Bonus Tracks 08 I Benjahman & Earthman Tune In– Give Love A Try (12" Version) 09 I Benjahman & Zabandis– Family Affair (12" Version) 10 I Benjahman – Family Affair (Dub Plate Vocal) 11 I Benjahman – Hold Me Tight
CD 2 - The Dubs 01 I Benjahman – Mind Blowing Dub (Part One) 02 I Benjahman – Mind Blowing Dub (Part Two) 03 Tan Tan* & Earthman Tune In– Lion Kingdom Dub Flash 04 Earthman Tune In– Prosperous Dub 05 I Benjahman – Lion Affair (Part One) 06 I Benjahman – Lion Affair (Part Two) 07 I Benjahman – Family Affair (Dub Plate Version) 08 I Benjahman – Father’s Instructions (Vox Dub) 09 I Benjahman – Father’s Instructions (Organ Dub) 10 I Benjahman – Father’s Instructions (Dubwize 1) 21 I Benjahman – Father’s Instructions (Dubwize 2) 12 I Benjahman – Being In Dub
Novo EP da cantora, compositora e musicista lo-fi (entre outras coisas mais) de Sergipe, a bruxa do mangue. antifa é um EP de 4 faixas com pegada eletronica, rock e lo-fi....
O cenário da música alternativa ganha um novo e instigante capítulo com a chegada de “So Many People”, álbum de estreia do duo 2freeak, lançado no dia 23 de abril. Mais do que um primeiro trabalho, o disco se apresenta como uma obra densa e profundamente autoral, capaz de transformar sentimentos complexos em uma experiência sonora envolvente e provocativa.
Formado em 2025, o 2freeak nasce do encontro criativo entre o baiano Angelo Johns, responsável pelas composições eletrônicas, sintetizadores e vocais, e o paulista Rafael Tofanelo, que imprime sua identidade nas guitarras e nas texturas psicodélicas. Juntos, eles constroem uma sonoridade híbrida, que rompe fronteiras e revela uma maturidade artística impressionante para um projeto de estreia.
Ao longo das faixas, “So Many People” mergulha em atmosferas que transitam entre o post-punk, darkwave, industrial e trip hop, criando uma paisagem sonora intensa e carregada de significado. O álbum não apenas dialoga com esses gêneros, mas os ressignifica ao construir uma narrativa própria, marcada por profundidade emocional e sensibilidade estética.
Os temas abordados refletem questões urgentes do nosso tempo. Depressão, ansiedade, angústia e autodestruição aparecem como fios condutores de uma obra que entende essas experiências não apenas como dores individuais, mas como sintomas de um adoecimento coletivo. Essa abordagem amplia o alcance do disco, conectando o ouvinte a um sentimento compartilhado e contemporâneo.
No campo sonoro, o trabalho se destaca pela capacidade de criar contrastes marcantes. Bases eletrônicas densas se encontram com guitarras distorcidas e camadas psicodélicas, resultando em uma experiência que oscila entre o impacto e a imersão. É um álbum que convida à escuta atenta, revelando nuances a cada nova audição.
A identidade visual do projeto reforça essa proposta artística. Com uma estética dominada por preto e branco, pontuada por tons de vermelho, cinza e marrom, o universo imagético do 2freeak constrói ambientes claustrofóbicos, noturnos e fragmentados, ampliando a sensação de desconforto e introspecção presente na música.
A ideia de identidade instável atravessa todo o álbum. Rostos borrados, enquadramentos incompletos e imagens distorcidas refletem um sujeito em constante conflito consigo mesmo. Essa construção dialoga com referências marcantes como Edgar Allan Poe e o cinema de Ingmar Bergman, especialmente em obras como “Persona” e “A Hora do Lobo”, que exploram os limites entre realidade, memória e delírio.
Mais do que um conjunto de faixas, “So Many People” se estabelece como um verdadeiro manifesto artístico. Angelo Johns propõe, com o trabalho, um resgate da subjetividade, incentivando o rompimento com padrões pré-estabelecidos e com a automatização da vida contemporânea. Já Rafael Tofanelo traduz o disco como um grito visceral, capaz de transformar experiências individuais de dor em um espaço coletivo de identificação e reflexão.
Com influências que passam por Nine Inch Nails, Portishead e Massive Attack, o 2freeak constrói um som que dialoga diretamente com os impactos do capitalismo tardio, questionando estruturas sociais e convidando o público a mergulhar nas fissuras da identidade contemporânea.
A força do projeto também se revela em sua ficha técnica. Angelo Johns assina vocais, sintetizadores, composição, letras, produção musical, mixagem, masterização e a arte de capa, enquanto Rafael Tofanelo contribui com guitarras, vocais, coprodução e mixagem. O álbum é distribuído pela Offstep, reforçando o caráter independente e autoral do trabalho.
“So Many People” não apenas marca a estreia do 2freeak, mas posiciona o duo como uma das propostas mais interessantes e promissoras da cena alternativa atual. Um trabalho que não se limita a ser ouvido, mas que precisa ser sentido.
Um “funk bem experimental” do belo-horizontino baseado no Porto.
Submundo, bruxaria, volt mix e deconstructed club. Estes são alguns dos mundos associados ao funk que DJ Sem Futuro aborda em “ROBOZINHO SUPREMACY”, EP de seis faixas lançado no início deste mês através da nova sub-label da XXIII, CORRE.
No Instagram, o produtor explica que a ideia partiu da produção da faixa As Mina Pira, que “foi o primeiro resultado prático de um exercício de reprodução do Beat Bolha, produzido por Petrus, Novin Yarp e Kevo”. No entanto, diz, “como não é muito bom a seguir regras”, decidiu fazer algo “básico” e daí fez variações. Eventualmente, a convite de Torres, da XXIII, “tentou fazer um funk bem experimental”, sempre tentando “misturar e brincar com outros géneros”. O resultado está aí.
O projeto nasceu como uma série de festas que se estreia agora como editora com este EP. Como é explicado no Bandcamp, a CORRE foca-se nos “sons do underground do Brasil” enquanto “coloca produtores brasileiros no mapa”. Começa por nomes baseados em Portugal à medida que toca em “funk, grime brasileiro, rap e todos os géneros influenciados por estes sons”.
Igor Almeida, por sua vez, é conhecido por diversos projetos. Natural do Belo Horizonte baseado no Porto, Almeida tem em DJ Sem Futuro um dos nomes mais recentes, mas já passou pelo nosso radar ao assinar música como Superalma Project ou pelo trabalho desenvolvido na editora The Spiritual Triangles. Hoje em dia, está também por trás da plataforma MILGRAUº ou do estúdio makrostorm.
Podes encontrar “ROBOZINHO SUPREMACY” através de plataformas da XXIII, como Bandcamp e SoundCloud.
Como qualquer fã de Quo sabe, as primeiras gravações da banda para a Pye Records foram exploradas ao máximo para o mercado de relançamentos. De coletâneas baratas a conjuntos com vários discos, a impressão é de que o material da era Pye sempre foi uma licença fácil para quem quisesse ganhar dinheiro rápido. A maioria das coletâneas deixa um pouco a desejar, mas ocasionalmente surge uma boa, e o lançamento de 2024 da BMG, "The Early Years, Volume 1", fez o melhor trabalho de todos, apresentando um box com 5 CDs reunindo praticamente tudo dos arquivos da banda entre 1966 e 1969.
O segundo volume de "The Early Years", lançado em 2026 e entregue à competente Cherry Red Records, supera o primeiro, oferecendo aos fãs mais dedicados do Quo algo que realmente desejam: algumas joias inéditas e uma raridade genuína em seus cinco discos brilhantemente selecionados. É verdade que isso inclui o relançamento de "Ma Kelly's Greasy Spoon" (1970), pela enésima vez, além de "Dog of Two Head" (1971), mas para quem busca uma visão abrangente da trajetória do Quo até a assinatura com a Vertigo Records, esta antologia (quase) não deixa pedra sobre pedra.
E quanto àqueles raros e inéditos fragmentos? O destaque do segundo disco é uma mixagem mono de "Ma Kelly", disponível no Reino Unido pela primeira vez. Lançado na Argentina como o álbum "Everything" em 1970, as dez faixas soam bastante brilhantes. Ao contrário das comparações mono/estéreo do Álbum Branco dos Beatles ou do maravilhoso "Odessey & Oracle" dos Zombies, você não encontrará grandes diferenças entre esta versão e a amplamente divulgada, mas o som ligeiramente mais básico das faixas traz um pouco mais de crueza, destacando a potência do som do jovem Quo em sua transição do pop psicodélico para o boogie rock de "três acordes". Naturalmente, seu som característico é ouvido em sua forma mais reconhecível em "Gotta Go Home", a segunda parte do encerramento duplo do álbum, que, coincidentemente, também destaca a principal diferença entre "Everything" e "Ma Kelly": a ausência (e bem-vinda) da coda vocal peculiar.
O mais bem-vindo neste conjunto são algumas gravações alternativas inéditas. Uma versão alternativa de "Mean Girl" tem um vocal muito mais limpo do que a gravação do single/álbum, além de uma introdução mais pesada. Embora a música seja tocada da maneira esperada, a produção mais robusta faz com que a faixa pareça ainda mais acelerada, assim como uma versão alternativa de "Tune To The Music", com seu solo de guitarra frenético conduzindo uma introdução genuinamente brilhante. Já uma versão inicial inédita da cativante "Nanana" vai arrancar um sorriso, com Francis errando na introdução, o que faz Rick rir e encorajá-lo – ainda o chamando de "Mike", como nos créditos anteriores a 1972. Depois que essa gravação se encontra, também é bom ouvir o jovem Quo cantando em harmonia sem o auxílio de muito polimento de estúdio.
Uma segunda versão de 'Nanana' é um pouco mais concisa e, desta vez, apresenta um piano em destaque e conversas de estúdio diferentes, mas a mixagem final dá a impressão de ser uma demo. Considerando as faixas inéditas, certamente agradará aos fãs, apesar de soar decididamente inacabada. Uma versão inédita de 'Gerdandula', de 1970, exibe um som de guitarra mais encorpado do que a versão alternativa anteriormente disponível do mesmo ano, levando a música para uma direção mais roqueira. Em comparação com versões que você já possa ter, as diferenças não são particularmente marcantes, mas a gravação ainda é um bom complemento, em um conjunto voltado para o fã mais dedicado. Uma versão inédita de 'Good Thinking' revela algumas notas desafinadas, mas ainda é ótimo ouvir Rossi e Parfitt em plena sintonia com o blues, e uma faixa de acompanhamento inédita de 'Tune To The Music' permite uma apreciação mais atenta de alguns solos de guitarra soberbos. Uma versão alternativa de 'Down The Dustpipe' apresenta um vocal menos proeminente, mas um som de piano mais encorpado para Roy Lynes, oferecendo uma ligeira variação da versão original, mas permanecendo totalmente agradável, até terminar prematuramente assim que a banda presume ter passado do fade out…
Para os fãs mais pacientes, há uma gravação demo de "Shifting Sand", antes difícil de encontrar, à espera de ser descoberta. Com som que remete a uma gravação antiga de acetato, os vocais de Rossi estão distorcidos e, por baixo da música, a gravação apresenta riscos visíveis. Lançada anteriormente apenas na coletânea promocional "This & That" do Quo, em 2006, esta gravação provavelmente será ouvida pela primeira vez por muitos.
Quase todas as faixas bônus das edições expandidas de 'Ma Kelly' e 'Dog of Two Head' estão presentes e intactas – as versões alternativas, os singles que não entraram nos álbuns e até mesmo as gravações da BBC – cujos destaques ainda empolgam. Uma versão de 'Mean Girl' intitulada 'Rough Mix' é, de fato, crua e improvisada, soando muito mais como uma demo, especialmente com a guitarra rítmica de Rick soando tão distante entre os versos. Será apenas para fãs, mas para aqueles que convivem com a música há décadas e não adquiriram a versão expandida de 'Dog of Two Head', será um prazer experimentá-la em sua forma mais básica. Os singles 'Down The Dustpipe' e 'In My Chair' mostram uma banda ainda a alguns anos de alcançar seu som característico, mas com um espírito genuíno. Com "Down The Dustpipe" capturando um rhythm and blues energético com uma pegada radiofônica, e "In My Chair" oferecendo um blues ligeiramente sinistro, ambos os singles mostram os humores contrastantes que impulsionavam o Quo na época, enquanto uma versão bastante impactante de "Junior's Wailing", gravada em uma sessão de Dave Lee Travis em 1970, encontra Alan Lancaster com uma voz excelente, tornando aquele curto set da BBC um verdadeiro destaque.
Este não é, de forma alguma, um conjunto perfeito. Algumas faixas que alegam ser inéditas, na verdade, não são: "Laughing Machine" – uma gravação de um brinquedo infantil popular da época que reproduz risadas sinistras de parque de diversões – apareceu originalmente no álbum duplo de 2008 "Singles Collection", assim como uma versão inicial, com som um pouco mais cru, de "Is It Really Me", facilmente reconhecível por um trecho de conversa de estúdio capturado no início. De forma ainda mais irritante, a versão inicial de "Is It Really Me/Gotta Go Home" da versão expandida de "Ma Kelly" não está presente. Trata-se de uma falha estranha, considerando os esforços empregados para tornar esta a melhor coletânea do Quo pós-psicodélico e pré-"Piledriver" até hoje.
Para compensar, há quatro faixas gravadas ao vivo em Manchester, um verdadeiro destaque do quinto disco. O áudio, proveniente do brilhante programa de TV da Granada TV "Doing Their Thing", apresenta essas quatro músicas, que já haviam sido lançadas em bootlegs, mas agora encontram aqui um lar apropriado. O áudio está ligeiramente distorcido; não de uma forma ruim, mas sim de uma maneira "definitivamente ao vivo", dando a uma das primeiras performances da futura favorita dos shows, "Roadhouse Blues", uma força que faltava na gravação de estúdio de 1972; uma versão de "Down The Dustpipe" que realmente mostra a diversão que impulsionava o Quo naquela época, com um ótimo trabalho de gaita do membro de fato Bob Young; uma versão crua de "Spinning Wheel Blues"; e uma verdadeiramente épica "Is It Really Me/Gotta Go Home", com vocais horríveis no início lento e a banda dando tudo de si no boogie final, antecipando sucessos como "Forty Five Hundred Times".
A essas faixas juntam-se três gravações raras feitas para o lendário show do Beat Club na Alemanha, em 1971. A qualidade do som é comparável à da apresentação em Manchester, exceto por um vocal ligeiramente mais proeminente em alguns trechos. Embora "Spinning Wheel Blues" e "Is It Really Me/Gotta Go Home" não apresentem grandes diferenças em relação ao show de Manchester, vale a pena ouvir esta versão majestosa de "April Spring Summer & Wednesdays", com as guitarras em destaque na mixagem.
Com relação ao material original do álbum, bastante conhecido e presente aqui, ele foi relançado tantas vezes que é fácil considerá-lo como algo garantido. Dito isso, quando 'Ma Kelly' e 'Dog' acertam em cheio, a versão vibrante de 'Junior's Wailing' captura o Quo dos primeiros tempos em grande forma, e a fantástica 'April, Spring, Summer and Wednesdays' sugere um som mais pesado com grande efeito. Já 'Dog of Two Head' tem um foco um pouco menor, mas os bons momentos são excelentes. Merece destaque a faixa mais pesada, "Someone's Learning", que pega um riff profundo e repetitivo e o martela na cabeça do ouvinte como uma das jams mais pesadas do Hawkwind, misturada com um blues sujo; o boogie psicodélico de "Gurdundula" captura um duelo de guitarras em plena ação; e a direta e envolvente "Umelitung" mistura boogie e blues de uma forma menos polida, condizente com o futuro. Complementando os álbuns de estúdio do primeiro disco, a seleção de gravações da BBC no quinto disco mostra como o material, então novo, se encaixa naturalmente nos shows ao vivo do Quo, com ótimas versões de "Junior's Wailing" e "Down The Dustpipe" como destaques indiscutíveis.
Com apenas o equivalente a um álbum de faixas raras e indisponíveis – desconsiderando a mixagem mono de 'Ma Kelly's Greasy Spoon' – este box set provavelmente só interessa aos fãs mais dedicados. No entanto, para quem não possui cópias dos dois álbuns principais, vale a pena considerá-lo uma compra interessante. Custando cerca de £30 por cinco discos na época do lançamento, é certamente um box set acessível para qualquer pessoa minimamente interessada, e definitivamente nos lembra que, se a banda tivesse se separado quando o baterista John Coghlan saiu em 1981, as pessoas provavelmente levariam o trabalho do Status Quo muito mais a sério…
'Le Dauphin', o lançamento de 2026 do compositor MV Wells, radicado em Chicago, parece um disco fora de época. Suas canções ricamente elaboradas bebem da fonte do pop adulto, da influência do rádio AM dos anos 70, da vertente mais acessível do catálogo de Harry Nilsson, do início da carreira solo de Lennon e até mesmo de sonoridades mais contemporâneas no estilo do The Flaming Lips (pelo menos quando eles não estão se esforçando demais para serem excêntricos ou para apresentar a última novidade em sua série de fórmulas). Suas nove canções soam familiares, mas repetidas audições revelam um material que, em última análise, é muito mais interessante do que meras referências ao pop nostálgico. Em seus melhores momentos, é um álbum que prova que o bom pop – apesar de ter passado por muitas transformações ao longo das décadas – sempre encontrará o caminho de volta para a era de ouro do final dos anos 60 e início dos 70.
Uma das primeiras coisas que fica óbvia em 'Le Dauphin' é a sua sonoridade sofisticada. É evidente que muito tempo foi dedicado ao aperfeiçoamento das canções e à produção elaborada; talvez mais do que se esperaria de um artista sem um histórico de discos com milhões de cópias vendidas. Outro ponto que se destaca rapidamente é a forma como Wells deixa claras as suas cores musicais. O disco abre com a totalmente fora de moda 'Stone That Was Thrown', um breve exercício de pop retrô que pega num ritmo pulsante à la McCartney, martela-o no piano elétrico e acaba soando como um cruzamento entre um esboço de Nilsson e uma demo do 10cc. Para quem gosta de um som claramente inspirado nos anos 70, certamente inspirará mais audições. A excelente "Love Unseen" se agarra ao som do Fender Rhodes para dar corpo à música, adiciona alguns toques de guitarra com reverb e uma melodia marcante, resultando em algo que soa como uma mistura entre 10cc e o mestre do power pop escandinavo David Mhyr. A música é tão segura que fica muito mais fácil ignorar – ou aceitar – os tons vocais um tanto estridentes que soam um pouco inacabados em alguns momentos, e a combinação de violoncelo, teclados e baixo encorpado que impulsiona a canção demonstra um som excelente, frequentemente encontrado no cerne das melhores músicas do Le Dauphin.
Um destaque instantâneo, "Dreaming About You" começa lentamente, contrapondo vocais suaves a uma orquestração que cresce gradualmente. Após cerca de um minuto, a música ganha vida com uma linha de bateria constante em andamento médio e alguns sons de piano elétrico que trazem à tona memórias do fantástico LP "Chateau Revenge" do The Silver Seas. A adição de uma influência soul ao pop retrô permite que o vocal deslize sobre uma ótima melodia com um toque sedoso, até que o ritmo aumenta, trazendo à tona um som animado de rádio AM. Conforme as últimas notas se dissipam, o ouvinte fica com a sensação de ter ouvido algo especial. Infelizmente, isso é rapidamente compensado pela um tanto monótona "Spectrum Boy" – uma descarada imitação solo de Lennon, onde uma abordagem desinteressante em andamento médio e inflexões vocais obviamente à la Lennon dominam, a ponto de quase se tornar irrelevante o que mais a gravação oferece. A bateria tem um som que lembra instantaneamente "Instant Karma!". E, adicionando um teclado monótono, Wells usa um som plano para criar volume, eventualmente introduzindo uma guitarra retrô e estridente para contribuir com muito pouco. Esta é uma homenagem preguiçosa, que não traz nada de novo ao som, e se você não curte isso – e já passou da hora de admitir que, sem a ajuda de Paul, John tinha dificuldade em encontrar uma melodia interessante... sempre – nenhuma quantidade de supostos gritos de incentivo como "é isso aí, vamos lá!" jamais conseguirá tirá-la do marasmo musical.
Felizmente, a animada "A Lovely Sin", com suas guitarras afiadas, tímpanos e ritmos empolgantes, traz de volta uma sensação muito mais positiva, com Wells adicionando uma pitada dos sons de guitarra característicos do The Coral ao seu pano de fundo ainda bastante obcecado pelos anos 70. Musicalmente, a faixa é construída a partir de vários elementos que você já deve ter encontrado neste álbum, mas um vocal entusiasmado e um solo de guitarra muito legal – e com bastante reverb – fazem grande parte do trabalho para que a música soe fresca o suficiente para se destacar. Em outro momento, "Tropic de Novo" dá um passo bem-vindo musicalmente para introduzir influências do soul dos anos 60 – mais notavelmente pela reciclagem de uma linha de baixo que soa como algo da banda da Motown – chegando a Wells através de uma onda de yacht rock do final dos anos 70/início dos 80, trazendo a prometida sensação "tropical", juntamente com um solo de guitarra com toque havaiano. Em termos de "descolado", Wells atinge seu ápice absoluto aqui, mas o arranjo desta faixa é encantador – é completo sem nunca parecer desnecessariamente confuso, mantendo-se interessante apesar de sua relativa simplicidade. "Killing Time", por sua vez, mergulha de cabeça no mundo dos cantores e compositores dos anos 70 com sua atmosfera melancólica e minimalista, melodia majestosa de piano e melodias arrebatadoras. Com um dos arranjos mais básicos do álbum, permite que a letra brilhe, e Wells demonstra lidar com a dor de um coração partido com a mesma elegância com que compartilha o pop animado. Quando a bateria finalmente entra e os toques de violino retornam à atmosfera exuberante e orquestrada que se revela um dos pontos fortes deste disco, esta faixa passa de boa para ótima, tornando-se outro destaque inegável.
Uma das faixas mais lentas do álbum, a canção de sete minutos "I Won't Say", inicialmente soa como um excêntrico musical. Evitando o pop orquestrado e acessível, a música começa com teclados monótonos. Agarrando-se a um ritmo lento, a canção parece não ter pressa em ir a lugar nenhum, ocasionalmente mudando de acordes para um zumbido diferente, mas também permitindo que um vocal melancólico ocupe o centro do palco. À primeira audição, soa como uma prima sombria de "Streets of Philadelphia", de Springsteen. Com o tempo, um pouco mais da personalidade de MV emerge, e as linhas de guitarra arrebatadoras que complementam seu vocal pungente sugerem algo épico no horizonte. É com uma camada de teclados inspirados em Richard Wright que essa música realmente se destaca, introduzindo um elemento Pink Floyd que parece tão deslocado em relação ao resto do material do álbum, mas que ainda assim se encaixa bem com os interesses retrô do artista. A segunda metade desta música chega a soar como uma sobra de estúdio de "Wish You Were Here"... especialmente quando a longa coda instrumental é inundada por um sax agitado com influência jazzística e um timbre à la Dick Perry. Para aqueles que ainda não se identificaram com Wells até este ponto, esta música pode ser suficientemente diferente para conquistar novos ouvintes.
Para finalizar, tudo muda novamente quando Wells pega o violão para "Farewell" e apresenta uma melodia que soa vagamente como uma faixa de um álbum do The Who de meados dos anos 70, fundida com uma música do "Summerteeth" do Wilco, influência ainda mais evidente pelo vocalista adotar um tom à la Jeff Tweedy. O vocal suave cria uma atmosfera um tanto nebulosa, nem sempre condizente com a música em si, mas o som grave dos tímpanos e alguns momentos delicadamente orquestrados oferecem algo um pouco mais próximo do restante do álbum. Como faixa isolada, parece um pouco fraca, mas como encerramento do álbum e como um refresco após a épica "I Won't Say", funciona muito bem.
'Le Dauphin' não é para todos. Mesmo para os fãs de pop dos anos 70 e de cantores e compositores com sonoridade retrô, embora haja muito o que apreciar aqui, é o tipo de álbum que exige tempo, paciência e, acima de tudo, a atenção total do ouvinte. Quase tudo aqui é muito mais profundo do que uma simples coletânea de pop retrô compartilhada por nostalgia, e o álbum como um todo é muito mais do que uma oferta de fácil audição feita para deixar o público confortável. Lançado em uma era de gratificação instantânea via streaming, é bastante gratificante explorar um álbum que requer um pouco mais de esforço. Apesar de um pequeno deslize ('Spectrum Boy' merece ser pulado logo na primeira audição), quem gostar provavelmente vai acabar amando.
Em agosto de 1976, o álbum de estreia homônimo de um grupo desconhecido chamado Klaatu foi lançado pela Capitol Records, passando quase despercebido. Em fevereiro do ano seguinte, Steve Smith, um escritor do Providence Journal, em Rhode Island, escreveu um artigo intitulado "Será que Klaatu são os Beatles? Mistério é uma jornada mágica e misteriosa". O artigo deu início ao rumor de que Klaatu era "muito provavelmente, em parte ou totalmente, os Beatles". Essas conjecturas, alimentadas por uma série de artigos em revistas especializadas como a Billboard, criaram uma enorme expectativa, e a Capitol não fez nada para negar ou confirmar os rumores. Ao longo de 1977, as vendas de discos dispararam e as estações de rádio veicularam promoções com a pergunta "Será que Klaatu são os Beatles?". Supostamente, algumas das "pistas" sobre... A dúvida sobre se Klaatu eram ou não os Beatles envolvia mensagens invertidas, código Morse, referências à identidade do grupo nas letras das músicas e a palavra "Beatles" escondida em vários lugares na capa do disco. Após meses de especulação, a identidade do grupo foi revelada no final do ano: não eram os Beatles, mas sim Terry Draper (compositor, vocalista e baterista), John Woloschuck e Dee Long. Imediatamente, as vendas de seus discos despencaram e, devido à reação negativa gerada pela farsa dos Beatles, seus quatro álbuns seguintes não venderam bem. O grupo se separou em 1981.
Aqueles que apreciam o pop inteligente, o art rock/rock sinfônico e os temas de ficção científica peculiares de Klaatu não precisam procurar além desta edição dupla com seus dois primeiros lançamentos pela Capitol. O Klaatu alternava frequentemente entre o pop à la Beatles, o rock de guitarra vistoso e o virtuosismo vocal do início do Queen, e as técnicas orquestrais eletrônicas pioneiras de Walter Carlos, ou incorporava os três elementos na estrutura de uma música de quatro ou cinco minutos. A banda atingiu seu ápice criativo em seu segundo álbum, Hope, que implementou todos os elementos acima de forma criativa e eficaz, mas que, previsivelmente, foi rejeitado pela imprensa musical como "excessivamente indulgente" e "pretensioso" — e isso somente depois de se constatar que Klaatu não era o pseudônimo da segunda vinda dos Beatles. Seus lançamentos subsequentes foram trabalhos de pop-rock absolutamente horríveis, carentes de originalidade, o que tornou seu fim no início dos anos 80 um acontecimento bem-vindo. Para aqueles que têm curiosidade sobre a banda canadense, esta coletânea de seus dois primeiros álbuns apresenta o Klaatu em seu auge.
Lista de faixas
1. Calling Occupants of Interplanetary Craft 2. California Jam 3. Anus of Uranus 4. Sub-Rosa Subway 5. True Life Hero 6. Doctor Marvello 7. Sir Bodsworth Rugglesby III 8. Little Neutrino 9. We're Off You Know 10. Madman 11. Around the Universe in Eighty Days 12. Long Live Politzania 13. The Loneliest of Creatures 14. Prelude 15. So Said the Lighthouse Keeper 16. Hope
O Sweet Smoke é frequentemente incluído no grupo Krautrock, quando na verdade, eles eram americanos. A banda era de Nova York, mas se mudou para a Alemanha. O grupo era formado pelo guitarrista/vocalista Marvin Kaminowitz, o guitarrista/vocalista Steve Rosenstein, o baixista Andy Dershin, o baterista Jay Dorfman e o saxofonista/flautista Michael Paris. Sua música é bem diferente da maioria das bandas americanas do final dos anos 60 e início dos anos 70. Eles são mais uma banda de rock progressivo dos primórdios, do tipo que ainda tinha inclinações psicodélicas. Há também um elemento jazzístico de vez em quando, especialmente no saxofone. Just a Poke, lançado originalmente em 1970 pela EMI/Columbia (se não me engano, o álbum também teve lançamentos na França e na Holanda), é o primeiro álbum deles. O álbum consiste em apenas duas faixas com duração de um lado do disco. A ordem das faixas é um pouco confusa, pois acredita-se que o álbum começa com "Baby Night" e termina com "Silly Sally", quando, na verdade, é o contrário. Eu tenho o LP original, cuja contracapa indica que o lado A era "Silly Sally" e "Baby Night" era o lado B, embora, para complicar ainda mais, o selo do disco diga o contrário. A contracapa do LP está correta. "Silly Sally" começa com um som quase medieval, com direito a flauta doce. Começa bem suave, com vocais de Marvin Kaminowitz. Eventualmente, a música ganha ritmo e se transforma em um extenso solo de guitarra, antes de emendar em um cover não creditado de "Soft Parade", do The Doors, e retornar a uma variação do tema de abertura. "Silly Sally" tem uma pegada mais blues, com maior ênfase no ritmo. A banda então parte para um solo de bateria no estilo de "In-a-Gadda-Da-Vida", e em seguida mergulha em uma explosão de percussão. Portanto, embora o Sweet Smoke seja frequentemente associado ao Krautrock, musicalmente não há nada em comum com bandas como Can, Ash Ra Tempel, Amon Düül II, o início do Tangerine Dream, Neu!, Faust, etc. Basicamente, a música deles é recomendada para quem curte o início do prog rock e do rock psicodélico.
Jet-Propelled Photographs [Charly] é a versão em CD mais recente de um título que foi relançado e renomeado diversas vezes nos últimos 30 anos. Gravadas em Londres em abril de 1967 e produzidas pelo lendário Giorgio Gomelsky, essas nove demos apresentam a formação original do Soft Machine: Robert Wyatt, Kevin Ayers, Mike Ratledge e Daevid Allen. Embora não tenham sido feitas para lançamento, essas performances cruas, porém competentes, mostram a banda em sua fase mais pop e focada em canções. Não muito distantes do Pink Floyd da era Syd Barrett, as mudanças de acordes jazzísticas e a imprevisibilidade Explosões de scat singing, letras de livre associação, um órgão zumbindo ameaçadoramente e a voz rouca e emotiva de Robert Wyatt transmitem o abandono descompromissado e o espírito eufórico que caracterizaram o melhor da psicodelia britânica dos primórdios. Para relíquias semelhantes, mas com produção mais elaborada, da formação de Daevid Allen, procure as três faixas do raríssimo álbum triplo Triple Echo. That's How Much
Daevid Allen Guitarra Kevin Ayers Vocais Richard Luckett Direção de Arte, Design John Platt Notas de Encarte Mike Ratledge Órgão, Piano Robert Wyatt Bateria, Vocais
Faixas
I Need You Now 2:25 2 Save Yourself 2:41 3 I Should've Known 7:27 4 Jet-Propelled Photograph (AKA Shooting at the Moon) 2:30 5 When I Don't Want You 2:47 6 Memories 2:56 7 You Don't Remember 3:42 8 She's Gone 2:08 9 I'd Rather Be With You 3:40
Continuando com o projeto "não ouvia há séculos", temos The Peel Sessions, do Soft Machine. Lembro-me de ter ouvido bastante esse álbum no carro quando o comprei em 1996. E nunca mais o ouvi desde então. Este é um dos primeiros lançamentos de arquivo da banda, que tem sido bastante explorada desde então, principalmente pela Cuneiform. O primeiro disco deste conjunto já havia sido lançado anteriormente, como parte do álbum triplo Triple Echo, que também era um lançamento de arquivo. Nesse sentido, esta é uma reedição com um disco inteiro de faixas bônus. O Soft Machine é muito parecido com o Tangerine Dream, pois seu material ao vivo é em grande parte improvisado, tornando cada álbum único. Para ser claro, o Soft Machine trabalha muito mais próximo de suas composições originais do que a improvisação pura do Tangerine Dream. Um estilo musical completamente diferente, que suspeito ser o principal motivo. Um exemplo disso é a letra inventada de "Moon in June", que chama a atenção para a situação atual da banda no rádio, com direito a comerciais.
A coletânea é composta por seis sessões diferentes, de 1969 a 1971 (o livreto omite 01/06/71). Os dois primeiros anos representam minha era favorita do grupo, mostrando-os em seu auge energético. As seções de improvisação livre com influência de jazz de 1971 estão bem presentes (especialmente em "Neo-Calibran Grides" e "As If"), mas são um pouco menos interessantes ao meu gosto. No entanto, o conjunto de dois discos captura muito bem o espírito do Soft Machine original.
Muitos dos álbuns de arquivo do Soft Machine se sobrepõem e se misturam. Quantos devo guardar ainda é uma questão em aberto. Mas, com certeza, este título é essencial.
5 / Fifth (1972)
Há muito tempo que critico este álbum, afirmando que se trata mais de um álbum de jazz puro, e na verdade, de free jazz (veja abaixo). Assim, distancia-se bastante da minha área de interesse na banda. Uma audição atenta à noite me fez mudar de ideia. Em vez de jazz de vanguarda, ouvi um som mais atmosférico. Uma espécie de trabalho noir. Embora haja alguns momentos irritantes de ruído que nunca me agradarão, Fifth Harmony mantém-se, em geral, composto. E em "Drop", Ratledge faz o que faz de melhor: distorcer o órgão e improvisar de forma selvagem. Nunca tive este álbum em LP, então é ótimo finalmente encontrar um exemplar perdido (da nossa última viagem a Detroit). Vou ficar com ele por enquanto.
Six (1973)
Dos sete primeiros álbuns clássicos do Soft Machine, o único que eu não compreendo completamente é o destaque de hoje: Six. Na verdade, acredito que esta seja apenas a segunda vez que ouço este extenso álbum duplo; a primeira vez foi há uns 20 anos. Ao ouvi-lo novamente ontem à noite, meu apreço por ele aumentou consideravelmente e dei mais uma chance.
O primeiro álbum é uma gravação ao vivo e remete à era musical de 1969 da banda, onde cada música flui para a seguinte. O recém-chegado membro da seção de sopros, Karl Jenkins, adiciona um entusiasmo renovado, e até mesmo Mike Ratledge parece estar se divertindo novamente, dedilhando seu órgão antiquado. Embora não tenha a aura nostálgica dos antigos gravadores de rolo e certamente apresente um tom de jazz mais suave, este será o trabalho mais próximo que o Soft Machine chegará de suas raízes originais. Ironicamente, ele também prevê o futuro, já que Seven continua esse tema em estúdio.
O segundo álbum nos leva de volta à terceira fase, com longas faixas improvisadas e sem foco definido, mas sem as tendências de free jazz dos dois antecessores, álbuns pelos quais eu pessoalmente nunca me identifiquei. Novamente, o órgão de Ratledge e o saxofone de Jenkins lideram o desfile de solos e melodias. E, embora eu não tenha mencionado isso em relação ao primeiro LP, a excelente seção rítmica de Hugh Hopper e John Marshall também soa energizada. Um excelente álbum no geral.
Third (1970)
Eu tinha um colega que insistia que este álbum em particular — sim, este mesmo — era o melhor álbum de todos os tempos. Eu havia me afastado do Soft Machine logo de cara, infelizmente começando com o Quarto e o Quinto. Não era a minha praia na época... e, honestamente, ainda não é. Jazz livre demais, que eu sei que muitos de vocês curtem, mas cada um tem seus limites. Mas ele era persistente e me emprestou o CD dele, que eu levei para o trabalho todos os dias durante uma semana. Naquela época eu ainda era programador (por volta de 1992), então levei meu Discman e deixei tocando o dia todo. Com o tempo, entendi o que ele queria dizer. Nunca seria um dos meus favoritos, mas pelo menos eu conseguia apreciar a inventividade — e sim, é suficientemente singular para ser um álbum favorito para o ouvinte certo — eu conseguia ver isso. Era a transição deles do psicodélico/progressivo para o jazz. Por causa dessa experiência, acabei comprando os dois primeiros álbuns, dos quais gostei imediatamente. Mas sim, para 1970, este é um material extraordinário.
Softs (1976)
Em 1976, o Soft Machine — como era conhecido — já não existia mais. Mike Ratledge ainda estava por perto, mas não muito envolvido. Nessa época, o Nucleus basicamente se autodenominava Soft Machine. E musicalmente, isso também se aplica. O Soft Machine havia transitado do psicodélico para o prog (ou Canterbury, se preferir), depois para o jazz, para o jazz rock e agora para o fusion. Como acontece com todos os melhores álbuns deste último gênero, "Softs" merece destaque pela composição melódica, em vez de qualquer exibição de virtuosismo. O álbum começa com as melhores faixas, como "The Tale of Taliesin'" e "Ban-Ban Caliban". A guitarra de John Etheridge é o ponto alto do repertório instrumental. Tenho amigos que nunca gostaram muito do Soft Machine, mas apreciam este álbum por se conectar com o interesse deles em tudo relacionado ao jazz fusion.
Volume Two (1969)
Um álbum muito incomum, com cerca de 16 minutos de música brilhante e muitos momentos de calmaria/sons incidentais. O fato de terminar em alta, acredito, contribui para sua maior avaliação/reputação, mas uma audição atenta revela muitas lacunas. Não estou criticando o álbum com 4 estrelas, mas também me deixei influenciar pelo final impactante. O Lado 1, em particular, é bem fraco, com exceção da monstruosa "Hibou, Anemone and Bear", que foi presença constante nos shows por anos. Se você quiser ouvir este álbum de uma forma mais dinâmica, recomendo o excelente CD de arquivo Noisette, da Cuneiform.
Essa audição confirma essa impressão. Acho que o Volume Dois chegou ao seu limite para mim — não vejo como ele pode chegar à primeira divisão. Muito inconsistente, mas os momentos altos são realmente impressionantes.
Backwards (1970 / 2002)
A Cuneiform é a referência máxima para tudo relacionado ao Soft Machine, e sua obstinada determinação em lançar tudo o que vale a pena é admirável. No meu caso, qualquer coisa anterior a 1971 merece ser investigada, e depois disso, é uma questão de sorte. A maior parte deste álbum foi gravada em shows de maio de 1970, realizados em Londres. Na prática, é o Soft Machine Third ao vivo. A banda começa a se aventurar por gêneros jazzísticos, algo que eventualmente ultrapassaram completamente – e que me interessa menos. Não vou afirmar que este álbum é essencial, como Noisette, por exemplo, mas para os fãs mais dedicados, certamente é.
