quinta-feira, 18 de julho de 2024

Delivery "Fools Meeting" (1970)

 


A entrega é um tipo especial de tijolo na fundação da rocha de Canterbury. O precursor do maravilhoso quinteto foi a formação da Brunos Blues Band (ano de criação - 1966), onde atuaram pessoas de autoridade no futuro - Phil Miller (guitarra), Pip Pyle (bateria), Steve Miller (teclados, vocais), Locks Coxhill (saxofone), Jack Monk (baixo). Por enquanto, a equipe dominou os espaços dos botecos da capital, tentando acompanhar o fluxo da música atual. Em 1969, os rapazes firmaram uma aliança criativa com a cantora Carol Grimes , e esse momento se tornou o ponto de partida para as atividades do conjunto Delivery . Ao longo do caminho, substituindo o baixista Monk pelo experiente músico Roy Bebbington , os amigos começaram a procurar uma gravadora. Eles tiveram sorte aqui. O recém-formado selo progressivo B&C Records incluiu jovens promissores entre seus clientes e forneceu o estúdio London Morgan para gravação. A intenção inicial de tocar o material “ao vivo” com o mínimo de overdubs encontrou uma série de obstáculos, principalmente devido à imperfeição do equipamento. O líder da banda, Phil Miller, deve estar muito nervoso durante o processo. No entanto, as sessões foram corajosamente levadas à sua conclusão lógica. O que, no entanto, não salvou o projeto do colapso iminente.
A originalidade do pensamento composicional do guitarrista Miller já fica evidente na primeira faixa - “Blind to Your Light”. A pressão rítmica básica alterna entre episódios líricos reflexivos e jazz psicodélico desenfreado. Em ambos os casos, o papel fundamental pertence ao vocalista Grimes, cujo timbre “pontuado” se integra artisticamente em qualquer uma das situações propostas. O "Miserable Man" de 8 minutos é uma fusão dramática, na qual há um passo de um réquiem bem apresentado com o violino imperceptível de Roddy Skeaping para o blues histérico. O talento da vocalista é melhor revelado em afrescos carregados de emoção como "Home Made Ruin", que exigem tanto revelações sensuais quanto um acompanhamento habilidoso das explosões de poder do piano do maestro Steve. Peça instrumental "É realmente o mesmo?" de Keith Jarrett é incorporado no molho de uma ação desesperada de metais, salpicada com ataques de saxofone de Coxhill e solos afiados e “desleixados” do mentor. “We Were Satisfied” é uma peça muito boa: uma introdução folk semi-acústica e, em seguida, uma poderosa adrenalina proto-prog. A ampla peça “The Wrong Time” força nossos figurões a se transformarem em jazzistas inveterados, e até mesmo a Sra. Grimes consegue encontrar técnicas absolutamente novas em sua própria reserva tonal. "Fighting It Out" é uma demonstração dos músculos intelectuais do trabalhador Phil; um excelente número complexo, resolvido em alguns lugares de maneira direta, em outros - floridamente, mas sem falso pathos. A obra-título corresponde totalmente aos antigos padrões do blues; Se o esquema do modelo chama a atenção é pelas graças inesperadas de Carol. Pois bem, como saudável elemento irônico há o single "Harry Lucky" com letra de Alfreda Benge e Pip Pyle . Quanto aos bônus declarados, destaca-se aqui a composição final de Miller, "One for You", marcada por passagens virtuosas de phono do irmão Steve e linhas de baixo empoladas do nobre "dono da caravana" Richard Sinclair .
Resumindo: um excelente ato de Canterbury, ocupando firmemente um nicho separado na história do gênero. Eu aconselho você a participar. 




Claude Bolling & Alexandre Lagoya "Concerto for Classic Guitar & Jazz Piano Trio" (1975)

 


Meados da década de 1970 são uma época de ouro para Claude Bollin . Sua “Suite for Flute and Jazz Piano” alcançou o topo das paradas americanas, onde permaneceu (sem brincadeira!) pelas 530 semanas seguintes. Com o tempo, a gravação alcançou o status de platina e gerou muitas sequências. O astuto francês entendeu: o método que inventou durou pouco. Mas a fórmula encontrada parecia muito tentadora. E o ouvinte gostou da ideia da colaboração cruzada. O que restou para o prolífico compositor? Ouça a voz do público e comece a procurar candidatos para novas experiências em série. No entanto, não precisei procurar muito. O amigo de Bollin, o famoso violonista clássico Alexandre Lagoya (1929-1999), ficou encantado com o álbum "Suite for Flute and Jazz Piano Trio". E na primeira oportunidade começou a atacar o maestro com pedidos para compor a mesma obra para seu instrumento nativo de 6 cordas. O assunto estava repleto de muitas dificuldades (Claude, como ele próprio admitiu, tinha pouca compreensão da relação entre o piano e o violão). No entanto, ele aceitou o desafio. No processo conseguimos descobrir muitos pontos de contato tonal. O próprio Bollin ficou surpreso com a facilidade com que trabalhou no material. Aparentemente, a musa favoreceu o artista. E ele aproveitou ativamente o favor da Fortune...
O programa abre com “Dança Hispânica (com toque azul)” – uma espécie de rondó enraizado no folclore latino-americano. O impulso vigoroso, empreendido pelos companheiros com a participação de uma secção rítmica de swing, desvia-se subitamente da linha geral para as dimensões tradicionais do blues. O virtuosismo e o senso de tato de Bollin, aliados à habilidade sofisticada de Lagoya, resultam em um número impressionante. Claro, não sem brio (embora aqui seja absolutamente justificado). Inspirado nas melodias dos conjuntos de mariachis de rua, o tema "Mexicaine" transcreve habilmente o sabor exótico para o reino familiar do jazz de Bollin: o drama lírico e o rigor académico complementam-se de uma forma natural. Baseada nos motivos de Bill Smith , a elegante vinheta “Invenção” evoca inicialmente associações com as histórias imperecíveis de J.S. Bach . E apenas os ostinatos profundos de contrabaixo de Michel Goudry , ornamentados pela técnica livre do líder, não permitem que o esboço barroco tome completamente um trampolim, deslocando as setas condicionais para a área do pós-bop orientado para o mainstream. Tons de guitarra de estilo espanhol formam o caráter da peça com o título autoexplicativo "Sérénade". As passagens alegres de Claude são acompanhadas por episódios solo pensativos de Alexandre. O esquema aparentemente paradoxal revela-se extremamente eficaz (outra vantagem para o artista Bollin). O segmento “Rapsódico” apela ao psicologismo. O minimalismo das cordas menores é saturado de baixo, cresce com os tons das baladas e, por fim, acelera para um palco que é intrigante com reviravoltas incomuns da história com um toque de jazz decente. O complexo afresco "Africaine" mostra um flerte com os melos das planícies arenosas da Argélia e da Mauritânia; convincente, interessante e ousado. Citações familiares de "Hispanic Dance" e "Mexicaine" são amarradas na moldura fina do epílogo de "Finale", transformando a colagem expressiva em um trabalho independente e vibrante.
Resumindo: em comparação com a obra-prima colaboração Claude Bollin / Jean-Pierre Rampal , o compasso do “concerto” é percebido um pouco mais baixo. No entanto, a tarefa foi executada de forma soberba pelos artistas. Uma união criativa extremamente interessante e digna da atenção de todos. Eu recomendo.  





Timothy Leary & Ash Ra Tempel - Seven Up (German Progressive Rock 1972)

 



Seven Up, o terceiro álbum do Ash Ra Tempel é frequentemente muito mal compreendido pelos fãs de sua música. É realmente estranho, para dizer o mínimo, e se você conhece álbuns como a estreia de 1971, Join Inn (1973), ou Inventions For Electric Guitar (1975, na verdade um álbum solo de Manuel Göttsching), este é realmente um choque. A essa altura, tentar descobrir quem estava no grupo se tornou inútil. O guitarrista Manuel Göttsching e o baixista Hartmut Enke ainda estão aqui, com toneladas de vocalistas diferentes e o ex-organista do Tangerine Dream Steve Schroyder (ele tocou no Alpha Centauri e foi convidado no Zeit). 



O álbum começa com "Space". É uma suíte dividida em quatro movimentos. Começa com "Downtown", que não parece muito encorajadora. Parece um blues genérico cantado por uma vocalista feminina, mas nunca se deixe enganar. Você rapidamente enfrenta alguns efeitos eletrônicos espaciais verdadeiramente alucinantes e ruídos que nunca param! É praticamente o mesmo do começo ao fim, embora mais três músicas de blues se sigam, mas como sempre, as músicas de blues nunca duram porque parece que a banda estava tão chapada na época que eles preferiam explodir a mente das pessoas. Posso sentir um pouco de ironia na maneira como a banda tocou aqueles números de blues.  Graças à presença de Timothy Leary (que estava exilado na vizinha Suíça), não é surpresa que essa música seja o efeito de uma viagem de LSD. A segunda metade do álbum é ocupada por uma suíte de três movimentos chamada "Time". É aqui que os detratores do álbum encontram suas qualidades redentoras, pois isso é muito parecido com o Tangerine Dream da era Alpha Centauri. O último movimento de "Time" é "She", que é basicamente uma regravação de "Suche & Liebe" do álbum Schwingungen de 1972 do Ash Ra Tempel. Este é um álbum maravilhoso e subestimado, que se você abordar com a mente aberta, provavelmente gostará. Ash Ra Tempel é um grupo alemão de krautrock dos anos 1970 e é um exemplo de rock cósmico ou espacial. O grupo foi originalmente fundado pelo guitarrista Manuel Göttsching, o tecladista/baterista Klaus Schulze e o baixista Hartmut Enke em 1971. Todos os três membros fundadores já haviam tocado juntos como parte do grupo de curta duração Eruption fundado por Conrad Schnitzler. Antes disso, Schnitzler e Schulze trabalharam juntos no Tangerine Dream. Um projeto de curta duração que Manuel Göttsching teve em 1970 foi a Steeple Chase Blues Band, que também incluía Hartmut Enke, Wolfgang Müller e Volker Zibell.



Ash Ra Tempel lançou seu álbum de estreia autointitulado em junho de 1971. Este lançamento é considerado pelos críticos como um clássico do gênero; Schulze partiu temporariamente para uma carreira solo logo após seu lançamento. Schwingungen (1972), Seven Up (com Timothy Leary) (1972) e Join Inn (1973) são todos considerados obras-chave da banda. O álbum de 1973, de orientação pop, Starring Rosi, foi assim nomeado porque apresentava os vocais principais de Rosi Mueller. Sua música é amplamente caracterizada como cósmica e atmosférica. Os primeiros álbuns eram mais psicodélicos e todos tinham uma longa faixa por lado: uma mais poderosa e dramática, a outra de natureza mais atmosférica. Em vez de escrever letras em inglês, já que a língua alemã não era popular no rock na época, Ash Ra Tempel mais ou menos decidiu não ter letras em suas músicas. A última apresentação do Ash Ra Tempel aconteceu em Colônia em fevereiro de 1973. Mais tarde, após gravar a trilha sonora Le Berceau de Cristal (1975; não lançada até 1993), o Ash Ra Tempel encurtou seu nome para Ashra, fazendo uma música mais melódica, baseada em sintetizadores. Em 2000, a banda se reuniu na formação de Manuel Gottsching e Klaus Schulze. A dupla já havia trabalhado junto no álbum de Schulze In Blue 

01.a  Downtown   16:00
01.b  Power Drive    
01.c  Right Hand Lover    
01.d  Velvet Genes    
02.a  Timeship   21:36 
02.b  Neuron    
02.c  She  





Extradition - Hush (Australian Acid Folkrock 1971)

 



Hush, o álbum de vinil original gravado pelo grupo Extradition de Sydney, continua sendo um dos álbuns mais raros lançados por um artista australiano. Os preços há alguns anos estavam acima de US$ 100, mas, ao contrário de muitos outros álbuns do início dos anos setenta, este álbum não é voltado para o rock nem para o blues. Em vez disso, ele mistura folk, folk tradicional com ideias de vanguarda, mas continua muito audível, até hoje. 



Tendo ido a vários festivais folk nos últimos meses, posso atestar que várias de suas músicas refletem a influência do folk inglês, particularmente quando a vocalista Shayna Karlin assume os vocais principais: ela tem um som vocal clássico e claro que lembra Sandy Denny do Fairport Convention, embora outros escribas sugiram que Pentangle e Incredible String Band também podem ser outros pontos de referência de comparação.  Também ouço nuances de Steeleye Span. No entanto, é a contribuição criativa de Colin Campbell e Colin Dryden que empurra os limites normais do folk para caminhos menos percorridos. Em faixas como Original Whim, o baterista Robert Lloyd usa instrumentos de percussão e ritmos incomuns, sem perder o interesse do ouvinte. Lloyd mais tarde se interessou mais pela World music, que ele explorou na época em 1971, antes que a World music se tornasse um gênero reconhecido. A banda também usou instrumentos incomuns, como um harmônio (no clássico instrumental Minuet) ou a vina com som de cítara em A Woman Song. Outros instrumentos incluem flauta de bambu, sinos de vidro, cravo e gongos. Esta reedição do álbum original inclui 6 faixas bônus, todas de uma gravação ao vivo da banda em concerto. Para mim, duas delas constituem as melhores faixas do álbum. Honeychild e In the Evening são uma canção folk tradicional e a última é um cover, no idioma folk do blues. 



Ballad of Reading Gaol é um poema de Oscar Wilde musicado, e eles fazem uma versão muito credível de Hold On to Me Babe, de Tom Paxton. Dear One é uma homenagem ao líder espiritual da banda, Meher Baba. A melodia é muito forte e se você puder ignorar a letra - ou seja, se você não for um convertido, este é um passeio muito agradável. Gostei do uso do coro masculino como base de A Moonsong. O livreto de 16 páginas que acompanha o conjunto está entre as melhores notas de encarte de qualquer álbum de relançamento no país, envergonhando todas as grandes gravadoras mais uma vez.  Ian McFarlane fez um ótimo trabalho pesquisando o lançamento, rastreando a maioria dos membros originais e incluindo comentários e trechos de suas entrevistas. Apesar da natureza obscura do lançamento original, este álbum merece ser ouvido por um público muito maior. No entanto, não espere ouvir uma banda de rock progressivo; este é um folk lento, suave e com ondas de som. Ainda assim, esta reedição em CD deve ser do interesse de qualquer colecionador de música dos anos setenta. 

01. A Water Song 
02. A Love Song
03. Original Whim
04. Minuet
05. A Moon Song
06. Dear One
07. A Woman Song
08. I Feel The Sun
09. Ice
10. Song For Sunrise





Jeff Beck Group LIVE BBC June 29 1972



LIVE  
BBC
1972 06  29


 Jeff Beck aqui com a segunda versão do seu grupo!

Jeff Beck Group #2

Bob Tench (vo)
Jeff Beck (g)
Max Middleton (p)
Clive Chaman (b)
Cozy Powell (ds) 

Set List
1.Ice Cream Cakes   [7:53]
2.Morning Dew     [6:00]
3.Goin' Down    [4:53]
4.Defiantely Maybe   [7:32]
5.News Ways/Train Train   [9:41]
6.Ain't No Sunshine   [5:05]
7.Got The Feeling   [6:40]
8.Let Me Love You    [6:16]





RARIDADES



don't hang around, enjoy good music!

Kenny Loggins - Solo But Calling On Some Friends


Após seis anos de colaboração bem-sucedida como parte de uma dupla, Kenny Loggins tirou um tempo para recuperar o fôlego e começou a explorar o território que ele havia originalmente se proposto a explorar - antes de ser desviado como metade de Loggins & Messina - o de um artista solo.

Ele ressurgiu em abril de 1977 com seu álbum de estreia, 'Celebrate Me Home' (US#27). O álbum foi um caso mais suave, posicionado bem dentro do espectro do soft rock, que estava começando a dominar as paradas dos EUA na época. O produtor de Billy Joel, Phil Ramone, veio a bordo para coproduzir com Loggins. O único single a entrar nas paradas foi o mais acelerado 'I Believe In Love' (US#66), embora a faixa-título também tenha se destacado, as letras inspiradas, sem surpresa, pelo desejo de Loggins de voltar para casa após as sessões de gravação na cidade de Nova York. Mas, apesar de nenhum single de grande sucesso, 'Celebrate Me Home' alcançou vendas de platina nos Estados Unidos.

Embora seu set de estreia não contivesse nenhum single de sucesso de destaque, o segundo lançamento solo de Loggins em meados de 1978, 'Nightwatch', continha dois, embora apenas um tenha entrado nas paradas com o nome de Kenny Loggins. 'Whenever I Call You “Friend”' foi uma bela e sedutora fatia de soft rock, escrita por Loggins em parceria com Melissa Manchester (veja o post anterior). Em vez de gravá-la como um dueto com Manchester, Loggins chamou outro amigo na forma de Stevie Nicks do Fleetwood Mac - Loggins havia aberto para o Fleetwood Mac no início de sua carreira. Suas vozes se misturaram perfeitamente e a combinação rendeu um hit no top cinco nos EUA (#5/OZ#26). Loggins escreveu apenas uma faixa do álbum sozinho ('Somebody Knows'), optando por colaborar em várias outras. Um desses escritores que escreveu uma música em parceria com Loggins foi Michael McDonald do Doobie Brothers. Juntos, eles escreveram a sublime 'What A Fool Believes', gravada em sua forma original por Loggins, mas no início de 1979 a faixa chegaria ao primeiro lugar nas paradas dos EUA cantada por McDonald para os Doobie Brothers. A versão dos Doobie Brothers de 'What A Fool Believes' também ganhou Grammys de 'Gravação do Ano' e 'Canção do Ano'. O álbum 'Nightwatch' continha algumas faixas completamente aceleradas, como 'Easy Driver' e 'Down 'N Dirty', misturadas com assuntos mais suaves, como a comovente 'Somebody Knows'. No geral, produziu apelo comercial suficiente para vender platina (US#7/OZ#70).

Kenny Loggins recrutou o produtor Tom Dowd para coproduzir seu terceiro álbum solo, 'Keep The Fire', lançado no final de 79. O single principal foi o clássico pop rock 'This Is It', outra colaboração de Kenny Loggins e Michael McDonald, que bateu na porta do top ten dos EUA (#11/OZ#85) no início de 1980 - a letra da música foi inspirada pelo pai de Loggins. A faixa-título do álbum foi lançada como o segundo single, e 'Keep The Fire' recebeu uma recepção calorosa na posição #36 na US Hot 100. O álbum de origem rendeu a Loggins seu terceiro disco de platina consecutivo em vendas nos EUA (#16/OZ#95).

Como Loggins & Messina já haviam feito isso antes, Kenny Loggins optou por um álbum duplo de material ao vivo relativamente cedo em sua gestão como artista solo. 'Alive' (US#11/OZ#72) continha todos os sucessos dos três primeiros álbuns de estúdio, incluindo uma versão ao vivo da música 'I'm Alright'. Loggins havia escrito 'I'm Alright' como sua primeira incursão na composição de trilhas sonoras para filmes. A música divertida acabou sendo a trilha tema da comédia 'Caddyshack'. A versão de estúdio da música alcançou a posição US#7 no final de 1980 (OZ#53) e se tornou sinônimo tanto do filme quanto dos esquilos dançantes.

1982 viu um retorno ao estúdio para Kenny Loggins, desta vez com o coprodutor Bruce Botnick. As sessões resultaram no lançamento em agosto de 82 do álbum 'High Adventure', completo com um Loggins com aparência de bucaneiro na capa. A faixa de abertura do álbum também serviu como single de abertura. 'Don't Fight It' viu Loggins em parceria com o vocalista do Journey, Steve Perry (veja posts anteriores). Nas notas de seu pacote Greatest Hits de 1997, Loggins se refere a 'Don't Fight It' como uma espécie de aquecimento para levar sua música para um território mais direto do rock de arena. A música funciona muito bem nesse nível e foi coescrita por Dean Pitchford, um jogador-chave no sucesso futuro de Loggins como um defensor da música de rock mais pesado. 'Don't Fight It' conseguiu chegar à tela em #17 nas paradas dos EUA no final de 82.

O segundo single, 'Heart To Heart' (US#15), foi escrito por Loggins, Michael McDonald e o prolífico compositor David Foster. Foi um caso mais comovente e suave, com McDonald nos vocais de apoio. Loggins mais tarde se referiria à música como uma "ponte entre ilhas", seja lá o que isso signifique. O ritmo insistente de 'Heartlight', uma música inspirada na escrita de crianças da Heartlight School, subiu nas paradas para US#24 no início de 83. O ímpeto combinado de todos os três singles impulsionou as vendas do álbum 'High Adventure' para o status de ouro (US#13). Mas as maiores aventuras da carreira de gravação de Kenny

Kenny Loggins - Footloose And Fancy Free



Kenny Loggins já havia colaborado com o compositor Dean Pitchford em seu álbum de 1982 'High Adventure' para o rock de arena 'Don't Fight It'. Por dois anos, Pitchford (que ganhou um Oscar em 1980 por coescrever 'Fame') estava trabalhando no roteiro e na música para um musical proposto para um filme. Ele já havia decidido que queria Loggins envolvido no processo de gravação de uma ou mais faixas e, se possível, da faixa-título. Os dois se consultavam regularmente, inclusive entre as datas da turnê de Loggins. Foi em uma dessas datas da turnê que Loggins sofreu um acidente e caiu de um palco em Utah, fraturando várias costelas. Loggins se recuperou o suficiente para continuar a turnê, mas também estava ciente de que havia um prazo se aproximando rapidamente para compor e gravar uma faixa-título para o projeto do filme proposto. Enquanto isso, Pitchford teve uma infecção brônquica séria. E foi assim que ambos os escritores, não com a melhor saúde, colaboraram por um período de quatro dias (entre as datas de shows de Loggins) e escreveram a faixa-título do filme "Footloose". Para testar as águas, por assim dizer, Loggins apresentou a música recém-criada em suas próximas datas, e a música foi muito bem recebida. A dupla sabia que estava em uma vencedora.

O filme 'Footloose' chegou aos cinemas no início de 1984. Foi um dos filmes mais aguardados do ano. A premissa básica do filme era que um jovem Ren McCormack (interpretado por Kevin Bacon) chega a uma pequena cidade com esperanças e sonhos além dos limites do ambiente conservador em que se encontra. Dançar e ouvir rock foram proibidos por uma hierarquia da cidade excessivamente zelosa. Ren se apaixona pela filha do reverendo local, Ariel (interpretada por Lori Singer), e decide desafiar os costumes conservadores da cidade e dançar até que seus pés não dancem mais. Eventualmente, ele prevalece e a dança e o rock vencem. A música tema do filme precisava incorporar a energia rebelde e o espírito do personagem principal. 'Footloose' de Kenny Loggins conseguiu fazer exatamente isso com sua trilha de percussão pulsante, riff de guitarra crescente e vocais inspiradores. 'Footloose' chegou ao Hot 100 dos EUA em meados de fevereiro de 84 e, no final de março, havia disparado para o primeiro lugar, desbancando 'Jump' do Van Halen no processo. Enquanto o filme 'Footloose' estabelecia recordes de bilheteria, o single da faixa-título passou três semanas no topo das paradas dos EUA e, em maio de 84, fez o mesmo nas paradas australianas (Reino Unido nº 6). 'Footloose' se tornou a 27ª música mais vendida de todos os tempos de um filme. Ela acabou sendo substituída em primeiro lugar por 'Against All Odds (Take A Look At Me Now)' de Phil Collins - não seria a última vez que Loggins seria mantido fora da posição de primeiro lugar por uma conexão com o Genesis. Aliás, pela primeira vez durante a era do rock, todas as cinco músicas indicadas ao Oscar de Melhor Canção foram sucessos nº 1 nos EUA - 'Against All Odds' (Phil Collins); 'Purple Rain' (Prince); 'Ghostbusters' (Ray Parker Jr. - veja o post anterior); 'Footloose' (Kenny Loggins); e o eventual vencedor do Oscar 'I Just Called To Say I Love You' (de 'The Woman In Red') de Stevie Wonder. A trilha sonora de 'Footloose' também continha outra faixa de Kenny Loggins, o número de rock edificante 'I'm Free (Heaven Helps The Man)' - na minha humilde opinião, uma faixa melhor que 'Footloose'.

Após o sucesso gigantesco de 'Footloose', Kenny Loggins tirou um tempo para escrever algum material novo para o que seria seu primeiro álbum completo de material novo em quase três anos. O álbum 'Vox Humana' (latim para 'voz humana'), chegou às lojas em abril de 85, junto com o single da faixa-título (US#29) - que tinha mais do que um leve eco de 'Footloose' sobre ele. O segundo single, 'I'll Be There' (US#88), não era nada de especial, embora o riff de guitarra fosse cativante o suficiente. O terceiro single, 'Forever' (US#40/OZ#94), era uma balada terna co-escrita com David Foster - Loggins mais tarde notou que a faixa havia sido traduzida para uma dúzia ou mais idiomas, várias das quais versões ele cantou em turnê. Outros destaques do álbum 'Vox Humana' (US#41) incluíram o número synth-pop 'No Lookin' Back', e o similarmente cheio de synth 'I'm Gonna Do It Right' - todos os outros estavam usando sintetizadores, então por que Kenny deveria ficar de fora?

Com ​​os créditos no banco de temas de filmes acumulados de 'Footloose', Kenny Loggins era um nome requisitado em Hollywood. Os produtores de um novo veículo de ação de Tom Cruise contataram Loggins e perguntaram se ele estaria interessado em emprestar sua voz para um dos singles propostos associados ao filme. Desta vez, Loggins não seria necessário para coescrever a faixa (uma grande mudança para um artista acostumado a escrever seu próprio material), pois esse trabalho já havia sido feito por Giorgio Moroder e Tom Whitlock. Tudo o que era necessário era que ele aparecesse no estúdio e entregasse a mesma performance vocal de rock apaixonada ouvida na trilha sonora de 'Footloose'. Com o produtor Giorgio Moroder supervisionando as coisas, Loggins fez sua parte atrás do microfone, o resultado sendo a supersônica 'Danger Zone' do filme 'Top Gun'. Enquanto a trilha sonora entregou um hit no topo das paradas - a balada emotiva de Berlim 'Take My Breath Away' - 'Danger Zone' de Loggins foi poderosa, poderosamente perto de voar para as mesmas alturas. Em vez disso, foi mantida em #2 (OZ#14/UK#45) por outra conexão Genesis - 'Sledgehammer' de Peter Gabriel e 'Invisible Touch' de Genesis. Independentemente disso, 'Danger Zone' se tornou uma das canções de sucesso mais reconhecidas dos anos 80, aumentando ainda mais a reputação de Kenny Loggins como o cara para trilhas sonoras de filmes.

A mesma combinação de Moroder/Whitlock (compositores), Moroder (produtor) e Loggins (vocalista) uniram forças mais uma vez na trilha sonora do filme de Sylvester Stallone 'Over The Top' em 1987. 'Meet Me Halfway' tinha um ritmo mais lento, um número mais 'balada', e encontrou apelo suficiente entre os espectadores de cinema para atingir o pico de #11 nas paradas dos EUA em meados do ano. A faixa acabou sendo incluída no próximo álbum de material original de Loggins, lançado em meados de 88. O single principal foi mais um caso relacionado ao filme, desta vez como a música tema do filme 'Caddyshack II' - um movimento lógico dado o sucesso de Loggins com o primeiro filme. 'Nobody's Fool' (US#8) era um roqueiro estridente de arena que embalou um soco sonoro desde o início. Lembro-me de comprar o single em vinil 45 e tocá-lo incansavelmente, especialmente apreciando o refrão do meio com harmonias vocais lindamente em camadas. Gostei tanto de tocar "Nobody's Fool" que quase gastei os sulcos do single de vinil. Acabei encontrando uma cópia importada do álbum em CD (isso foi antes dos dias de download - que sim, admito que é mais fácil, rápido e barato), "Back To Avalon" (US#69). O segundo single do álbum foi uma versão curiosa do hit dos anos 60 dos Exciters "Tell Her" (US#76), enquanto o single #3 foi o amplamente esquecível "I'm Gonna Miss You" (US#82) que quase não chegou ao Hot 100. Não é que "Back To Avalon" tenha sido um álbum ruim, mas foi um caso sinuoso que se desviou do coração e da alma do material anterior de Kenny Loggins.

Independentemente disso, no final dos anos 80, Kenny Loggins ganhou uma merecida reputação como o "rei" da trilha sonora de filmes. Apesar do sucesso substancial nas paradas nos EUA e na Austrália, como tantos artistas de AOR, o sucesso significativo na Grã-Bretanha escapou a Loggins. Essa falta de sucesso nas paradas continuaria a ser uma tendência crescente na carreira de Loggins conforme os anos 90 amanheciam.

Um hiato de três anos ocorreu entre o lançamento de 'Back To Avalon' de 1988 e o próximo álbum de Loggins, 'Leap Of Faith' de 1991 (US#71). Parte do motivo para a lacuna pode ser explicada pelo fato de Loggins ter passado por um divórcio nesse ínterim. O álbum revela um Loggins muito mais reflexivo e introspectivo, em termos de letras, e um estilo de música mais suave e acessível. Embora o álbum não tenha rendido nenhum single de sucesso na Hot 100, ele causou impacto nas paradas 'adultas contemporâneas' com três entradas separadas no top dez. O suavemente fluente 'If You Believe' (#9) foi coescrito por Loggins com George Harrison, Steve Wood e Gary Wright. 'The Real Thing' (#5) foi uma colaboração entre Loggins e David Foster, cuja letra foi inspirada pela filha de Loggins. A majestosa 'Conviction Of The Heart' (#9) foi declarada pelo vice-presidente dos EUA, Al Gore, como sendo o 'hino não oficial' do movimento ambientalista. Loggins cantou a música ao vivo no Dia da Terra de 1995, diante de um público estimado de 500.000 pessoas.

1993 e era hora de outro álbum ao vivo, mas dessa vez com uma diferença. 'Outside: From The Redwoods' (US#60) foi a versão de Kenny Loggins de um caso 'acústico', e incluiu uma mistura de sucessos solo e sucessos da era Loggins & Messina. Michael McDonald participa de uma versão de 'What A Fool Believes'. Acabaram-se os sintetizadores e o trabalho estridente de guitarra de saídas recentes, com um retorno a uma sensação mais orgânica e caseira para os procedimentos.

A carreira de Kenny Loggins, de certa forma, fechou o círculo com seu álbum de 1994 'Return To Pooh Corner' (US#65 - #7 Kids Album). Como Loggins relembra nas notas do encarte de seu CD Greatest Hits de 1997 - "Eu originalmente escrevi 'House At Pooh Corner' quando eu deveria estar estudando para as provas finais como um veterano do ensino médio. Foi minha despedida da infância." A música foi gravada pela Nitty Gritty Dirt Band em 1971. A faixa-título 'Return To Pooh Corner' (#25 US Adult Contemporary) foi um retorno ao espírito daquela música original e liderou um álbum de músicas gravadas para as crianças aproveitarem. Outras faixas incluíam covers de 'Rainbow Connection', 'Love' de John Lennon e 'St. Judy's Comet' de Paul Simon. O álbum confirmou o quão versátil Kenny Loggins havia se tornado.

Em 1996, Loggins retornou às funções de trilha sonora na balada 'For The First Time', produzida por Peter Asher, e apresentada na comédia romântica de George Clooney/Michelle Pfeiffer 'One Fine Day'. Mantendo o tema do romance, o próximo álbum de Kenny Loggins com material original surgiu em 1997 sob o título 'The Unimaginable Life' (US#107). Enquanto o álbum 'Leap Of Faith' de 1991 lidou com as consequências do divórcio de Loggins, este álbum mergulhou no namoro e casamento do novo amor em sua vida. Loggins tem uma mão forte na maioria dos créditos de composição, embora sua nova esposa Julia contribua, junto com nomes como Jonathan Butler, Babyface e David Foster. Na época, Loggins se referiu ao álbum como "o empreendimento artístico mais ambicioso da minha carreira". Talvez ele tenha sido pego no momento, mas o álbum oferece uma visão genuína de Loggins, o artista, e o homem. Alguns podem chamá-lo de autoindulgente, mas um livro complementar de mesmo nome também foi lançado, narrando o caso de amor de Loggins.

Ao longo da década seguinte ou mais, Kenny Loggins continuou a demonstrar sua versatilidade como escritor e intérprete, lançando dois álbuns temáticos de Natal ('December', 'Christmas Time Is Here' - misturando material original com tradicional), e outros dois álbuns infantis, 'All Join In' e 'More Songs From Pooh Corner' - que cantinho movimentado deve ser. 2003 testemunhou o retorno de Kenny Loggins, o artista adulto contemporâneo, no álbum 'It's About Time', com participações especiais dos velhos amigos Michael McDonald e Richard Marx. Depois de alguns anos sabáticos e uma mudança no estilo de pelos faciais, Loggins retornou em 2008 com 'How About Now', uma fusão de suas raízes no folk rock, com rock com toque country adicionado para completar na faixa 'I'm A Free Man Now'.

Embora tenha uma carreira de gravação que abrange 40 anos, ainda parece evidente para este autor que o nome Kenny Loggins será para sempre associado principalmente àqueles grandes sucessos de trilhas sonoras dos anos 80. Não é necessariamente algo ruim, mas vale lembrar a versatilidade e a complexidade do artista por trás dessas

Bangles - Monday, Manic Monday

 

 Desde que a música popular existe, houve vários e diversos grupos vocais femininos, desde as Supremes até as Spice Girls, das Andrews Sisters até as Pussycat Dolls. Mas menos comuns são as bandas femininas, onde as integrantes lidam com tarefas instrumentais além dos vocais. O início e meados dos anos 80 viram o surgimento de duas dessas bandas femininas - as Go-Go's e as Bangles - ambas devem muito de sua inspiração às Runaways, que abriram caminho para todas as bandas femininas durante a segunda metade dos anos 70 (na verdade, como você descobrirá, as Bangles tinham uma conexão direta com as Runaways). Já toquei em parte na história das Go-Go's (veja o post separado de Jane Wiedlin), mas vou expandi-la no futuro. Por enquanto, vamos explorar o mundo das Bangles de gooooooo a whooooooah…

No início de 1981, a cantora/guitarrista Susanna Hoffs colocou um anúncio de "procura-se membros para banda" no jornal de Los Angeles, The Recycler - o anúncio dizia "Procura-se membros para banda: para os Beatles, Byrds e Buffalo Springfield". As irmãs Vicki (guitarra/vocal) e Debbi Peterson (bateria) responderam afirmativamente ao anúncio e o trio base de uma banda foi formado. A guitarrista Vicki Peterson formou sua primeira banda na nona série e começou a escrever músicas enquanto ainda estava no ensino médio. Suas influências giravam em torno de nomes como os Beatles e os Hollies, então ela e Hoffs eram perfeitamente compatíveis em seu amor pelo pop-rock dos anos 60. O trio começou a ensaiar junto na garagem de Susanna Hoffs e logo contratou os serviços da baixista Annette Zilinskas para completar a banda. O quarteto inicialmente adotou o apelido de Colours, seguido rapidamente por Supersonic Bangs e, no final de 81, eles eram conhecidos como The Bangs. Eles lançaram o EP autoproduzido 'Getting Out Of Hand' (em seu próprio selo Downkiddie) em dezembro de 81 (sob o nome de Bangs).

O Bangs construiu uma sólida reputação e seguidores no movimento 'paisley underground' de Los Angeles, que também contou com nomes como Green On Red, Rain Parade e Dream Syndicate. O 'paisley underground' era um coletivo frouxo de bandas fortemente influenciadas por uma fusão de folk-rock e rock psicodélico - o Bangles provaria ser a única banda do movimento a alcançar um sucesso comercial e crítico mais amplo. Seus shows esgotados, EP de estreia e uma aparição em uma compilação de Rodney on the ROQ, trouxeram o Bangs à atenção de Miles Copeland, que os contratou para sua gravadora IRS. Como acontece ocasionalmente, já havia uma banda de Nova York chamada Bangs que estava ameaçando processar. Após uma refeição em um restaurante mexicano a caminho de Las Vegas, um dos membros da banda rabiscou a palavra 'Bang-less' em um guardanapo, e assim o nome Bangles surgiu em janeiro de 82. Copeland também os contratou como banda de abertura do English Beat. Eles lançaram seu segundo EP em junho de 82, um esforço homônimo lançado pela gravadora Faulty Products (uma subsidiária da Receita Federal) que vendeu mais de 40.000 cópias e melhorou ainda mais o perfil do quarteto.

Os Bangles assinaram com a gravadora Columbia em 1983, mas antes de entrarem no estúdio de gravação, a baixista Annette Zilinskas (que queria mais oportunidades de cantar os vocais principais) saiu da banda para se juntar ao grupo country-punk Blood On The Saddle. Em seu lugar, o baixista Michael (Micki) Steele foi bem-vindo ao grupo Bangles. Steele foi o vocalista principal original do grupo proto-punk hard rock dos anos 70, The Runaways (veja o post separado de Joan Jett).

Com o veterano produtor de power-pop David Kahne na cabine de controle, os Bangles passaram boa parte do primeiro semestre de 84 gravando seu álbum de estreia. "All Over The Place" (US#80/ UK#86) chegou às lojas no final de 84 e imediatamente causou impacto nas rádios universitárias dos EUA. O álbum continha todo o material original em suas onze faixas, com uma exceção, "Going Down To Liverpool" (UK#56 - e sim, é Leonard Nimoy no videoclipe), um cover do hit do Katrina & the Waves (veja o post separado). Um segundo single, o alegre "Hero Takes A Fall" (escrito por Vicki Peterson e Susanna Hoffs), foi adicionado às listas de reprodução de rádios universitárias e à crescente rede MTV. Nessa época, os deveres vocais principais eram compartilhados entre o quarteto, sem um líder claro evidente. O álbum refletia as influências do folk-rock dos anos 60, do garage rock e do rock psicodélico que energizaram a música inicial dos Bangles. Ecos dos Byrds, The Beatles, Love, Grass Roots e Jefferson Airplane foram entrelaçados ao longo do álbum, com riffs vibrantes, guitarras estridente e ganchos de melodia contagiantes. Harmonias estelares e arranjos tensos comprometeram o estilo dos Bangles até aquele ponto, mas ajudaram a envolver um público mais amplo.

"All Over The Place" vendeu respeitáveis ​​150.000 cópias. Uma dessas cópias, sem dúvida, caiu nas mãos de um certo artista chamado Prince, que, segundo rumores, tinha ficado bastante apaixonado por Hoffs, por sua aparição na MTV no clipe de "Hero Takes A Fall". Entre uma turnê ao vivo e o trabalho promocional de "All Over The Place", os Bangles encontraram tempo para aparecer (como piratas) no vídeo promocional do hit top dez da amiga Cyndi Lauper, "Goonies 'R Good Enough". A banda passou a última parte de 1985 no estúdio de gravação trabalhando em seu segundo álbum.

No início de 86, os Bangles lançaram o álbum "Different Light", liderado pelo single "Manic Monday", uma peça envolvente de pop-rock psicodélico. A faixa foi escrita por um escritor que se autodenominava "Christopher". Caso você não saiba, "Christopher" era um dos muitos pseudônimos de um artista mais conhecido como Prince. Tal era seu fascínio pelos Bangles, que ele lhes deu a chance de gravar a música. O "Manic Monday" no estilo Mamas & Papas provou ser tudo, menos apenas mais um "Manic Monday". A música entrou no Hot 100 dos EUA em fevereiro de 1986, e naquela época já estava em alta rotação na MTV e na rádio FM. Chegou ao pico de #2 no Hot 100 durante o mês de abril. Em um caso de ironia, os Bangles foram negados seu primeiro hit #1 por ninguém menos que o homem que havia escrito "Manic Monday", Prince com a música "Kiss". 'Manic Monday' alcançou o 3º lugar nas paradas australianas, e foi negado o 1º lugar na Grã-Bretanha por 'Chain Reaction', escrita por Barry Gibb, de Diana Ross. Prince até se juntou aos Bangles no palco para um bis da música durante um show.

Tanto o artista quanto a gravadora esperavam que o single seguinte, uma versão melancólica da música de Jules Shear, 'If She Knew What She Wants' (lançada no meio do ano), aumentasse ainda mais o ímpeto da banda, mas o single provou ser uma decepção relativa em termos comerciais (US#29/ OZ#31/UK#31). Enquanto isso, os Bangles embarcaram em uma longa turnê de verão em 1986. O álbum 'Different Light' subiu firmemente nas paradas mundiais (US#2/ OZ#2/UK#3), eventualmente se tornando o 12º álbum mais vendido nos EUA em 1986. Representou um afastamento marcante da infusão pop-rock dos anos 60 que tinha sido uma assinatura de seus primeiros trabalhos, e sem dúvida sofreu em termos estilísticos por excesso de produção (mais uma vez Kahne estava supervisionando as coisas da cabine de controle). Em essência, o álbum comprometeu um pouco da personalidade e do estilo inicial da banda. Embora de um público comercial e de um ângulo amigável ao rádio, o mais polido 'Different Angle' funcionou muito bem, não mais ilustrado pelo lançamento do terceiro single.

O compositor Liam Sternberg estava em uma balsa cruzando o Canal da Mancha quando a frase "ande como um egípcio" tocou em seu coração. Como qualquer bom escritor faz, Sternberg tinha um caderno em mãos para rabiscar a frase para referência futura. Algum tempo depois, Sternberg escreveu uma música em torno do título "Walk Like An Egyptian" e gravou uma demo de quatro faixas (incluindo a música) em Los Angeles em janeiro de 84. Ele contratou os serviços de Marti Jones para fornecer vocais na faixa. Sternberg tocou a demo para a cantora Toni Basil (famosa por "Mickey" - veja o post separado), que recusou totalmente. No final de 85, o produtor do Bangles, David Kahne, recebeu uma fita demo de duas faixas da Peer Southern Publishing com o pedido de que ele considerasse a primeira faixa da fita, "Rock and Roll Vertigo", para inclusão no próximo álbum do Bangles. Quem quer que tenha feito a fita inverteu as duas faixas, então a faixa número um era na verdade "Walk Like An Egyptian". Kahne ficou imediatamente impressionado e ofereceu aos Bangles a música para gravar. O escritor Liam Sternberg ficou nas nuvens, pois viu os Bangles ao vivo e amou seu som, e ficou emocionado com o produto final. A música tinha aquela aura contagiante de sentir bem, de bater os pés e de sorriso estimulante.

Apresentando vocais principais de três dos quatro Bangles, 'Walk Like An Egyptian' foi lançada no final de 86 (interessante que os lançamentos de singles de 'Different Light' foram espalhados por um período tão longo). Em novembro, ela havia dançado seu caminho para o Hot 100, e em 20 de dezembro assumiu o manto #1, no processo chutando 'The Way It Is' de Bruce Hornsby and the Range. 'Walk Like An Egyptian' se tornou a dança de escolha (incluindo para todos os policiais na loja de donuts) durante o período de férias e em janeiro de 87, passando 4 semanas no topo (UK#3) - a maior passagem igual no topo do Hot 100 dos EUA por um grupo feminino até então (junto com Chiffons, Supremes e Emotions). Ela foi eventualmente derrubada por 'Shake You Down' de Gregory Abbott (veja o post futuro). Lembro-me de ter me apaixonado instantaneamente pela música (ou talvez tenha sido pelas Bangles que eu estava apaixonado) quando a vi pela primeira vez no Countdown no final de 86 - a música induziu um sentimento de diversão e alegria - eu gostei especialmente do assobio solo de Debi Peterson no meio da música. "Walk Like An Egyptian" girou e cruzou a pista até o primeiro lugar na Austrália também, substituindo "Funky Town" do Pseudo Echo e, por sua vez, sendo substituída por "You Keep Me Hangin' On" de Kim Wilde (veja postagens separadas para ambos os artistas). A música acabou se tornando o segundo single mais vendido nos EUA em 1986 e o ​​sétimo mais vendido na Austrália em 1987.

"Walk Like An Egyptian" foi um sucesso difícil de superar, e outra música animada, "Walking Down The Street", não conseguiu entrar no top 10 (EUA#11/ Austrália#56/Reino Unido#16), mas, por ser um veículo vocal para Susanna Hoffs, sinalizou uma tendência que acabaria por corroer a unidade dentro da banda.

Destaque

JOSALEIGH POLLETT – If I Let It Quiet

  "Radio Player", de Josaleigh Pollett, é uma gravação bastante especial. Os sons iniciais transportam o ouvinte para um mundo de ...