terça-feira, 14 de fevereiro de 2023

GRAVETOS & BERLOQUES (PRISTINE-FIREBALL (2020) & THE LINES WE CROSS (2023)






Seguindo com as atualizações discográficas, a banda liderada pela ruivinha -mais uma, né?- com a voz mais foda de toda a NoruegaHeidi Solheim, é a bola da vez. Na moral, sei que é chover no molhado mas vou perguntar assim mesmo: seus aplicativos de streaming alguma vez lhe sugeriram esta banda, após ouvir aquele tremendo blues rock que você ama, magistralmente interpretado por uma de suas cantoras prediletas no gênero?  Não...claro que não, né? Muito provavelmente lhe sugeriram, quando muito, uma Adele -que eu amo mas, convenhamos, uma coisa é uma coisa e outra coisa é outra coisa, certo?- ou, nos casos mais graves, um novo lançamento da Anitta. Portanto, posso presumir que você, caso nunca tenha passado pela porta desta birosca brenfoetílicomusical pelos últimos ou 6 anos, jamais ouviu falar da Pristine e sequer sabe que este país mais ao norte da Europa não vive apenas de bacalhau e black metal. Mas o meu, o seu, o nosso G&B está de volta justamente para reparar este, e outros, digamos assim, hiatos melômanos.
E, desta vez, a atualização vem em dose dupla, com 'Fireball', um EP de 2020, e seu mais recente trabalho, o ainda quentinho 'The Lines We Cross', e carregado de belas surpresas, como o uso mais constante de naipes de cordas e, até mesmo, orquestras de médio porte, como a The Arctic Philharmonic, já uma antiga parceira das loucuras da talentosíssima Heidi, sempre com excelentes resultados. Não há como deixar de destacar, nestes dois petardos, faixas como 'Fireball', 'Ghost With A Gun', 'The Devil You Know' e a 'kashmiriana' e insuperável 'Carnival' e seu magistral arranjo de cordas. Mas, acreditem, vai ser difícil saca-los do player antes do fim...





Seaming To – Dust Gatherers (2023)


vm_105Quando Bjork cantou sobre um 'Army of Me', evocou não apenas os poderes que ela poderia invocar se fosse injustiçada, mas também sua multiplicidade como artista. Esse é ainda mais o caso do artista enigmático e incrivelmente versátil, Seaming To . Embora trabalhando aqui principalmente solo, ela tem a capacidade de um conjunto completo, não apenas em termos de seu notável alcance vocal e virtuosismo multi-instrumental, mas em sua capacidade de mudar de forma sem esforço, de se fundir entre gêneros e mudar de cor à vontade. coletores de poeiraé uma conquista única, um álbum de avant-pop inclassificável e realista mágico. Baseando-se e aludindo ao clássico, jazz, blues, pop e música eletrônica, Dust Gatherers sempre usa seu ecletismo sem peso, arejado, sonhador… Sedutor, evocativo, emocionalmente carregado, mas nunca errando…

MUSICA&SOM

... Dust Gatherers é um exército dela. Para manifestar a visão singular de Seaming To, Dust Gatherers é assistido em parte por músicos convidados aclamados pela crítica: James Ford do Simian Mobile Disco (guitarra slide e efeitos eletrônicos), Matthew Batty do Homelife (violino), Justin Lingard (viola) e Paddy Steer (contrabaixo). , guitarra pedal steel), Olivia Moore (violino) e Semay Wu (violoncelo). O álbum começa com 'AnOverture', que parece um portal para o mundo dos sonhos de Seaming. Imagine entrar em um buraco de minhoca, o mundo noturno de 'Central Park in the Dark' de Charles Ives, talvez um corredor escuro de carrilhões brilhantes, antes que cordas processadas - profundas e consoladoras - subam a uma crista reverberante e depois caiam em uma pilha elegante. um lugar cheio de amor e saudade. 'Bênção' afirma isso, com seu desejo de que nos seja conferido “em nosso sono com descanso/em nossos sonhos com visão/em nosso despertar com uma mente calma…” É uma oração, carregada de todas as qualidades que ela pede. Contra uma simples, mas celestial gangorra coral, To sobrepõe-se a si mesma, com overdubs e harmonias, ascendendo ao registo superior e desdobrando-se em vários seres. 'Tousles' segue, ocupando um reino etéreo entre o real e o processado, o puro e o sintetizado, o mínimo e o voluptuoso, uma trama arpejada de seda, metal e plástico. Sturm e Drang de seus vocais – prateados, mágicos de Busby Berkeley. 'Brave', enquanto isso, a vê subdividir-se mais uma vez em múltiplas vozes – espectrais, sobrenaturais, um conto de fadas dos Irmãos Grimm gravado em teclados.


Narrow Head – Moments of Clarity (2023)

 

cabeça estreitaO álbum anterior de Narrow Head , 12th House Rock de 2020  ,  tinha uma perspectiva sombria. Foi um documento de depressão total, suas letras povoadas por apatia, auto-aversão e abuso de substâncias. Conseqüentemente, soou sujo e sujo, chamando de volta ao metal alternativo dos anos 90 com uma boa dose de entorpecido shoegaze. Na época em que o álbum foi lançado, o vocalista e guitarrista Jacob Duarte estava em crise, lidando com a morte de amigos e as “provações espirituais” que vêm com isso. A reavaliação de sua perspectiva e prioridades motivadas por essa experiência alimenta Moments of Clarity , o terceiro álbum da banda de Houston.
Enquanto o último álbum trouxe à mente uma angústia interior,  Moments of Clarity  é um hino e explosivo. Os tons são maiores e mais suaves,…

MUSICA&SOM

…Duarte perfura suas falas e alonga suas vogais, e o sorriso de escárnio ao estilo Britpop que ele costumava cantar em  12th House Rock  se foi, substituído por um arrulho feliz. “The Real”, um grande destaque, sente-se, se não totalmente extasiado, pelo menos enfático, como Duarte canta: “Quão bom é/Ser tu, ser real?” O tingido de eletrônico “The World” também tem esse efeito, já que Duarte dá conselhos a alguém mais perdido do que ele. “The Comedown” oferece esta conclusão para dar início ao seu outro gigantesco: “Você deveria saber que estou envelhecendo / me perdi e isso é tão bom”.

Confusão e angústia acompanham revelações como essas, criando uma mistura emocional turva. “Trepanação” é Duarte imaginando, ou implorando, por um buraco feito em seu crânio. “Fine Day” e “Moments of Clarity” são canções de separação amargas, enquanto “Breakup Song” é serena e receptiva. Mesmo o refrão mencionado em “The Real”, quando tomado no contexto do restante da letra da música, pode facilmente ser lido como sarcástico – é a seriedade na voz de Duarte que o vende como diferente. Ele usa um truque semelhante no emocionante “domingo”: “Apaixone-se, veja as coisas / E eu sei que já tive o suficiente.” Ele está se comprometendo com a ideia ou descartando-a? Esses contrastes e ambiguidades criam uma tensão que compensa com o lançamento de cada grande e triunfante gancho.

Tensão e liberação também são fundamentais para a instrumentação. Na veia de bandas de metal alternativo como Quicksand e Helmet, o baixo pesado e frontal dá a tudo um impulso constante, fixando as músicas enquanto as guitarras mudam de versos contidos para refrões envolventes e soltos. “The Real” e “Trepanation” fazem isso melhor, a primeira impulsionada por seu ímpeto e a segunda por sua melodia vocal simples, mas penetrante. “The Comedown” vai para a abordagem lenta, diminuindo o ritmo e levando quase dois minutos para chutar com um som de guitarra absolutamente esmagador.

Geralmente, o peso deste álbum é mais sobre criar ou sustentar uma vibração do que uma fonte de vitalidade. Há gostos de um peso mais mordaz em “Trepanation”, “Gearhead” e particularmente em “Flesh & Solitude”, que apresenta backing vocals gritados e guitarras agitadas. Esses são os destaques do álbum, destacando sua escuridão da mesma forma que as partes cativantes fazem sua luz. Os meios musicais entre esses pólos são onde o álbum é mais fraco - "Breakup Song", "Caroline" e "The World" não são particularmente memoráveis, musicalmente ou não. Mas, na melhor das hipóteses,  Moments of Clarity  é uma ilustração eficaz do processo de abrir caminho para algum significado, sabendo que, caso contrário, você será destruído.


Anne H. Goldberg-Baldwin – Permutations (2023)

 

Anne H. Goldberg-BaldwinAnne H. Goldberg-Baldwin é uma artista cujo trabalho abrange um vasto território. Como co-fundadora e diretora artística do Tempus Continuum Ensemble, ela supervisionou uma variedade de apresentações de obras de artistas emergentes e vivos e, nessa mesma função, com o Synthesis Aesthetics Project, seus talentos como produtora, compositora, coreógrafa, e diretor de produções em grande escala resultaram em arte interdisciplinar do mais alto calibre artístico. Além de seu status atual como professora assistente de composição no Berklee College em Boston, parece que um álbum de música para piano solo pode ser apenas um mero pontinho em seu currículo. Mas Permutations está longe de ser uma diversão menor; em vez disso, é uma obra-prima impressionante de uma declaração artística.

MUSICA&SOM

Como a maior parte do trabalho de Goldberg-Baldwin em várias disciplinas, Permutations vê o artista evitando limites e normas esperadas ao atacar o trabalho de vários compositores contemporâneos com aproximadamente uma hora de piano solo dinâmico e habilmente executado. O álbum não apenas continua sua tradição de longa data de promover e estrear música de compositores vivos, mas Permutationsvai um passo além ao consistir principalmente em obras compostas por “caros amigos do compositor que exploram diferentes facetas da experiência humana”, de acordo com os materiais de imprensa do álbum. Com exceção de “Cinco Meditações sobre Música da Coleção de Luigi Rossi”, cinco peças compostas pela compositora e educadora alemã Reiko Füting, todas as peças aqui apresentadas são gravações inéditas escritas entre 2019 e 2022.

Permutations começa audaciosamente com os 15 minutos de “Cold Hands”, do compositor islandês Halldór Smárason. A composição incorpora dissonância estrondosa, leves toques melódicos, repetição enlouquecedora e momentos de quase silêncio com os restos de notas de sustentação de passagens anteriores. Goldberg-Baldwin aprecia o trabalho de Smárason com uma performance animada e envolvente que transporta o ouvinte através de uma ladainha de emoções. Da mesma forma, “Broken Language” de Kevin Baldwin parece conter muito da mesma atração emocional da composição anterior, embora em menor escala. Notas abruptas, como pontos de exclamação, pontilham a peça e agem como marcadores entre as passagens mais melódicas e neo-românticas.

Para sua composição, “o tempo deixa rastros não gravados em pedra”, Goldberg-Baldwin revela um estilo aventureiro, tátil, um tanto lúdico, já que o piano é ocasionalmente tratado como um instrumento de percussão. Pedaços de estalidos e batidas oferecem mais variedade sonora ao lado de acordes mais tradicionais e notas trêmulas. A atmosfera incomum e esparsa da peça é única, mas também positivamente assustadora (da melhor maneira possível).

“Perforations” de Alex Burtzos dá a Permutations alguns de seus momentos tradicionalmente tonais mais acessíveis, já que os agrupamentos de acordes rítmicos são seguidos por passagens mais floridas e sustentadas. A execução de Goldberg- Baldwin dessa composição absolutamente cativante fala muito sobre sua capacidade de trabalhar com vários estilos de composição modernos.

Goldberg-Baldwin sai do domínio do piano solo tradicional e moderno ao incorporar efeitos assustadores em “this is where i am right now” de Chris Creswell, enquanto um som agudo e agudo que lembra um coro de insetos é intercalado com o que poderia ser descrito como uma guitarra de pedal steel distante, enquanto acordes baixos e estrondosos descem intermitentemente. A estática eletrônica entra e sai, criando uma atmosfera verdadeiramente imersiva e onírica. Apesar de todas as manipulações sonoras, no entanto, a técnica de composição de Creswell avança. O desempenho não é nem um pouco enigmático; em vez disso, produz o equivalente sonoro de um pesadelo eloquente e mal controlado.

Permutaçõestermina com duas suítes de várias partes: primeiro, as cinco “Miniaturas” de Richard Carrick marcam cerca de um minuto cada, e são pedaços saborosos de ruído lúdico, ziguezagueando entre a dissonância e o desejo romântico. Goldberg-Baldwin normalmente lida com a dinâmica dissonante com mãos hábeis. As já mencionadas “Cinco Meditações sobre Música da Coleção de Luigi Rossi” de Füting desviam-se de passagens profundas e sustentadas, momentos quase barrocos e esquisitices persistentes como pedaços de cordas de piano dedilhadas e dedilhadas. Essas cinco peças, que fornecem uma conclusão lírica e deslumbrante para o álbum, gradualmente cedem à tentação de romper com as normas performativas tradicionais. As 88 teclas do piano podem ser tocadas da maneira convencional que todos os pianistas são ensinados, mas procurar maneiras incomuns de abordar o instrumento pode ser profundamente recompensador.

Com Permutations , Goldberg-Baldwin continua a procurar artistas vivos para destacar e celebrar, mas também prova ser uma musicista e compositora surpreendentemente talentosa por mérito próprio.


WIG WAM - OUT OF THE DARK (2023)

 

Estes quatro músicos selvagens e loucos, vestidos como um cruzamento entre New York Dolls e Village People, estavam entregando o melódico glam hard rock clássico mais fundamental e cativante. Com o Wig Wamania de 2006 e o álbum ao vivo japonês Live In Tokyo que se seguiu, fiquei viciado. Estes foram álbuns de primeira linha; o que se seguiu com os próximos dois álbuns, nem tanto. Mas continuei fã mesmo quando eles fizeram um hiato após a Wall Street de 2012 . O quarteto fez sua ressurreição com Never Say Die de 2021 , um álbum com um som um pouco diferente (mais sobre isso no próximo parágrafo) que nem chegou às paradas em seu país natal.
Agora, o poderoso Wig Wam regressa com o seu último e sétimo álbum de estúdio. Como sugerido acima, com Never Say Die , Wig Wam fez uma reviravolta forte e pesada no seu estilo musical. Foi-se o estilo glam rock, colorido e de duplo sentido. Claro, Wig Wam permanece caracteristicamente vestido de forma teatral, mas seu estilo musical se volta mais para o rock melódico. É pesado, mais forte, mas ainda cheio de melodia musical e groove rock. Acho que essa volta começou com Wall Street , mas isso sou eu que estou especulando.
Esse heavy metal rock é evidente em muitas canções, como Forevermore, Uppercut Shazam, a constante High N Dry, God By Your Side e talvez a robusta The American Dream. Ghosting You se volta mais para o rock pesado direto com os dois riffs. Para esses ouvidos, a guitarra instrumental 79 gira em torno de um groove blues. A música definitivamente mostra alguns dos melhores trabalhos de guitarra de Teeny (Trond Holter) até hoje. Para uma balada hino, Wig Wam fornece The Purpose, tem partes pesadas, tem outras voltadas para a harmonia vocal. Talvez a música mais diversa aqui seja Sailor And The Desert Sun. Não para chamá-lo de prog, mas adiciona algumas reviravoltas e o trabalho de guitarra de Holter brilha novamente.
Considerando tudo, com Out Of The Dark Wig Wam faz a viragem completa do antigo glam rock chamativo para o melódico rock metal mais pesado. No entanto, eles fazem isso sem descartar seu talento para a melodia e harmonia musical, refrões cativantes e groove.

01. Out Of The Dark
02. High And Dry
03. Forevermore
04. Bad Luck Chuck
05. Uppercut Shazam
06. Ghosting You
07. The Purpose
08. The American Dream
09. 79
10. God By Your Side
11. Sailor And The Desert Sun

Age Sten Nilsen - Vocals
Trond Holter - Guitars
Bernt Jansen - Bass
Oystein Andersen - Drums
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KHYMERA - HOLD YOUR GROUND (2023)


Agora firmemente no comando, o multi-instrumentista, compositor e produtor Dennis Ward (Unisonic, Pink Cream 69, etc.) regressa com o sexto álbum dos Khymera, Hold Your Ground . Ao longo dos últimos álbuns, Khymera tornou-se mais do que um projeto, talvez uma banda com músicos consistentes. Hold Your Ground mais uma vez apresenta o guitarrista Michael Klein, o teclista Eric Ragno e Pete Newdeck contribuindo com backing vocals. A posição do convidado sempre foi o baterista com Michael Kolar (Horseman, Thomsen, et al) ocupando o lugar.
Como o bem conhecido, Dennis Ward é um mestre artesão quando se trata de melódico hard rock AOR. Suas contribuições para muitas bandas e os elogios que acompanham seu trabalho são volumosos. Para Khymera, ele é o principal compositor, baixista e vocalista principal. O último ponto não tem sido seu backing vocal habitual, mas com mais frequência.
Honestamente, sempre que vejo uma foto de Ward, não vejo um vocalista principal. Talvez um baterista ou baixista de uma banda de heavy metal. (Ele pode rir disso.) Mas ele é um ótimo vocalista melódico que executa com melodia e paixão.
Simplesmente, via Khymera, Ward oferece músicas bastante cativantes cheias de guitarra e harmonia vocal, solos emocionantes, uma pitada de sintetizadores e refrões cativantes, tudo vestido com melodia, harmonia e groove rock com acessibilidade AOR. Simplesmente, e talvez cliché, Hold Your Ground é matador sem preenchimento. Para melódico hard rock clássico direto, posso apontar para Hear What I'm Saying, riff rock Runaway, Hear Me Calling ou Don't Wait For Love. Talvez um pouco moderado, há Believe I What You Want e especialmente Our Love Is Killing Me. Then Could Have Been Us é uma mistura fina de todas as coisas: suave para começar, apenas para subir ao rock à medida que avança.
Tudo dito, Hold Your Ground dos Khymera é outro bom álbum de melódico hard rock AOR de Dennis Ward, um mestre veterano e versátil do género. Como os álbuns anteriores, se tu és fã da banda e do género, este álbum é imperdível.

01. Don't Wait For Love
02. Firestarter
03. Hear Me Calling
04. Sail On Forever
05. Our Love Is Killing Me
06. Hear What I'm Saying
07. Believe In What You Want
08. On The Edge
09. Could Have Been Us
10. Runaway
11. Am I Dreaming

Dennis Ward - bass guitar and lead vocals (Pink Cream 69, Unisonic,Place Vendome, Sunstorm,Khymera, D.C. Cooper, Bassinvaders, Missa Mercuria, Angra, Adagio)
Michael Klein - guitars
Eric Ragno - keyboards
Michael Kolar - drums

Pete Newdeck - back vocals
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https://www.upload-4ever.com/5h2pj3hctb1t

TREM DE MINAS (Nilson Almeida - Compacto Duplo)

 

Nilson Almeida - Compacto Duplo



"Nilson Almeida é um músico residente em Alegre - ES, que trabalha com música desde os 11 anos de idade e já fez apresentações em barzinhos e clubes. . Participa também do "Projeto Alegre na Esperança", um grupo musical da Igreja Católica Nossa Senhora da Penha, na sua cidade. Compôs as músicas do seu compacto duplo no início da sua vida adulta, por volta de 1996, a partir de notícias populares que circulavam na época, principalmente em jornais escritos, quando morava em Juiz de Fora - MG. A música “Musicídio Funk” foi feita ao estilo dos Mamonas Assassinas, para satirizar a violência que acontecia nos bailes funks daquele período, algo que era notório na região onde o músico morava. A canção “Rumo Ao Horizonte” também foi baseada em noticiários da mídia, que falavam muito sobre a dependência química dos jovens e até de casos de overdose, conforme é referido na letra. Segundo o autor, esse som foi feito em referência ao legado pessoal e profissional de Cazuza. No segundo semestre deste ano, Nilson resolveu gravar estas músicas e lançar o compacto duplo para concretizar um antigo sonho de ver o grande público conhecer o seu trabalho, a partir das plataformas digitais e sites que são característicos da nossa época."

01 - Rumo ao Horizonte
02 - Musicidio Funk
03 - Rumo ao Horizonte 
04 - Musicidio Funk

Resenha Renaissance Álbum de Renaissance 1969

 

Resenha

Renaissance

Álbum de Renaissance

1969

CD/LP

Então vamos para onde tudo começou. Após a separação do The Yardbirds no início de 1968, o baterista Jim McCarty e o guitarrista/vocalista Keith Relf formaram o Togheter, porém, a banda não durou muito e logo em seguida eles formaram o Renaissance no início de 1969 com a adição de John Hawken (teclado), Louis Cennamo (baixo) e Jane Relf (vocal). Portanto, aqueles que estão familiarizados com a dupla Annie Haslam e Michael Dunford, ela só acontece de maneira plena em Ashes Are Burning, pois apesar de Michael trabalhar com a banda desde Illusion, só foi efetivado como integrante em 1973, enquanto que Annie estreou em Prologue.  

Este período pré Annie, musicalmente tem uma contribuição significativa para estabelecer uma base sólida do rock progressivo junto de qualquer um dos medalhões surgidos no final da década de 60, sendo inclusive, a banda com a maior identidade própria entre todas do período e essa estreia um marco importantíssimo para o direcionamento musical do grupo para o futuro. Podemos dizer, que uma semente foi plantada aqui, como um ponto de partida para entender aquela que é sem dúvida uma das bandas progressivas mais intrigantes da década de 1970. 

“Kings and Queens” possui uma abertura que traz um traço clássico que a banda usaria em discos futuros. Extremamente influenciada pela música clássica, principalmente por meio de um piano maravilhoso e dinâmico. Bateria e violão entram muito bem em conjunto na peça. Então que a bateria entra em uma linha mais jazzística e nesse momento me vem em mente o disco Sarabande do Jon Lord – inclusive, tem resenha dele aqui no site. Há um interlúdio, onde o ritmo muda para uma espécie de valsa e depois para uma passagem bastante dramática com trechos de Bach e Rachmaninoff antes de regressar para a estrutura tradicional do verso.  

“Inoccence” é uma composição mais simples do que a faixa anterior, mas também é dominada por piano. Possui algumas guitarras muito boas, além de componentes de jazz e blues. O solo de piano no meio também merece ser mencionado. No geral, uma música que é simples, muito bem desenvolvida e interessante. “Island” é outra bela faixa, mais uma vez baseada principalmente em violão e piano. O trabalho de baixo, aqui é o mais dinâmico em todo o disco. Mas o piano no estilo clássico é o que torna de fato essa peça muito atraente, além, claro, dos vocais de Jane, ora sozinho e ora apoiado pela voz masculina de Keith.  

“Wanderer”, com 4 minutos é a faixa mais curta do álbum, mas também a mais edificante de todas – que fique claro que isso não faz dela a melhor. Possui lindos sons de piano e cravo. A melodia de cravo antes e durante os vocais de Jane é linda. “Bullet” é a faixa que encerra o álbum. A banda já começa surpreendendo, pois os 5 primeiros minutos de música é entregue uma espécie de blues rock sem qualquer traço de música clássica, até que a peça silencia e um solo de baixo é o que mantem a chama da faixa acesa. O que era quase um blues rock clássico, passa a ser um modelo de música de vanguarda em uma exploração musical que em 1969 deve ter funcionado muito bem, mas hoje, faz com que ouvintes menos acostumados cocem a cabeça sem entender muito bem o que está acontecendo.  

Apesar de não o considerar da mesma casta de álbuns que a banda gravaria futuramente com a sua formação mais aclamada, considero essa estreia bastante subestimada, até mesmo por conta do tanto que é historicamente importante por ser um dos discos de rock progressivo mais antigos que existe.  Possui uma música muito variada que vai desde inspirações na música clássica ao rock progressivo, passando até mesmo pelo blues rock. Um disco que é historicamente muito relevante e musicalmente bastante divertido.  

Resenha The Baker Gurvitz Army Álbum de Baker Gurvitz Army 1975

 

Resenha

The Baker Gurvitz Army

Álbum de Baker Gurvitz Army

1975

CD/LP

Como o nome sugere, a banda é formada pelo lendário ex-baterista do Cream, Ginger Baker, ao lado dos irmãos Paul e Adrian Gurvitz (Three Man Army e The Gun). Porém, o som que o trio entregou, não foi exatamente aquilo que se esperava de três músicos com uma herança musical tão rica. Suas músicas possuem um clima otimista de forte influência pop que pode não cativar muito aquele ouvinte mais exigente e que estiver esperando algo a nível dos músicos envolvidos, porém, não deixa de continuar sendo um disco de resultado bastante satisfatório. 

“Help me” possui um arranjo inicial belíssimo antes de se desenvolver em uma linha instrumental bastante otimista e até surpreendente. Durante os refrãos a faixa muda para uma harmonia mais triste. Considero um começo de disco bem divertido. “Love Is” é uma peça com quase 3 minutos e totalmente instrumental. Um hard rock cheio de mudanças que mostra um pouco de influência na música progressiva. “Memory Lane”, mais uma vez é possível perceber algumas incursões da música progressivas, mas agora em uma peça com influências psicodélicas, porém, sem deixar o hard rock de lado. No meio da música ainda tem um solo de bateria de Baker. 

“Inside Of Me”, não é preciso de muito tempo para percebemos que temos muito de Cream aqui. Possui uma excelente mistura de jazz e psicodelia que se desenrola de uma maneira bem elegante. Ótimas texturas e mudanças, sem dúvida um dos destaques do disco. “I Wanna Live Again” é uma peça bastante serena, possui um fundo sinfônico e o acréscimo de backging vocals femininos. Confesso que é uma música que nunca me pegou.  

“Mad Jack”, senão de forma genuína, pode ser considerada uma música progressiva em potencial. Possui a vibe blues rock clássica e novamente alguns acenos claros para o Cream. Cheia de groove e energia, em seu núcleo possui alguns vocais falados por Baker, sendo que é nesse ponto onde há uma entrega de um som progressivo e psicodélico. “4 Phil” é uma outra música completamente instrumental. Um blues rock simples e bastante agradável de ouvir. “Since Beginning”, sem dúvida o destaque do disco. Bateria aparecendo isoladamente aos poucos até que o restante da banda se junta a ela e a música segue com uma pegada entre o psicodélico, folk rock e pitadas bem leves de progressivo. Possui uma pausa instrumental excelente e uma interação instrumental muito boa como um todo, com destaque para a guitarra que é matadora. O toque final da peça encerra o disco de uma forma bem psicodélica.  

No geral, podemos considerar este um disco que promete mais do que o que realmente entrega? Sem dúvida, mas mesmo assim, o saldo continua positivo. Há bons momentos de interação instrumental, até porque falamos de três músicos formidáveis. E mesmo que nem tudo no disco soe emocionante e vibrante, ele ainda vale a pena.  

Scorpions e suas polêmicas capas de discos

 

As capas de discos e o trabalho gráfico são frequentemente citadas por colecionadores como um grande foco de interesse além da música contida nos álbuns. Aquela história de que não podemos julgar um livro pela capa não se aplica muito aos discos, já que muitas vezes os artistas conseguem passar a partir de uma imagem o que está contido nos sulcos dos velhos vinis ou gravado nas mídias dos CDs. Diversas capas de discos se tornariam ícones do rock como Dark Side of The Moon (Pink Floyd), Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (The Beatles) e muitos outros.

Esse trabalho gráfico também pode gerar muita polêmica. Quem não se lembra da capa de Yesterday and Today, dos Beatles, na qual os integrantes estão vestidos como açougueiros, com diversos pedaços de carne e bonecos mutilados sobre seus aventais? A capa foi uma resposta dos britânicos ao costume das gravadoras norte-americanas de cortar músicas, trocar faixas, mudar a sequência e várias outras coisas sem que os artistas fossem consultados. Segundo Lennon, as gravadoras norte-americanas mutilavam os discos e isso gerou a ideia da arte. Mas no fim das contas essa capa foi proibida e, hoje em dia, tornou-se uma raridade. Outro grupo que gerou contovérsia foi o Blind Faith de Eric Clapton, Steve Winwood, Ginger Baker e Rik Grech, com a capa de seu disco de estréia (e único) com a garota pelada brincando com um avião de metal.

Contudo, a banda que mais causou polêmica por causa de suas capas provavelmente foi o Scorpions. Principalmente nos anos 70, suas capas foram proibidas em diversos países por motivos diversos, mas principalmente por causa do frequente apelo sexual que muitas tinham. Essa proibição fez com que seus discos fossem vendidos em diversos países com capas diferentes entre si, o que causa muita confusão naquele fã que está se iniciando na carreira da banda.

As duas capas para Lonesome Crow e a horrível de Fly to the Rainbow.

O primeiro álbum do Scorpions, Lonesome Crow (1972), já teve capas diferentes sendo lançadas no mundo. Mas, nesse caso, a questão não foi por uma possível polêmica causada e sim por questões estéticas mesmo. Essas capas diferentes estão presentes principalmente em seus relançamentos. Já o segundo, Fly to the Rainbow (1974), merecia sim uma capa melhor, porém nunca teve esse privilégio.


In Trance.

Foi no disco seguinte que as polêmicas começaram. In Trance (1975) continha uma linda mulher manuseando uma guitarra. A primeira polêmica ocorreu devido ao fato de um dos seios da moça estar parcialmente à mostra, questão que foi resolvida fazendo com que as sombras da fotografia fossem aumentadas deixando a imagem mais escura. O problema que perdurou foi a percepção de algumas pessoas em achar que a mulher estaria se masturbando com a guitarra. Mas isso não foi argumento suficiente para fazer com que a capa fosse mudada completamente.


As diversas capas para o polêmico disco Virgin Killer.

Para o disco seguinte o Scorpions resolver meter o pé na porta. Vocês querem polêmica? Aqui está! Virgin Killer (1976), causa problemas até hoje. Recentemente, alguns dos maiores provedores de acesso à internet bloquearam o acesso à pagina do disco na Wikipédia por esta apresentar a capa original. Como vocês podem observar, a capa vale toda a polêmica. Trata-se da fotografia de uma pré-adolescente nua sob uma lâmina de vidro que contém uma rachadura estrategicamente posicionada. O nome do álbum, somado ao conteúdo da arte, não poderia acabar em outra coisa mesmo. Fico imaginando hoje em dia, com essa onda politicamente correta, o que essa capa, que inclusive pode sugerir pedofilia, causaria. Muitas foram as explicações e argumentos para que todos aceitassem a arte. Os membros da banda sugeriram que a ideia que queria passar era a de perda da inocência que os jovens estavam passando na época, mas não teve jeito. A primeira solução foi colocar faixas pretas escondendo as “vergonhas” da garota, mas algumas outras edições diferentes foram lançadas. A do escorpião subindo pelas pernas da mulher, que inclusive foi a versão brasileira, é bem legal, mas a que retrata a banda é fraquinha.


Taken By Force com sua pavorosa capa alternativa.

Um pouco cansado das polêmicas sexuais, o Scorpions resolveu adentrar em questões religiosas. Muitos grupos já usaram imagens de cemitérios em suas capas, mas na época isso não era muito comum. A de Taken By Force (1977), com a imagem de um duelo no meio do cemitério católico não foi muito bem assimilada pela população conservadora norte-americana. Muitos dizem que a imagem sugeria a profanação de um local sagrado. Outros se sentiram mal pelo fato de que a Guerra do Vietnã, que havia acabado dois anos antes, poderia estar sendo representada pelas duas crianças atirando uma na outra, e o cemitério representaria a morte, fatalidade que acometeu muitos norte-americanos no país asiático. A capa alternativa de Taken By Force é algo pavoroso. Simplesmente utilizaram a contracapa e trocaram o título das faixas pelo nome da banda e do álbum. Horrível!!! Demorei muito tempo para comprar esse disco até perceber que não conseguiria a capa original.


Lovedrive e o chiclete.

Um seio se transformando em chiclete foi a causa da nova polêmica em Lovedrive (1979). Um casal no banco traseiro de um carro já traz conotações sexuais. O fato do chiclete estar sendo esticado do seio para a mão do rapaz significa que ele estava com a mão no seio da mulher e, o mais óbvio, é o fato de que o local normal de um chiclete mascado seja a boca de alguém. Pronto, está aí a conotação sexual que causou a troca da capa desse disco em alguns países. A expressão do casal é um pouco séria demais, mas se você abrir o encarte vai encontrar a garota com os seios de fora e o rapaz com um belo sorriso no rosto. Uma capa simples, apenas com um escorpião, foi lançada no lugar.


O que o cachorro está olhando?

O disco seguinte, Animal Magnetism (1980), possui uma imagem que, a exemplo do álbum anterior, sugeria sexo (sempre ele!). Porém, dessa vez de forma mais sutil. Um homem tomando cerveja, possivelmente esperando alguma coisa, uma mulher de joelhos a seus pés e um olhar insinuante. Só faltou explicar a função do cachorro. Mesmo com essa insinuação a capa foi mantida. E só a título de curiosidade, o artista que a fez trabalhava havia anos para o Pink Floyd.


Love at Fist Sting.

Após Animal Magnetism veio Blackout (1982). Mas uma cena que poderia ser de tortura não criou problema alguma. Afinal, violência e tortura pode, sexo não. Entretanto, logo no álbum seguinte, Love at First Sting (1984), novamente um casal dando uns amassos e um pedacinho de um seio visto de perfil foram desculpas suficientes para que uma nova capa fosse encomendada. Novamente com uma foto da banda e novamente ridícula.


A duvidosa capa de Savage Amusement e as “sem-sal” Crazy World e Face the Heat.

O Scorpions não precisou mudar a arte de sua capa em Savage Amusement (1988), porém, vamos combinar que essa capa é de gosto bem duvidoso. O mesmo acontece com as insossas artes feitas para Crazy World (1990) e Face the Heat (1993). Contudo, em Pure Instinct (1996), a imagem de uma família sem roupas, presa dentro de uma jaula e com diversos animais os olhando como se estivessem prontos para fazer uma lanchinho, acabou gerando uma nova capa com a banda, dessa vez não tão ruim assim. Na verdade a intenção da banda era mostrar uma inversão de papéis, onde os humanos estariam sendo observados pelos bichos como se os exóticos fossem eles.


Pure Instint.

Após Pure Instinct, as capas do Scorpions não tiveram mais nenhum elemento que pudesse gerar polêmicas. Eye II Eye (1999), Unbreakable (2004), Humanity – Hour I (2007) e o mais recente, Sting in the Tail (2010), são capas “padrão”.


As mais recentes e já sem polêmica alguma.

Para não acabar dessa forma, comentarei sobre a arte elaborada para a coletânea Deadly Sting: The Mercury Years, de 1995, que exibe uma mulher nua no topo de uma colina rodeada por inúmeros escorpiões. Essa fotografia foi feita com uma mulher e dezenas de escorpiões reais; os outros foram acrescentados graficamente. A modelo disse que ficou aterrorizada com os escorpiões vivos que vinham em sua direção. Os animais que aparecem sobre suas pernas estavam mortos. Essa coletânea acabou sendo lançada com a mesma imagem, porém, apenas com os escorpiões, sem a modelo.

 Eles poderiam ter tirado só os escorpiões para a capa alternativa dessa coletânea.

Existem diversas outras capas polêmicas na história do rock e da música como um todo. Conhece alguma capa ou história parecida com a dessas apresentadas nesse texto? 

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