As 10 melhores versões cover de Chris Cornell

 

Chris Cornell não foi apenas um dos vocalistas mais prolíficos dos anos 90, mas também um artista solo incrível. Ele começou sua carreira musical com o Soundgarden, posteriormente reconhecido como um dos principais grupos da era grunge de Seattle. Mais tarde, fundou o Audioslave com ex-membros do Rage Against the Machine . O lado mais emotivo do trabalho de Cornell surgiu pela primeira vez no projeto paralelo Temple of the Dog, nos anos 90, e continuou em sua carreira solo. Cornell tinha uma voz que soava como poesia musicada. Ao contrário de muitos músicos, ele precisava de pouco mais do que um violão e uma leve batida de bateria, pois conseguia fazer muito mais com sua voz do que muitos de seus contemporâneos. Além de seu extenso catálogo de obras, Cornell também fez covers de várias músicas de diferentes gêneros. Em cada interpretação, ele preservava a integridade da canção original, infundindo-a com sua voz e estilo únicos e cheios de alma. De acordo com a revista Revolver , “os dons excepcionais do cantor permitiram que ele transformasse e personalizasse canções conhecidas de uma gama diversificada de músicos”. Estas são as 10 melhores versões de músicas de Chris Cornell de todos os tempos.

10. Stay With Me Baby – Lorraine Ellison

A versão de Ellison para esta música era uma fusão de blues e jazz, muito no estilo de Etta James , com intensos intervalos de metais sinfônicos. Em vez de se apoiar em uma seção de metais, Cornell abre a música com uma infusão moderna de guitarra e bateria. Além disso, sua voz contribui para a atmosfera blues da original, conferindo-lhe ainda mais melancolia e alma. Há momentos mais alegres que se mantêm fiéis à original ao longo da música, mas que a modernizam substancialmente.

9. Redemption Song – Bob Marley and The Wailers

Há pouca diferença entre a versão original de Marley e a de Cornell, exceto pelo fato de que a voz deste último confere uma riqueza e profundidade ausentes na primeira. No entanto, Cornell canta com uma pungência mais pessoal do que com a consciência global presente na versão de Marley. Além disso, Cornell finaliza a canção com um solo de violão que se torna sua marca registrada.

8. Patience – Guns N' Roses

A versão do Guns N' Roses começa com assobios sobre riffs de guitarra suaves, como um dia de primavera sem nuvens. Ao contrário de outras músicas do catálogo da banda, esta se mantém lenta, com instrumentação delicada. No final, a voz de Axl Rose se eleva no refrão final, mas as guitarras não acompanham um solo mais complexo. Em vez de assobiar, Cornell opta por uma introdução que mescla elementos eletrônicos e sinfônicos, desvanecendo-se em um violão. Há uma aspereza mais sombria em sua voz, que cria um som mais esfumaçado, ausente na versão original. Além disso, há uma urgência mais assombrosa em vez de um refrão melancólico.

7. Nothing Compares To You – Prince

A versão de Prince se apoia mais em instrumentação eletrônica e um coro de fundo. Embora a canção seja uma triste balada sobre a sensação de estar perdido sem a pessoa amada ao lado, sua voz é menos melancólica e mais animada. No entanto, quando Cornell canta a música, há uma melancolia pungente que ressoa em cada nota e riff de guitarra. Sua voz se entrega a cada nota com total impacto. Essa canção é muito parecida com "All Along The Watchtower": um artista compôs a música e outro a interpretou.

6. Imagine – John Lennon

O desejo de paz de Lennon é uma mensagem atemporal de esperança e urgência. Ele nos incentiva a encontrar um mundo com menos conflitos e mais compreensão. A harmonia se baseia no princípio fundamental de que somos todos pessoas em um planeta que temos a responsabilidade de proteger. Cornell parece canalizar o falecido vocalista de uma das bandas mais icônicas da história do rock. É difícil distinguir os dois. O melhor da versão de Cornell é que ela apresenta um clássico emblemático a uma nova geração que talvez não tenha compreendido sua mensagem.

5. Thank You – Led Zeppelin

A versão do Led Zeppelin começa com um solo de guitarra envolvente e uma batida de bateria suave, que dá lugar à voz delicada e ressonante de Robert Plant. A maior parte da música se mantém equilibrada, com alguns solos de bateria discretos que se destacam sem serem dissonantes. A versão de Cornell se concentra na guitarra e nos vocais. Sua voz é mais evocativa que a de Plant, com uma cadência tranquila. Além disso, sua versão é impactante e capaz de emocionar profundamente.

4. A Day In The Life – The Beatles

Quando os Beatles gravaram essa faixa, ela era ligeiramente dissonante, exibindo os estilos distintos de Lennon e McCartney misturados com um solo de guitarra e bateria. O final era uma coleção de instrumentos que só pode ser descrita como uma cacofonia sinfônica. A versão de Cornell é mais coesa. Ele assume ambas as partes da música e lhes dá suas próprias distinções, sem soar como se pertencessem a duas peças diferentes, apesar de um solo de guitarra e cordas que cresce em intensidade na segunda parte. Além disso, sua versão tem uma ênfase maior no estilo de Lennon. O final da música de Cornell soa mais como um grito primal do que como uma coleção de instrumentos.

3. Billie Jean – Michael Jackson

O início da versão de Jackson é uma combinação de batidas de bateria e riffs de guitarra sutis que soam como passos. Mesmo com uma base de bateria constante, grande parte da música utiliza um sintetizador para impulsionar o ritmo. A menos que você preste muita atenção à letra, a versão de Cornell não se parece em nada com a original. Em vez de uma canção pop estilizada dos anos 80, Cornell transforma a música em uma balada blues para encerrar o show.

2. Get It While You Can – Howard Tate

A versão de Tate é uma balada que se encaixa perfeitamente no gênero soul, com vocais arrebatadores que se destacam em meio a uma instrumentação lenta com interlúdios de metais. Cornell inicia sua versão com uma batida sintetizada que soa um tanto misteriosa. Grande parte da música remete aos seus tempos com o Soundgarden . Embora mantenha a essência da versão original, a canção é poderosamente atualizada, substituindo muitos dos instrumentos clássicos por overdubs eletrônicos e adicionando um brilho ausente na versão original.

1. One – Metallica

O início da poderosa canção do Metallica sobre PTSD e um homem destruído começa com um interlúdio lento, mas rapidamente se eleva ao estilo speed metal característico da banda. No entanto, Cornell mantém um ritmo mais constante que transmite a letra da música de forma mais profunda do que um gênero específico. Sua versão é uma balada perturbadora sobre uma psique devastada após vivenciar uma tragédia indescritível; ao longo da canção, sua voz permeia a letra emotiva com graça e emoção.

Love is in the air - John Paul Young

 

" Love Is in the Air " é, sem dúvida, uma das canções disco mais icônicas do final da década de 1970. Interpretada pelo cantor australiano John Paul Young e lançada em 1977, essa faixa se tornou um hino instantâneo das pistas de dança e um símbolo do romance universal. Composta pela dupla de produtores Harry Vanda e George Young, membros da lendária banda The Easybeats, a canção combina perfeitamente o otimismo melódico do pop com a energia contagiante da era disco.

Desde os primeiros acordes, “ Love Is in the Air ” estabelece uma atmosfera luminosa e envolvente. A produção destaca-se pelos arranjos orquestrais com cordas exuberantes, um baixo pulsante e a percussão típica da época, que convidam a dançar. O refrão, com a repetição cativante do título, fica gravado na memória do ouvinte quase de imediato, tornando-se um hino coletivo que transcende gerações. A voz calorosa e melódica de John Paul Young reforça esta mensagem de esperança e alegria, sem nunca se tornar excessivamente sentimental.

A letra, embora simples, possui uma beleza quase universal. Fala de um amor onipresente que pode ser sentido em todos os lugares: nos olhos dos outros, no próprio ar. É um lembrete positivo de que o amor pode se manifestar nos lugares e momentos mais inesperados. Essa mensagem, combinada com a euforia da música disco, criou uma canção ideal tanto para celebrações quanto para momentos mais introspectivos.

Em termos de impacto cultural, " Love Is in the Air " não só consolidou John Paul Young como uma figura de destaque no pop australiano, como também transcendeu seu tempo. A canção alcançou sucesso em diversos países e foi regravada e utilizada em filmes, séries de televisão e comerciais, sendo talvez mais lembrada por sua aparição no filme Strictly Ballroom (1992), de Baz Luhrmann, onde ganhou nova vida para o público moderno.

Além de ser um grande sucesso de vendas, a canção é uma prova do poder da música para elevar o espírito e conectar pessoas. Seu encanto reside na simplicidade e na forma como encapsula a sensação quase etérea de se apaixonar. Quase cinco décadas após seu lançamento, " Love Is in the Air " continua a ressoar na memória coletiva como um lembrete vibrante da alegria e do poder universal do amor.

Uchu Nippon Setagaya - Fishmans

 

Esta talvez seja a jornada (metafórica) mais longa que já fizemos no 7dias7notas.net , pois o álbum desta semana nos levou ao Japão, onde a banda "Fishmans ", liderada pelo carismático Shinji Sato , alcançou reconhecimento internacional com o álbum " Uchu Nippon Setagaya" (1997). Seu estilo único fundia com maestria gêneros como dub, pop e psicodelia, um estilo desenvolvido e refinado em cada um de seus álbuns anteriores, mas que atingiu o status de "obra-prima" em sua discografia com o álbum que estamos analisando hoje. Infelizmente, ele também serviu como uma despedida brilhante, já que foi o último álbum de estúdio antes da  morte de Shinji Sato  por doença cardíaca.

O álbum abre com a etérea e hipnótica “Pokka Pokka ”, uma faixa relaxante com arranjos minimalistas, dominada por uma linha de baixo marcante e percussão suave, sobre a qual a voz melódica e delicada de Sato flutua e se entrelaça com os outros instrumentos. O início é incrivelmente promissor, mas o que se segue é simplesmente magistral, pois em “Weather Report” os sintetizadores, a percussão e os efeitos sonoros inovadores geram uma paisagem sonora expansiva e, por vezes, psicodélica, de formas e texturas variadas.

“ Ushirosugata ” possui uma certa atmosfera melancólica e introspectiva de balada, e mais uma vez a instrumentação é meticulosamente elaborada, com a voz de Sato delicada e intimista. Igualmente refinada é a produção de “ In the Flight ”, que se inclina para uma paisagem sonora folk com violão, estalos de dedos e sons ambientes atmosféricos, acompanhando os vocais sussurrados de Sato . Essas são duas ótimas faixas, talvez um pouco abaixo da faixa de abertura e da seguinte, porque “Magic Love”, com seu ritmo hipnótico, é uma das peças mais emblemáticas do álbum. Com sua batida dub-pop hipnótica e cativante, baixo vibrante e melodia vocal eficaz, ela se torna uma explosão de energia dentro de um álbum que, de outra forma, é notavelmente lento e introspectivo.

"Back Beat Ni Nokkatte" é uma faixa dub repetitiva no mais puro estilo Gorillaz , com um ritmo hipnótico e constante, teclados eficazes, boas harmonias vocais e breves incursões na guitarra elétrica. É outra peça memorável, embora, com mais de oito minutos de duração, careça de mudanças de andamento que permitam à música se desenvolver e evoluir mais plenamente. E não é a música mais longa do álbum, porque o dub pop progressivo de "Walking in the Rhythm", uma obra-prima com mais de doze minutos, é uma verdadeira joia. Esta peça expansiva é provavelmente a faixa mais ambiciosa do álbum e um exemplo de como aplicar estruturas progressivas ao pop e ao reggae, começando com uma seção percussiva suave que gradualmente cresce até um clímax com uma explosão intensa de cordas.

Terminar com essa faixa magistral já seria impressionante o suficiente, mas eles ainda têm espaço e tempo para mais uma obra-prima, porque os quase nove minutos de psicodelia acústica em “Daydream” são a faixa de encerramento perfeita para um álbum que te imerge em um transe musical agradável, terminando com essa atmosfera onírica, hipnótica e envolvente, na qual a performance vocal de Sato é especialmente sensível e comovente. Com os intensos arranjos de cordas e guitarra que encerram a música, e sabendo em retrospectiva que “Daydream” não foi apenas o fim do álbum, mas o fim da parceria entre Fishmans e Sato, os minutos finais de um álbum impecavelmente produzido e repleto de detalhes sonoros se tornam ainda mais impactantes, criando uma experiência auditiva verdadeiramente memorável.

O impacto de "Uchu Nippon Setagaya" foi e continua sendo imensurável. Não só consolidou o status do Fishmans  como pioneiros da música pop japonesa, como o reconhecimento do álbum transcendeu as fronteiras do Japão, superando barreiras culturais e geográficas para se tornar internacionalmente reconhecido como o melhor álbum de pop japonês de todos os tempos. Nosso conhecimento limitado de rock e pop japonês nos impede de afirmar isso com a mesma certeza, mas não temos dúvidas de que a experiência de ouvir "Uchu Nippon Setagaya" é um verdadeiro deleite musical.

Song for a guy - Elton John

 

"Song for Guy" é um dos poucos sucessos de Elton John escritos sem seu letrista de longa data, Bernie Taupin. Essa faixa evocativa, em sua maior parte instrumental, tornou-se um destaque em "A Single Man", o décimo segundo álbum de estúdio de Elton e o primeiro sem Taupin. Numa época em que Elton era conhecido por sua voz poderosa, produção exuberante e pop radiofônico, essa composição delicada soava sem fôlego, sem refrão arrebatador, sem versos carregados de lirismo, apenas uma suave melodia de piano e um verso repetido: "A vida não é tudo". Todos se perguntam quem era Guy. Bem, Guy Burchett era um jovem mensageiro no escritório da Rocket Records, a gravadora de Elton. Quando "A Single Man" estava quase concluído, Guy faleceu tragicamente em um acidente de moto. Dizem que Elton havia escrito a música na noite anterior, mas ao saber da notícia, a nomeou em memória de Guy. Será que foi realmente escrita para Guy? Provavelmente não, mas a dedicatória deu à música uma carga emocional duradoura. Passou de uma composição para uma elegia.

Em 1976, após uma série de álbuns recordistas de vendas, Elton e Bernie seguiram caminhos separados. Bernie, já exausto após uma década agitada que incluiu *Tumbleweed Connection*, *Madman Across the Water*, *Honky Château* e *Goodbye Yellow Brick Road*, internou-se em uma clínica para se recuperar. Elton não parou; junto com o letrista Gary Osborne, liderou um novo álbum que se tornaria *A Single Man*. A mudança foi sutil, mas perceptível: novos compositores, novos músicos e uma energia diferente. O resultado não foi totalmente satisfatório. Alguns singles, como "Part-Time Love", "Shooting Star" e "Return to Paradise", mostraram vislumbres do Elton clássico, mas não conseguiram cativar o público. Os críticos foram gentis e os fãs ficaram curiosos com essas canções, mas foi "Song for Guy" que realmente conquistou o mundo. Um dos seus refrões marcantes é "A vida não é tudo", o único verso da música, cantado suavemente, como se falasse para ninguém em particular. É uma mensagem de esperança? Cínica? Espiritual? Ninguém sabe ao certo. Essa ambiguidade, combinada com a melancolia do piano, confere à canção sua força persistente. Soa como uma despedida silenciosa de algo, ou alguém, que foi esquecido, e para um compositor que geralmente se baseava nas letras de Bernie, esse momento de quase silêncio é significativo.

"Song for Guy" alcançou o 4º lugar nas paradas do Reino Unido, mas nunca se tornou um clássico ao vivo. Raramente aparece nos repertórios de Elton e não fez parte de sua turnê de despedida, "Farewell Yellow Brick Road". Mesmo assim, permanece viva. Em meio a um catálogo de sucessos sensacionais e rocks extravagantes, "Song for Guy" se destaca como uma das faixas mais introspectivas de Elton John: uma melodia simples com um peso emocional complexo. E talvez esse seja o ponto; às vezes, as canções mais pessoais são as que têm menos letra.

Four Strong Winds - Neil Young

Quase tudo que Neil Young gravou foi escrito por ele, mas essa música foi diferente. O compositor é um canadense chamado Ian Tyson. Ian era um cantor country e também fazia parte da dupla Ian & Sylvia. Ele escreveu e gravou "Four Strong Winds" em 1963, que foi um grande sucesso no Canadá, mas não alcançou sucesso internacional. Uma versão dos The Brothers Four, gravada no mesmo ano, foi um sucesso moderado, e no ano seguinte, Bobby Bare fez um arranjo country diferente. Uma versão dos The Vanguards fez sucesso na Europa quando a gravaram como "Mot Ukjent Sted" e foi um grande sucesso na Noruega em 1966. Os Hep Stars a gravaram com o mesmo título e ela foi um sucesso na Suécia em 1967. A versão de Neil Young, que incluiu vocais de apoio de sua então esposa, Nicolette Larson, é geralmente considerada a versão definitiva. Neil explicou como a conheceu. "Havia um lugar que costumávamos frequentar onde, por cinco centavos, você podia colocar uma música na jukebox. Essa música estava lá, e eu a tocava o tempo todo porque a adorava. Eu a ouvia repetidamente, e é uma das melhores performances que já ouvi. Não há muitas músicas que eu canto que não sejam de minha autoria, mas essa era genuína, e acho que não existe nada mais genuíno do que isso."

Sobre o que era "Four Strong Winds"? Bem, é sobre uma mulher que Ian conheceu em meados da década de 1950, chamada Evinia Pulos. Eles se conheceram na Escola de Arte de Vancouver quando ela tinha 18 anos e ele 22. A química foi instantânea, mas surgiram complicações e, em 1957, eles se separaram. Evinia descreve o que aconteceu: "Ian era um cara muito bonito e, logo depois que nos conhecemos, tínhamos planos de ir para Toronto para sermos artistas juntos, e eu pensei que passaríamos o resto de nossas vidas juntos", disse ela com um profundo sentimento de arrependimento. Os temas da música estão presentes nessa descrição: ambivalência, arrependimento e, acima de tudo, saudade. "Não vou voltar", escreveu Ian Tyson para Evinia em setembro de 1960, dois anos antes de compor o clássico do folk. A letra da música, “Mas nossos bons momentos acabaram, e eu sou obrigado a seguir em frente, vou te procurar se algum dia eu voltar por aqui”, ainda a assombra porque, afinal, ela era a beleza de olhos escuros que Tyson tinha em mente quando se debruçou sobre um violão no apartamento de seu empresário em Nova York e transformou seus pensamentos em música. Mesmo anos após a separação, algo os mantém conectados. Em 2012, Evinia declarou em uma entrevista de sua casa na Colúmbia Britânica: “Estamos presentes um para o outro até o fim. Ele se envolve em vários relacionamentos ou casos passageiros, mas eles não duram. Ele sempre volta e me liga”. Naquele mesmo ano, Tyson descreveu Evinia como sua “alma gêmea” e reconheceu que a conexão emocional entre eles persistiu muito tempo depois da separação. “Fomos amantes por 55 anos.”

Em 2005, a canção folclórica "Four Strong Winds", de Ian e Sylvia, foi a vencedora de um concurso organizado pela estação de rádio canadense CBC One para determinar a melhor canção canadense de todos os tempos.

Fire on the mountain - The Grateful Dead

 

" Fire on the Mountain ", da lendária banda americana Grateful Dead , é uma das composições mais emblemáticas do grupo dentro de sua vasta e eclética discografia. Lançada oficialmente no álbum Shakedown Street (1978), a música rapidamente se tornou um elemento básico de suas apresentações ao vivo, destacando-se por sua atmosfera relaxada, ritmo hipnótico e pelo fato de sua essência ser ainda mais poderosa ao vivo do que na versão de estúdio.

Musicalmente, "Fire on the Mountain" é um exemplo perfeito do estilo jam band que caracteriza o Grateful Dead . Com uma base rítmica quase circular, a música cria um espaço sonoro onde os instrumentos parecem dialogar entre si. A bateria de Bill Kreutzmann e Mickey Hart estabelece uma pulsação constante e envolvente, enquanto o baixo de Phil Lesh adiciona nuances profundas que sustentam a improvisação. As guitarras, tocadas por Jerry Garcia e Bob Weir, fluem naturalmente, com o fraseado de Garcia, repleto de melodia e sutileza, destacando-se particularmente e parecendo dançar sobre a estrutura repetitiva da música.

A letra, escrita por Robert Hunter, está entre as mais abertas e interpretativas da banda. Ela fala de um incêndio na montanha que não pode ser ignorado, uma metáfora que muitos fãs associam à paixão, ao desejo ou até mesmo à iminência de um desastre. Versos como " Fogo, fogo na montanha " e "Corredor de longa distância, por que você está parado aí?" evocam uma sensação de urgência e movimento, mas também deixam espaço para que cada ouvinte encontre seu próprio significado. Essa ambiguidade poética faz parte do apelo da música e da filosofia lírica da banda.

Ao vivo, "Fire on the Mountain" ganhava uma dimensão completamente nova. A banda frequentemente a tocava junto com "Scarlet Begonias", criando um medley que permitia longos trechos de improvisação. Essas versões ao vivo podiam chegar a 20 minutos, com os músicos explorando livremente diferentes texturas e atmosferas sonoras. Essa abordagem improvisacional tornava cada apresentação única, uma marca registrada do Grateful Dead e um dos motivos pelos quais seus fãs compareciam a vários shows.

A influência de " Fire on the Mountain" transcende o próprio repertório da banda. Seu estilo descontraído, por vezes beirando o reggae, inspirou outros músicos do rock psicodélico e do subsequente movimento jam band. Hoje, permanece uma canção essencial para compreender o espírito livre, experimental e profundamente musical do Grateful Dead , uma banda que transformava cada apresentação em uma jornada sonora única.

Promises - Eric Clapton

" Promises " é uma daquelas canções que, embora não esteja entre os maiores sucessos comerciais de Eric Clapton , permanece viva na memória de seus fãs graças à sua delicada mistura de country, soft rock e blues. Lançada em 1978 como parte do álbum Backless, essa faixa captura uma fase particular na carreira do guitarrista britânico, quando ele começava a se afastar dos solos elétricos mais intensos de seu passado para explorar um som americano mais relaxado e com raízes na música tradicional.

A canção foi composta por Richard Feldman e Roger Linn e destaca-se pela sua estrutura simples, porém eficaz. Desde os acordes iniciais, "Promises " caracteriza-se por um ritmo suave e cadenciado, acompanhado por guitarras acústicas que evocam paisagens do sul dos Estados Unidos e uma atmosfera de estrada aberta.  Eric  Clapton , com sua voz inconfundível, suave e um tanto melancólica, interpreta a letra com um tom de resignação e sinceridade que reforça a mensagem da canção.

A história gira em torno de um relacionamento em deterioração. O narrador expressa profunda desilusão ao descobrir que as promessas de amor não foram cumpridas. Frases como "Não me importo se você nunca mais voltar para casa" ou "Já chega de suas mentiras e traições" marcam um término definitivo, mas sem drama excessivo ou explosões de raiva. É uma despedida calma, mais próxima da aceitação do que da fúria, o que lhe confere um tom maduro e reflexivo.

Musicalmente, “ Promises ” brilha pela sua sutileza. A produção de Glyn Johns mantém um som limpo, com guitarras acústicas em destaque e uma pedal steel guitar adicionando um toque country distinto. A bateria é discreta, fornecendo ritmo sem ser evasiva, enquanto o baixo sustenta suavemente a base harmônica. Tudo isso cria uma atmosfera relaxante, ideal para o final da tarde ou uma viagem de carro.

Quanto à sua recepção, embora não tenha alcançado a mesma magnitude de outras canções de Clapton como "Layla" ou "Wonderful Tonight", " Promises " tornou-se um single de sucesso nos Estados Unidos, chegando ao top 10 da Billboard Hot 100 e também entrando nas paradas de música country. Isso demonstra a capacidade de Eric Clapton de se adaptar a diferentes gêneros sem perder sua essência.

Ao longo dos anos, "Promises" foi reconhecida como uma das joias escondidas de Eric Clapton . Sua simplicidade e honestidade emocional a mantiveram relevante, e ela continua sendo um exemplo perfeito de como uma canção pode transmitir mágoa e decepção sem recorrer à grandiosidade, confiando unicamente em uma melodia eficaz e uma interpretação sincera.

Cornbread Moon - Joe Ely

A carreira musical de Ely começou formalmente com os Flatlanders, um grupo formado por seus amigos do ensino médio, Jimmie Dale Gilmore e Butch Hancock. O trio se tornaria uma espécie de Velvet Underground da música texana: "mais uma lenda do que uma banda", como o título de uma coletânea os descreveria mais tarde. Seu som cósmico, influenciado pelo movimento hippie, composto por harmonias vocais e koans neobudistas, é bem diferente do estilo áspero e estridente do trabalho solo de Ely. Após a fase inicial dos Flatlanders, Ely viveu uma vida desregrada que deu origem a uma ótima música country, imbuindo seu trabalho com uma ironia absurda e uma profunda melancolia. Entre os trabalhos esporádicos que teve em meados da década de 70, estava o de roadie do Circo Ringling Brothers. Como artista solo, Ely aprimorou seu talento no mesmo circuito de bares decadentes que músicos de blues como ZZ Top e Stevie Ray Vaughan, e essa energia estridente permaneceu central em sua música. Com seus primeiros álbuns solo, Ely causou sensação na Europa, onde fez amizade com membros do The Clash durante as turnês. Se você ouvir atentamente os vocais em espanhol em "Should Or Stay or Should I Go", poderá ouvir a voz de Ely como acompanhamento — a primeira de muitas jam sessions entre as duas bandas. O que Glen Campbell foi para os Beach Boys ou Dylan para os Beatles, Ely se tornou para o The Clash: almas gêmeas cuja sensibilidade compartilhada à mistura de gêneros fomentou uma troca orgânica de energias colaborativas. Em sintonia com os instintos primordiais do punk, Ely também retornou às origens do rhythm and blues, com um espírito delinquente e uma estética influenciada pelo mod, não muito distante do cowpunk californiano do X e do Gun Club, meio peão de fazenda, meio andarilho lynchiano.

O álbum deles, Honky Tonk, pode ser descrito como Country Rock + um sintetizador Moog... Funciona? Com ​​certeza, e este álbum é um ótimo exemplo do porquê e de como — um disco country apaixonado que parece levar o gênero a novas direções sem perder sua essência: um gênero americano que representa a vida simples de um americano de diferentes maneiras. Sim, às vezes ele se desvia para territórios diferentes, como aqui, com toda a iconografia do Outlaw Country, mas ainda soa "mais simples" (no bom sentido) do que, digamos, os aspectos filosóficos de algumas bandas de death metal dos anos 90. É simplesmente lindo e fácil de absorver, ao mesmo tempo que oferece o suficiente para evitar que o álbum inteiro pareça desleixado ou entediante. A faixa de abertura, "Cornbread Moon", começa com uma música country progressiva energética, exuberante e densa, coroada por uma excelente performance vocal de Joe. O acordeão adicionado é muito divertido e dá um toque country à música. É uma música realmente divertida, é tudo o que posso dizer. Talvez se esforce demais na forma como cria tensão, mas ainda assim, é uma ótima música.

So Lonely - The Police

 

Tão solitário, a polícia

     "So Lonely" é uma canção da banda The Police , incluída em seu álbum de estreia, *Outlandos d'Amour* (1978). Composta principalmente por Sting , a música mistura reggae, punk e rock. Gravada no Surrey Sound Studios em Leatherhead, Inglaterra, foi produzida com recursos limitados. The Police e Miles Copeland ( irmão do baterista Stewart Copeland e empresário da banda) produziram o álbum para a A&M Records . Durante as sessões de gravação noturnas em um estúdio modesto acima de uma leiteria, o grupo se concentrou em capturar um som direto e despretensioso, resultando em uma mixagem que se destacou por sua simplicidade, permitindo que a interação entre os instrumentos brilhasse sem excessos. A fusão de estilos e a química entre Sting, Stewart Copeland e Andy Summers é simplesmente brilhante. "So Lonely" é uma mistura de reggae e punk com toques de blues e new wave. A música foi construída sobre uma progressão de quatro acordes inspirada em No Woman, No Cry , de Bob Marley , algo que Sting admitiu: "É uma cópia descarada".

O baixo de Sting fornece uma linha melódica brilhante, enquanto o virtuosismo de Stewart Copeland na bateria adiciona complexidade rítmica, e Andy Summers complementa com um solo de guitarra minimalista que evita excessos, fazendo com que tudo se encaixe perfeitamente. Esta música e sua combinação de estilos refletem a capacidade única do The Police de transformar influências díspares em um som singular. A letra, escrita por Sting com um tom que oscila entre melancolia e raiva, explora a solidão e a dor após um término de relacionamento. Sting revelou que a música foi inspirada por sua própria experiência de isolamento após se mudar para Londres, sentindo-se sozinho apesar de estar cercado de pessoas: "É um paradoxo, ser o centro das atenções e se sentir tão sozinho ". Parte da letra veio de uma música anterior de Sting com Last Exit , "Fool in Love ", e foi adaptada para se encaixar no novo contexto musical. "So Lonely" foi lançada como single em novembro de 1978 e não teve impacto imediato nas paradas de vendas, mas seu relançamento em 1980, após o sucesso de "Roxanne" , a catapultou para o 6º lugar nas paradas de vendas do Reino Unido.

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