresentar diante de 184 mil pessoas, o maior público de sua carreira. Ontem, novamente o Maracanã estava lotado. Depois da reforma no estádio, estima-se que havia mais de 70 pessoas, e todas saíram com um belo sorriso no rosto de alegria e agradecimento. E que ninguém se engane: 70 mil pessoas é gente pra dedéu. Para se ter uma ideia, no show dos Beatles no Shea Stadium, havia 55.600 pessoas!

"Can't Buy Me Love" dos Beatles, abriu a noite quente do Maracanã abarrotado. A voz ainda sustenta a música, mas obviamente não tem o mesmo vigor da interpretação de 1990. E menos ainda da gravação original, quando Paul tinha 20 e poucos anos. A garganta curtida pelo tempo - ao lado do inegável vigor remanescente - deixou ainda mais significativa e comovente sua presença ali. E quem se importa com isso? Na sequência, Paul emendou dois petardos de sua banda Wings, "Junior’s Farm" e "Letting Go", que afirmam, além da pressão ajustada da banda, seu ofício de compositor pop muito além dos Beatles. "Oi, Rio. Qual é cariocas?", disse, na primeira vez em que se dirigiu à plateia, em sua costumeira busca de expressões locais das cidades onde passa. "Esta noite vou tentar falar um pouco de português. Um pouquinho", arriscou, em português, minutos depois. O roteiro das apresentações da turnê de oito shows em cinco cidades brasileiras, inclui ainda músicas de diferentes momentos de sua carreira solo e uma da fase proto Beatles, com o Quarrymen. E foi sucesso atrás de sucesso! Os balões coloridos na frente dos celulares em "Ob La Di Ob La Da" tiveram um efeito visual incrível e os caatazes com "NA NA NA NA" em "Hey Jude" sempre emocionam. Com um vigor invejável aos 81 anos, Paul fez um show memorável de duas horas e meia, sem pausas nem para água, nem para o bis, promovendo um passeio pelas diferentes fases de sua longa carreira. What a Beautiful Night!

1. Can’t Buy Me Love (The Beatles)

2. Junior’s Farm (Wings)
3. Letting Go (Wings)
4. She’s a Woman (The Beatles)
5. Got to Get You Into My Life (The Beatles)
6. Come On to Me
7. Let Me Roll It (Wings)
8. Getting Better (The Beatles)
9. Let ‘Em In (Wings)
10. My Valentine
11. Nineteen Hundred and Eighty-Five (Wings)
12. Maybe I’m Amazed
13. I’ve Just Seen a Face (The Beatles)
14. In Spite of All the Danger (The Quarrymen)
15. Love Me Do (The Beatles)
16. Dance Tonight
17. Blackbird (The Beatles)
18. Here Today
19. New
20. Lady Madonna (The Beatles)
21. Jet (Wings)
22. Being for the Benefit of Mr. Kite! (The Beatles)
23. Something (The Beatles)
24. Ob-La-Di, Ob-La-Da (The Beatles)
25. Band on the Run (Wings)
26. Get Back (The Beatles)
27. Let It Be (The Beatles)
28. Live and Let Die (Wings)
29. Hey Jude (The Beatles)
Bis:
30. I’ve Got a Feeling (The Beatles)
31. Birthday (The Beatles)
32. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (The Beatles)
33. Helter Skelter (The Beatles)
34. Golden Slumbers (The Beatles)
35. Carry That Weight (The Beatles)
36. The End (The Beatles)

WINGS - WINTER ROSE / LOVE AWAKE - 1979

 

O medley com "Winter Rose / Love Awake" aparece como a quarta faixa do lado 2 do último álbum do Wings Back To The Egg. A gravação do álbum começou no estúdio Spirit Of Ranachan, na fazenda escocesa dos McCartney, em 29 de junho de 1978, durante cinco semanas até 27 de julho. O celeiro tinha uma unidade móvel de gravação RAK, que já havia sido utilizada para London Town. Faixas de apoio de pelo menos oito músicas de Back To The Egg foram gravadas lá: "To You", "Again and Again and Agai", "Arrow Through Me", "Winter Rose", "Spin It On", "Old Siam, Sir", "Maisie" de Laurence Juber e uma versão aproximada de "Love Awake". Como os Wings não deveriam fazer a turnê Back To The Egg até o final de 1979, McCartney contratou a empresa Keff and Co para criar um conjunto de filmes promocionais. Filmados durante as sessões do Castelo de Lympne, de 4 a 13 de junho de 1978, deveriam ser exibidos como clipes separados ou como um filme de meia hora. Todo o conjunto foi exibido por várias estações de televisão dos EUA de novembro a dezembro de 1979. No Reino Unido, eles não foram exibidos como um só até que a BBC os transmitiu em 10 de junho de 1981.

GEORGE HARRISON - BETWEEN THE DEVIL AND THE DEEP BLUE SEA

 

Se alguém diz que está entre o diabo e o mar azul profundo, quer dizer que está em uma situação difícil em que precisa escolher entre dois cursos de ação igualmente desagradáveis. “Between The Devil And The Deep Blue Sea”, é a 10ª música do álbum "Brainwashed", de George Harrison.

Lançada originalmente em 1932, é de autoria de Harold Arlen e Ted Koehler. O primeiro compôs “Over The Rainbown”, do filme “O Mágico de Oz”. George Harrison já havia cantado essa música no programa de televisão “Mr. Roadrunner”, de Jools Holland, em junho de 1992. No álbum póstumo Brainwashed, Jools Holland toca baixo e o experiente músico de estúdio inglês Herbie Flowers toca tuba. "Brainwashed" foi o 12º é último álbum de estúdio de George Harrison. Foi lançado em 19 de novembro de 2002, quase exatamente um ano depois da passagem de George deste mundo material. "Brainwashed" é uma bela coleção de canções de George Harrison depois de uma batalha épica contra o câncer. Leia mais: BRAINWASHED - O ÚLTIMO ÁLBUM DE GEORGE HARRISON*****

Pazop "Psychillis of a Lunatic Genius" (1972/1973)

 Os belgas entendem de música. Em teoria, esta pequena e orgulhosa nação poderia servir como um excelente diapasão cultural para o resto da Europa. Mas eles preferem manter-se imersos em sua própria essência, 

protegendo cuidadosamente o legado de seus ancestrais e permitindo apenas ocasionalmente que estrangeiros tenham acesso aos seus valores intrínsecos e eternos. A banda Pazop,
sediada em Bruxelas, é uma das lendas do rock progressivo regional. Este talentoso coletivo foi formado graças aos esforços de vários artistas respeitados. O violinista Jan Jakub Szepański, nascido na Polônia e apelidado de "Kuba", é um músico de formação que contribuiu para o popular conjunto de pop barroco Wallace Collection . O flautista/vocalista Dirk Bogaert, o organista Frank Wuyts e o baterista Jackie Mauer vieram diretamente do grupo artístico Waterloo . Já o baixista Patrick Cognoux, antes do Pazop, tocava no grupo de fusion Arkham, de Canterbury (aliás, o futuro fundador do Univers Zero, Daniel Denis, também começou sua carreira lá). Muitos fatores convergiram para os nossos heróis, mas o mais importante foi a sua imaginação brilhante, aliada ao considerável potencial criativo da banda. Isso acabou por encontrar expressão no material de "Psychillis of a Lunatic Genius", talvez o álbum fundamental da cena progressiva belga do início dos anos 90.
As dezesseis faixas que compõem o LP estão divididas em duas partes. As faixas 1 a 8 foram gravadas em julho de 1972 no estúdio Herouville, na França. A outra metade foi gravada um ano depois no Start Studios, na Bélgica. No entanto, essa circunstância não comprometeu em nada a integridade do trabalho. A dupla de compositores Bogart-Wuyts, com a modesta intervenção de Szepański, sintetizou brilhantemente descobertas estilísticas de diferentes pesos em um panorama multifacetado. As texturas melódicas, proto-progressivas, inspiradas no rhythm and blues, mostram-se capazes de acomodar com perfeição tanto riffs pesados ​​e impactantes (e isso na completa ausência de guitarra!) quanto técnicas do universo da vanguarda de câmara acadêmica (ouça a brilhante "Harlequin of Love"). O clássico pseudo-pop, com sua melodia cativante, é agraciado com acordes de jazz e culmina em uma melodia progressiva ousada e assertiva ("Crying for Disaster's Hand"). Até mesmo a pose pomposa e heroica do flautista vocal de Bogart em "Swaying Fire" evoca apenas emoções positivas; felizmente, o bom gosto natural dos músicos e seu intrincado pensamento polifônico facilitam uma excelente compreensão da peça. Ao longo do caminho, há alguns momentos kitsch (por exemplo, a virtuosa "Freedom Dance", cuja aparente frivolidade disfarça habilmente um esquema de execução bastante complexo, misturado com estruturas de avant-fusion; a vibrante "Bami, Lychee, Si", na qual a divertida conversa do personagem que fala italiano no final é elevada a um mantra imbecil, cantado zombeteiramente pelo coro; ou o não menos divertido canto "In the Army (Devil Likes Smoke)", que lembra as "piadas" favoritas de Holmmer nas fileiras de Samla Mammas Manna , bem como pérolas individuais do conceito "Mr. Mick" de The Englishmen Stackridge ). Os trechos puramente instrumentais ("Mirela", "MMM", etc.) são excelentes, revelando claramente a notável habilidade do quinteto. No geral, o lançamento deixa uma impressão vibrante e única, comparável ao efeito de degustar um bom vinho de quarenta anos.
Em resumo: uma conquista artística surpreendentemente envolvente, uma verdadeira descoberta para o apreciador de música intelectual. Recomendo fortemente.

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Aunt Mary "Aunt Mary"/"Janus" (1970/1973)

 A influência musical anglo-saxônica da segunda metade da década de 1960, espalhada pela Europa, também penetrou na Escandinávia. Isso, por sua vez, levou ao surgimento de um grande número de bandas nórdicas, adotando os sons dos Beatles , Rolling Stones , Moody Blues e vários outros artistas populares. No entanto, à medida que se desenvolviam, muitos desses antigos imitadores se distanciaram cada vez mais de suas influências favoritas, descobrindo seus próprios universos sonoros. Um desses grupos foi o norueguês Aunt Mary . Seu núcleo era formado por músicos que já haviam adquirido experiência em grupos amadores e semiprofissionais. Significativamente, o quinteto optou por iniciar sua ascensão à fama não em sua terra natal, mas na vizinha Dinamarca. Essa tática deu muito certo: Aunt Mary chamou a atenção da filial local da gravadora Polydor e, em 1970, um LP sem título, com ótima qualidade de impressão, chegou às lojas. O material, anunciado para vinil, é uma mistura surpreendentemente "saborosa" de diversos estilos. Liderada pelo guitarrista/vocalista/tecladista Ian Groth, a banda, inspirando-se nos melhores exemplos britânicos, aperfeiçoou o resultado. As onze faixas do álbum exibem uma ampla gama de atmosferas. Partindo do blues-rock tradicional com riffs de guitarra relativamente pesados ​​e uma camada de órgão marcante ("Rome Wasn't Built in One Day"), flertando alternadamente com o big beat simples ("There's a Lot of Fish in the Sea") e, em seguida, com o rhythm and blues ("All My Sympathy for Lily", "Did You Notice?", "47 Steps"), os simpáticos noruegueses eventualmente chegam a canções absolutamente magníficas, repletas de melodias excelentes, orquestrações maravilhosas e nuances proto-progressivas e jazzísticas ("Come In", "Yes, By Now I've Reached the End", "I Do and I Did"). Há alguns ecos de bandas inglesas como The Zombies e Rare Bird (ouça, por exemplo, "Whispering Farewell"), mas em termos de perspectivas futuras, considero "The Ball" o estudo mais revelador, onde a selvagem bravura de palco do quinteto se aventura em uma veia de rock sinfônico. De qualquer forma, a estreia foi excelente, e o Aunt Mary merecidamente reivindicou a vitória. Mas então, infelizmente, Sua Majestade o Acaso interveio. Por razões obscuras, o maestro Groth e o trompista Per Ivar Führ deixaram a banda. As rédeas passaram automaticamente para o guitarrista/vocalista Björn Christiansen. Este decidiu manter os gêneros simples e guiou seus companheiros rumo a um futuro no universo do hard rock. Essa abordagem se refletiu no LP "Loaded" (1972), que de fato peca por uma certa simplicidade.Felizmente, os membros da Tia Mary

Eles perceberam desde cedo que isso não surpreenderia ninguém hoje em dia. Seu terceiro álbum, "Janus" (1973), surpreendeu os fãs, demonstrando uma mudança radical de imagem. Uma suíte conceitual em oito capítulos, representou o ápice do potencial criativo dos músicos do norte da Inglaterra. Como se estivessem revoltados consigo mesmos por seu infantilismo anterior, eles emergiram diante do ouvinte com uma arte sinfônica completamente madura, apresentando inúmeros floreios dramáticos refinados, arranjos magníficos (notadamente a caligrafia impecável do organista Bengt Jensen, que enriqueceu a paleta sonora com motivos de Hammond e Moog) e harmonias corais altamente coerentes.
Apesar da beleza madura de "Janus", o público em geral ignorou o lançamento. O fracasso comercial forçou os músicos a se dispersarem. Foi somente em 1980 que a Aunt Mary ousou se vingar gravando um álbum ao vivo. Mas essa é uma história completamente diferente. Quanto à coletânea aqui destacada, eu a recomendo tanto para fãs de proto-prog com base no blues quanto para adeptos do art rock sinfônico. Aproveitem.

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David Cross & Andrew Keeling "English Sun" (2009)

 "Música de câmara elétrica" ​​é o subtítulo do lançamento. E é a mais pura verdade. Música elétrica e de câmara, de fato. E muito inglesa em sua essência. Foi criada por dois artistas completamente únicos. O nome de David Cross é associado principalmente ao King Crimson entre os fãs de rock progressivo , com quem este britânico taciturno trabalhou em discos icônicos na primeira metade da década de 1970. No entanto, o maestro posteriormente obteve considerável sucesso como artista solo. Já Andrew Killing , sua biografia é repleta de reviravoltas e mudanças surpreendentes. Um ex-corista de igreja se apaixonou pelo gênero rock, o que levou Andrew a participar ativamente de diversos conjuntos musicais. Ao longo dos anos, Killing se tornou um multi-instrumentista experiente, com uma paixão particular pela flauta. Desde o final da década de 1980, o intelectual multitalentoso se tornou compositor, escrevendo não apenas para si mesmo, mas também para outros. Aliás, a obra do King Crimson , banda que ele idolatrava, tem sido a luz guia de Andrew desde a juventude. Seu estudo meticuloso do legado do Rei Vermelho culminou no lançamento da coletânea temática "A Musical Guide to King Crimson", escrita em parceria com Killing e Mark Graham. Em suma, pode-se dizer que o encontro de Andrew com David Cross foi divinamente orquestrado. O som de "English Sun" baseia-se em uma combinação de passagens requintadas de flauta e partes igualmente expressivas de violino elétrico. Sintetizadores e inserções ocasionais de guitarra elétrica (relevantes para Andrew Killing ) são usados ​​como suporte adicional. Uma seção rítmica, assim como momentos vocais, estão completamente ausentes. O que é notável à sua maneira, já que as nove peças do programa não necessitam de ornamentos desnecessários. Cada faixa possui seu próprio espectro estilístico distinto. Assim, o estudo de abertura atmosférico "Half Light" possui uma leveza quase New Age e, simultaneamente, carrega a marca do Renascimento. A atmosfera vanguardista e difusa do afresco de câmara "Moth" revela notas tensas, sugerindo indiretamente o subtexto dramático da situação. A sinfonietta neobarroca "Dido" é agradavelmente conservadora e repleta de uma nobreza genuína e despretensiosa. A estrutura intrincada da composição "Sun and Moon" demonstra um profundo conhecimento dos cânones da música clássica contemporânea; ao mesmo tempo, seus padrões de eventos remetem às obras inovadoras de I.F. Stravinsky.

O tom elegíaco do esboço "Lamentoso" certamente encantará os amantes das tendências melancólicas do art rock; e a aliança de acordes minimalistas de piano com solos de violino distorcidos, levemente adornados com guitarra, remete a alguns dos experimentos de Robert Fripp . O truque natural-filosófico "Clear Sky", construído sobre a habilidosa imitação de todos os tipos de ruídos naturais e animais, pode ser classificado como uma paisagem sonora. Camadas de loops e efeitos de eco formam o caprichoso e altamente original minueto avant-garde "Shiny Head". Outra peça longa, "High Scree", também gravita em torno de um ritmo lento, reforçado pela intriga especulativa de seu enredo. O final de doze minutos, "Soldier Poet", é uma improvisação magistral em um estilo clássico, enriquecida por cadências eletrônicas.
Em resumo: um álbum surpreendente, estranho e cativante, nascido da imaginação coletiva de dois artistas extraordinários. Recomendo muito que você o ouça.

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Missus Beastly "Space Guerilla" (1978)

 Esta banda notável pode ser considerada, com justiça, uma pioneira do rock progressivo alemão. Formada em 1968, a Missus Beastly inicialmente tocava uma psicodelia contemporânea sólida. 

No entanto, como o futuro mostrou, a banda não tinha intenção de se tornar prisioneira do estilo escolhido. O crescente profissionalismo dos membros levou a novas exigências. Em meados da década de 1970, o renomado conjunto da Renânia já desenvolvia sua própria abordagem aos padrões convencionais do gênero fusion, expandindo simultaneamente seus limites e possibilidades. A Missus Beastly celebrou seu décimo aniversário com o álbum "Space Guerilla", coroando uma curta sequência de lançamentos oficiais. É este álbum que merece destaque.
Com foco em um som instrumental descomplicado, o quarteto apresentou um excelente conjunto de oito faixas concisas. Sem um guitarrista solo, o quarteto escolheu, em comum acordo, o instrumentista de sopro Friedemann Josch como o centro das atenções. A decisão provou-se acertada. Os riffs de flauta habilidosos do maestro na faixa-título de abertura do álbum irradiam um otimismo e uma energia irreprimíveis, contagiando o público com uma energia única. No entanto, os alemães não seriam eles mesmos se não conseguissem inserir a atmosfera enigmática do krautrock, inventada por excêntricos locais, em sua paleta de fusão lúdica. Mas a sessão de comunicação cósmica na faixa mencionada dura apenas um minuto e meio a dois minutos (de um total de 10 minutos de duração), após o qual um prog-funk combativo toma conta, densamente entrelaçado com os grooves do Hammond de Burkard Schmidl e as passagens estilizadas do baixista Loko Richter. Na apropriadamente intitulada "Guitar for Sale", as passagens de guitarra são habilmente recriadas usando um sintetizador polifônico, desencadeando uma avalanche de solos pseudo-distorcidos para o amante da música. No estudo solo "Rahsan Roland Kirk", o virtuoso Yosh utiliza a técnica de multitracking para criar um ambiente sonoro único, construído sobre o som estridente e travesso de uma flauta e interlúdios vocais inarticulados; uma história bastante implacável, executada com talento e imaginação. O esquete humorístico "Fuzzy, Don't Go to the Disco" dá aos músicos da banda rítmica — o baterista Jan Zelinka e seu parceiro Richter — a liberdade para se exibirem, demonstrando não apenas sua técnica refinada de slap, mas também seu virtuosismo no violino. A "deliciosa" e despreocupada excursão chamada "Hoffmannstrofen" assemelha-se à média aritmética entre Brand X e Mandrill , multiplicada pelas características da própria Missus Beastly .Excelentes são a expressiva mistura de jazz e rock com metais "Cose Dola", com seus inspirados monólogos de saxofone de Friedemann Josch; a ultracomplexa viagem artística "For Flü", que se apoia em um poderoso ataque de teclado; e a parada final desta intrigante jornada sonora — a contida "King Garlic", baseada nas vibrantes sincopações de Schmidl, o músico de jazz que domina a mixagem...
Em resumo: um exemplo soberbo de fusion-prog, altamente recomendado a todos os fãs do gênero.
Observação: A gravação foi feita a partir de um LP.

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Schwarzarbeit "James Gordon's Story" (1994)

 O grupo alemão Schwarzarbeit pertence a uma rara espécie de bandas cuja característica definidora é a sua atemporalidade. Estrearam em 1979 com um álbum decente, sem título. Na época, seu art rock discretamente atraente 

ainda era popular entre os ouvintes. No entanto, o álbum de 1982, "Traum oder Wirklichkeit", não conseguiu cativar o público, e os músicos seguiram caminhos separados. A banda foi revivida na década de 1990 graças ao trabalho do guitarrista Klaus Schröder. Tendo encontrado acompanhantes, a banda veterana lançou "Third Album" (1990) sob o nome antigo. A reencarnação ocorreu de forma relativamente tranquila e, satisfeito com a reação do público, o líder do Schwarzarbeit começou a compor material novo. A história do compositor decadente James Gordon, que aluga um quarto acima de um cinema em algum lugar do sul da Itália e é subitamente inspirado pelos sons da música que emanam de baixo, foi uma espécie de revelação pessoal para Schröder. Portanto, era especialmente importante para ele dar vida à história. O maestro contou com a ajuda de seu colega de longa data, o tecladista Joe Post, para refinar certas nuances da peça. A seção rítmica foi composta por membros da cultuada banda de prog-metal Mekong Delta : o baixista Ralf Hubert (co-produtor do álbum) e o baterista Jörg Michael.

À primeira vista, "James Gordon's Story" assemelha-se mais a um álbum solo de um guitarrista do que a um trabalho coletivo. As partes eletroacústicas de Klaus dominam a paisagem instrumental. Ele certamente maneja com maestria o violão de seis cordas feito sob medida pelo luthier inglês, mas o resultado final é bastante irregular. Vamos tentar entender com um pouco mais de detalhes.
A faixa de abertura, "Non-Stop Movies", é como uma bola de Natal rolando pelo chão: parece estar se movendo, mas o padrão em sua superfície permanece inalterado. O sabor sintético neo-pop conferido pelos sintetizadores de Post Malone, cercado por uma bateria esparsa, não consegue adicionar profundidade à composição. Há uma falta de textura, de camadas densas de timbre e, na verdade, nenhuma sensação de progressão; para um compositor experiente, tais falhas são um pecado imperdoável. Em "The Chamber", dedicada a Joe Post, os intérpretes inundam a obra com reflexão, intensificando o drama, mas o acompanhamento rítmico impessoal e abrupto de Michael, típico dos anos 80, faz com que tudo desmorone perigosamente. Schroeder e companhia alcançam um equilíbrio relativamente estável no terceiro capítulo, "The Open Window's Scenario". Não há queixas aqui: é tocado com alma e deixa uma impressão agradável. Mas o gênio atinge a verdadeira harmonia somente quando dispensa seus companheiros músicos do "Mekong" e se dedica ao violão clássico. É aqui que a extensão de seu talento começa a se revelar. Por exemplo, a brilhante fantasia de câmara "A Summer Holiday Film" pode facilmente ser comparada às faixas de Gordon Giltrap incluídas no álbum "Under This Blue Sky", de 2002. Igualmente sutil é a delicada peça pastoral "The Silent Fields After", claramente inspirada em "Horizons", de Steve Hackett . E o esboço de rock sinfônico "The Finale", com suas passagens atmosféricas e graciosas à la Gilmour, é bastante encantador.
Atmosferas semelhantes e variadas permeiam as faixas bônus. Se a etérea "Klavierstunde" lembra vinhetas líricas de New Age, a artística folk "Fata Morgana" é um cruzamento entre os estilos de Giltrap e Anthony Phillips . E a faixa de encerramento, "Purple Shadow-Like Faces", é um exercício de vanguarda sonora de tirar o fôlego.

Exceto por alguns excessos composicionais ocasionais e pequenas falhas, posso concluir que o álbum é muito bom e, no geral, merece a atenção de qualquer amante da música. O veredito final é seu.

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Billy Bass Nelson, cofundador do P-Funk e membro do Hall da Fama do Rock and Roll, morre aos 75 anos.

William "Billy Bass" Nelson Jr., membro fundador e baixista original do Parliament-Funkadelic, faleceu em 31 de janeiro, aos 75 anos. O talentoso músico era conhecido por seu estilo de tocar baixo, visceral e extremamente funky. Ele tocou baixo nos três primeiros álbuns do Funkadelic: Funkadelic (1970), Free Your Mind... and Your Ass Will Follow (1970) e Maggot Brain (1971). Esses LPs seminais ajudaram a definir o som dinâmico e acid-funk do Funkadelic. Nelson também tocou baixo no inovador primeiro álbum do Parliament, Osium , lançado em julho de 1970, e guitarra no segundo álbum da banda, Up for the Down Stroke (1974). Além de suas formidáveis ​​habilidades no baixo e na guitarra, ele era um compositor talentoso. Ele foi coautor de clássicos do Funkadelic como “Super Stupid”, “Hit It and Quit It”, “I Call My Baby Pussycat”, “Music For My Mother” e “You And Your Folks, Me And My Folks”. Além disso, Nelson cunhou o nome “Funkadelic”, que descreve perfeitamente a mistura eletrizante de rock psicodélico, funk, blues e soul da banda. 

“Billy Bass Nelson era o funk antes mesmo de o funk ter um nome”, escreveu Bootsy Collins em uma publicação nas redes sociais. “Respeito eterno.” Em suas memórias de 2014, George Clinton escreveu: “Billy estabeleceu o padrão para tudo o que veio depois. Seu trabalho com o Funkadelic ainda está entre os meus favoritos de todos os tempos. Ele tinha a essência da Motown com uma atitude rock agressiva.” Pouco depois da morte de Nelson, Clinton escreveu: “Descanse em paz eterna e no Funk” em sua página do Facebook. “Ele nem sempre é mencionado em primeiro lugar”, disse o historiador musical Marcus Johnson. “Mas sem Billy Bass Nelson, o som do P-Funk não existiria.” 

O músico nasceu em 28 de janeiro de 1951, em Plainfield, Nova Jersey. Na adolescência, trabalhou varrendo o chão e limpando o Silk Palace, uma barbearia em Plainfield de propriedade e administrada por George Clinton. Na época, Clinton era membro do grupo vocal de doo-wop The Parliaments, que consistia em Clarence “Fuzzy” Haskins, Grady Thomas, Raymond Davis e Calvin Simon. O grupo alcançou um grande sucesso com seu single de 1967, “(I Wanna) Testify”. A música chegou ao 3º lugar na parada de singles de R&B da Billboard e ao 20º lugar na Billboard Hot 100. Isso aumentou significativamente a popularidade do The Parliaments, resultando em muito mais shows agendados. Nelson sugeriu que o grupo contratasse uma seção rítmica de apoio para que não precisassem mais depender de bandas da casa durante as turnês. Clinton concordou com a ideia e recrutou Nelson para fazer parte da banda de apoio, que na época ainda não tinha nome. Inicialmente, Nelson tocava guitarra na banda. Ele recomendou seu bom amigo Eddie Hazel, que era um jovem guitarrista talentoso. Hazel foi rapidamente integrado à banda, com Nelson passando para o baixo.

O lendário baixista da Motown, James Jamerson, deu dicas e incentivo a Nelson, que nunca havia tocado baixo antes de se juntar à banda de apoio dos Parliaments. Ele se adaptou ao baixo como um peixe na água. Era um talento nato. A banda eventualmente recrutou o baterista Ramon "Tiki" Fulwood, o guitarrista rítmico Lucius "Tawl" Ross e o tecladista Mike Atkins (posteriormente substituído por Bernie Worrell). A banda acompanhou os Parliaments em todos os seus shows e tocou em suas gravações de estúdio, incluindo o pequeno sucesso "Good Old Music". A química entre os músicos cresceu constantemente e logo eles se tornaram um grupo coeso e com um groove incrível. Seu som evoluiu gradualmente do soul e doo-wop para um funk ácido poderoso, guiado pela guitarra. Em 1967, Nelson criou o nome da banda, "Funkadelic", uma fusão de "funk" e "psicodélico". O nome pegou, pois descrevia perfeitamente o som da banda e sua essência. No entanto, só se tornou oficialmente o nome da banda no ano seguinte.

Em 1968, os Parliaments e sua banda de apoio, Funkadelic, mudaram-se para Detroit e assinaram com a Westbound Records naquele mesmo ano. Problemas contratuais com a gravadora anterior do grupo, a Revilot Records, fizeram com que Clinton perdesse temporariamente os direitos sobre o nome "The Parliaments". Isso obrigou todo o conjunto – grupo vocal e banda – a assinar com a Westbound Records sob o nome Funkadelic. A banda lançou seu álbum de estreia homônimo pela gravadora em 1970. Nelson tocou neste álbum e nos dois LPs seguintes do Funkadelic antes de deixar a banda no final de 1971, após uma disputa financeira com Clinton.

Nos anos seguintes, Nelson gravou ou se apresentou com artistas de renome como The Commodores, Chairmen of the Board, Smokey Robinson, Fishbone, Wilson Pickett, Jermaine Jackson e Lenny Williams. Uma de suas participações mais memoráveis ​​foi ao lado de seu ex-companheiro de banda do Funkadelic, Eddie Hazel, no sucesso "Shakey Ground", dos Temptations, que alcançou o topo da parada de R&B em 1975 e foi coescrito por Hazel. Os dois músicos elevaram o nível do funk a um patamar estratosférico nessa faixa incrível. Nelson também tocou baixo na música "Happy For You", dos Temptations, que também chegou ao topo da parada de singles de R&B da Billboard. Foi o primeiro single do álbum " A Song For You" , dos Temptations, lançado em 1975 , o mesmo álbum que inclui "Shakey Ground".

Nelson também tocou em álbuns solo de vários membros do P-Funk, incluindo Bernie Worrell e Ruth Copeland, entre outros. Nelson voltou brevemente ao Funkadelic em estúdio para tocar em "Better By The Pound", uma faixa do sétimo álbum de estúdio da banda, Let's Take It To The Stage , lançado em 1975. E ele tocou no oitavo álbum de estúdio do Funk Mob, Tales of Kidd Funkadelic (1976).

Em 1993, Nelson lançou seu primeiro e único álbum solo, Out of the Dark , sob o nome OG Funk. A coletânea foi coproduzida por Nelson e Bill Laswell. A formação incluía os veteranos do P-Funk Bernie Worrell, Jerome Brailey e Gary “Mudbone” Cooper. Nelson retornou ao grupo P-Funk em definitivo em 1994, excursionando e gravando com eles. No entanto, eles já não se chamavam Parliament-Funkadelic quando Nelson voltou. Em 1981, haviam mudado o nome para George Clinton and the P-Funk All-Stars. Problemas legais e financeiros levaram à dissolução do Parliament-Funkadelic, daí a mudança de nome.

Nelson foi introduzido no Hall da Fama do Rock and Roll juntamente com outros 15 membros do P-Funk em 1997. O músico teve um impacto significativo na música funk e no baixo. Ele influenciou inúmeros baixistas nos gêneros soul, funk, rock, R&B, alternativo e hip-hop. Baixistas aclamados como Norwood Fisher (Fishbone) e Flea (Red Hot Chili Peppers) citam Nelson como uma grande influência e inspiração, e ele é uma figura venerada entre os amantes da música funk e soul e, claro, os devotos do P-Funk.