Alphonse Mouzon - Mind Transplant 1975

 

Os bateristas Alphonse Mouzon e  Billy Cobham  tiveram carreiras quase paralelas durante a década de 1970 e ajudaram a elevar o padrão pelo qual todos os bateristas subsequentes seriam julgados. Ambos estavam em bandas de fusão lendárias (Mouzon em  Weather Report  e  Larry Coryell 's  Eleventh House  e  Cobham  em  Dreams  and  the Mahavishnu Orchestra ), ambos lideraram suas próprias bandas de sucesso, ambos reinventaram a bateria jazz-rock e ambos lançaram uma gravação clássica que definiu o gênero.  O clássico de  Cobham foi Spectrum , uma gravação que é regularmente considerada uma das melhores do gênero. Esta, Mind Transplant, é a gravação clássica de Mouzon que é frequentemente aclamada como " Spectrum  II". O fio condutor, além da bateria agressiva, é o guitarrista  Tommy Bolin . Onde  Cobham  usou  a execução agressiva de  Bolin como um contraponto a Jan Hammer , Mouzon apresenta o guitarrista como a atração principal. As músicas em si podem não ser tão memoráveis ​​quanto, digamos, "Red Baron" ou "Stratus", mas a execução não é menos inspirada. Mouzon e  Bolin  são um ajuste natural e se esforçam para níveis de criatividade e habilidade que poucos conseguem atingir. Crua e poderosa, a música aqui é o que tornou a fusão um estilo musical tão viável. Esta gravação nunca foi tão popular quanto  Spectrum , mas foi finalmente lançada em CD em 1993 com a adição da jam session de 15 minutos "The Real Thing". Facilmente uma das melhores gravações de fusão de todos os tempos.

MUSICA&SOM

Calliope - Steamed 1968

 

Banda de rock psicodélico de curta duração dos anos 1960 de Seattle, Washington, EUA. Lançado pela Buddah Records. Vale a pena ouvir, experimente.

MUSICA&SOM

Änglagård "Hybris" (1992)

 

Os anos noventa do século passado foram um período de ressuscitação do som progressivo clássico. Os suecos foram os primeiros a acordar da longa hibernação. E eles lançaram em órbita sonora várias equipes absolutamente incríveis - restauradores da herança dos anos setenta. As ricas tradições da arte anglo-italiana forneceram farto alimento para o pensamento dos jovens intelectuais do norte. E o sexteto Änglagård tornou-se merecidamente o carro-chefe do progressista revivido - a beleza e o orgulho da cena nórdica.
O conjunto surgiu a pedido de velhos amigos de escola - Tord Lindman (guitarra) e Johan Högberg (baixo). No outono de 1990, os rapazes começaram a coletar material tijolo por tijolo. Não houve muitas ideias relevantes, mas houve energia e vontade suficientes para dez pessoas. Um pouco mais tarde, após anúncio no jornal, apareceram mais dois - Thomas Jonson (teclados) e Jonas Engdegaard (guitarra). No final da década de 1980, ambos trabalharam na equipe Minstrel . Então decidimos tentar a sorte em uma área semelhante. Os caras não apareceram de mãos vazias. A partir das peças brutas individuais que eles trouxeram, o álbum de estreia Änglagård posteriormente cresceu . Mais tarde que os demais, juntaram-se às pessoas citadas a flautista Anna Holmgren e o baterista Mattias Olsson , cuja contribuição para a formação do repertório não foi menos significativa.
Diversas influências estilísticas (do proto-metal à la Black Sabbath ao folk sinfônico progressivo e acústico) formaram aquele amálgama único que, com o tempo, levaria Änglagård ao auge do sucesso. Porém, primeiro os escandinavos tiveram que enfrentar uma série de dificuldades e provar ao mundo inteiro que não começaram o jogo em vão.
O ponto de partida é a épica obra instrumental "Jordrök". Seu leitmotiv foi composto por Yunson já em 1989. Claro, pouco foi preservado da versão original. O enredo foi cuidadosamente elaborado por todos os membros da banda. O resultado: um afresco cheio de drama nervoso com uma atmosfera ctônica sombria, um clima “vintage” geral e uma polifonia soberbamente construída. O início menor alimenta o restante dos pontos de lançamento. Na peça de 12 minutos "Vandringar I Vilsenhet" o caleidoscópio de meios aumenta: uma introdução de flauta, um perfume carmesim de partes elétricas, segmentos folclóricos implantados com sucesso, um fundo orquestral de mellotron e escapadas rítmicas inventivas. "Ifrån Klarhet Till Klarhet" é a marca registrada dos concertos de Änglagård. As técnicas favoritas dos suecos de simulação retrô de órgão-órgão-gramofone são transformadas em mudanças logicamente significativas em imagens emocionais - da pressão expressiva à melancolia, pastoral elegíaca rendada - e vice-versa, através de uma tempestade, barulho e fúria. Nas sombras sombrias de "Kung Bore" podem-se sentir claramente os ecos de um paganismo nobre e culturalmente assimilado, que se mudou sem dor para as florestas reservadas da literatura de contos de fadas. Os elementos pochvenniki primordiais aqui suprimem completamente o anglomanismo acidental do Änglagård ; o panorama reflete a antiguidade dolorosamente silenciosa com suas coroas centenárias, colinas cobertas de neve e o sopro gelado da noite polar. Como bônus - um número expandido "Gånglåt Från Knapptibble", adaptado de acordo com padrões já familiares; exceto que a dose de violência impulsiva nele prevalece sobre outros aspectos.
Resumindo: uma das reconhecidas obras-primas do rock progressivo, um marco sólido na história do gênero. É recomendado a todos para ampliar seus horizontes mentais, bem como para repetidos prazeres estéticos.   

Zoldar & Clark "The Ghost of Way" (1977/2008)

 

Até 1977, os fãs de música americana "para pessoas inteligentes" não conheciam algum tipo de Zoldar e Clark . Uma banda absolutamente desconhecida surgiu com um lançamento forte pelo selo Dellwood Records e desapareceu rapidamente. Entretanto, o disco deixou uma marca no coração dos amantes da música, sendo posteriormente classificado por especialistas entre a coorte de pérolas progressivas da segunda metade dos anos setenta. E só um fã de rock observador, olhando os nomes dos participantes no envelope, poderia perceber que esses caras não “saíram da toca” ontem. Jeff Cannata (bateria, trompas, guitarra, voz), Robert Giannotti (guitarra, flauta, voz), Michael Zoldan (piano, sintetizadores, mellotron, voz) e outras boas pessoas têm feito história nas fileiras da música psicodélica desde 1969. projeto Jasper Wrath . Um único álbum (1971) e uma coleção de itens de arquivo permanecem como lembranças daquela época. Em meados da década, a composição começou a ficar febril. Enquanto alguns aprimoravam seus esquis na direção do “dinheiro fácil”, outros tentavam mostrar a criatividade em uma escala diferente da anterior. Através dos esforços do produtor de ferro Christopher Hawke (ex-membro do Jasper Wrath ), a confusão e a vacilação foram suprimidas. Foi necessária: a) uma injeção de “sangue fresco” na pessoa de quatro músicos de fora; b) um ano de muito trabalho na textura; c) revisão das diretrizes de estilo; d) mudança de sinal. O resultado das vigílias criativas foi um long-play, que não tem vergonha de ser relançado no novo milénio para deleite dos descendentes famintos de “guloseimas”.
Em termos de integridade, “The Ghost of Way” é imperfeito. Aqui, é claro, precisamos culpar os lutadores da companhia Oxford Circus. Foram eles que empreenderam o lançamento do material em CD em 2008, mudando a estrutura original (a versão em vinil continha não 11, mas 7 faixas, sendo que duas delas não entraram no CD). No entanto, o produto final ainda é bom. E merece a maior atenção.
O instrumental introdutório "Lunar Progressions" coloca melismas elegíacos de guitarra e flauta contra um turbilhão de Giant -prog de tipo jazzístico. E os versos do inesquecível Alexander Sergeevich brilham na minha memória : “Tornei-me um artesão: dei fluência obediente e seca aos dedos / E fidelidade ao ouvido, / Desintegrei a música como um cadáver. acreditei / confiei na harmonia com a álgebra...” Camadas tendenciosas de logaritmos? Ou construtivismo ideológico justificado? Deus sabe. Puramente externamente - impressionante. E o que está dentro não está muito claro. A linha “limítrofe” de faixas inclui tanto o cruzamento sintético do título entre o rock Mellotron e um substrato de bomba comercial, quanto o número teatral “Roland of Montevere”. "Touch the Sky" parece o experimento de Michurin sobre o transplante de tubérculos Yesno principal solo dos EUA; não é ruim, mas ainda duvidoso. Mas então tudo é muito, muito atraente: a balada sinfônica “Father” em tons góticos comoventes, a colorida viagem artística “Now is the Time”, a fusão leve “The City”, o mágico folk-pastoral “You”, o épico caleidoscópio progressivo “Somewhere” Beyond the Sun", rapsódia lírica AOR "To Be Alive" + pop rock orquestral "The Dream" nas melhores tradições estrangeiras.
Para resumir: uma coleção de performances desigual em alguns lugares, mas ainda assim bastante interessante. Recomendo-o aos admiradores de atos artísticos não triviais, trazidos à luz do depósito retrô adimensional.                             

Aksak Maboul "Un Peu De L'Âme Des Bandits" (1980)

 

A criação de estreia de Aksak Maboul parecia divertida. Uma espécie de festa de amantes da música fanáticos que colocaram as mãos em equipamentos de estúdio. Na verdade, o colaborador do evento, Mark Hollander, não negou a falta de um plano ideológico claro. Uma diversão sonora chamada “Onze Danses Pour Combattre La Migraine” (1977) é uma espécie de atração galopante, desenhada sob o lema “Sem regras!” As influências abrangem toda a gama: de Duke Ellinton , Erik Satie e Nino Rota ao Kraftwerk , a escola americana de minimalismo e a música dos ciganos romenos. O princípio da interação dos elementos centrais continha uma fórmula quase Jamesbond: agite, mas não misture. Curiosamente, o resultado ficou ótimo. Uma festa alegre – extravagante como o inferno, mas bastante audível. No outono de 1977, Hollander montou uma brigada “viva”. Os belgas começaram a dar concertos ativamente, atraindo a atenção de todos com seu exorbitante descuido intelectual. Nessa altura, o sócio de Marc, Vincent Queny, já se tinha retirado completamente do desempenho de funções, limitando-se ao papel de arranjador. E o líder, que se deixou levar por suas atuações, fez conexões e conhecimentos com habilidade em escala internacional. Os pilares britânicos do gênero RIO Fred Frith e Chris Cutler (ambos de Henry Cow ) apareceram repentinamente na órbita amigável de Hollander , e a eles se juntou o mestre do violoncelo Denis Van Hecke . Tendo completado a banda com velhos conhecidos (vocalista Catherine Jaugnyi , sopro Michel Berkman , tecladista/percussionista Frank Weitz ), Mark começou a cultivar um novo campo composicional em um amplo campo de experimentos.
"Un Peu De L'Âme Des Bandits" é diferente de seu antecessor. Tanto pelo humor quanto pela escolha dos meios. Devido, em primeiro lugar, a uma ênfase diferente. Os elegantes ziguezagues do disco são um hino ao exotismo. O padrão pseudo-polinésio da Sra. Zhonya na peça "Modern Lesson (Bo Diddley)" tendo como pano de fundo caixas de bateria, efeitos de fita e jazz de câmara colorido é, claro, legal. No espirituoso esquete "Palmiers En Pots", Hollander e companhia combinam com maestria a passagem acadêmica de "Trio (Nuits D'Argentine)" do acordeonista francês Andre Verschuren com o ritmo de "Tango", escrito em conjunto por Marc e Frank. "Geistige Nacht (Rondo)" é uma vanguarda maluca gerada pela mente inflamada de Fred Frith . Amantes Henry Cow e Univers Zerodevemos simplesmente apreciar o modelo complexo do caos domesticado. “I Viaggi Formano La Gioventu” é uma invasão ao território do microcromatismo étnico, neste caso turco. A transformação artística de Van Hecke é especialmente surpreendente: de um flamengo refinado de sangue aristocrático, ele de repente se transforma em um sulista sensual, cantando o texto no dialeto otomano. Os membros do Aksak Maboul qualificam a reprise "Inoculating Rabies" com o termo "crypto-punk". Talvez esteja certo. Estrondos selvagens de violoncelo elétrico, guitarras e baixo apoiados por fagote e clarinete - você não vê isso com frequência. E o colosso de 23 minutos “Cinema (Knokke)” é um híbrido absolutamente louco de tendências filarmônicas à la Edgard Varèse , ruído ambiente, jazz espaçoso, extensos ataques de rock e muito mais. Como bônus, é anunciado o número antecipado de 1981 "Bosses De Crosses (Horreurs)", criado pela dupla Hollander/Keni sob os auspícios do projeto The Honeymoon Killers . Este coquetel inebriante se encaixa perfeitamente na imagem sonora do lançamento, servindo como sua continuação lógica e conclusão ao mesmo tempo.
Resumindo: um prato estranho e muito condimentado, pensado para um público de elite de filofonistas. Eu não recomendo ignorá-lo.   

Samurai "Green Tea" (1970)

 

Uma descendência exótica da era proto-progressista. No início dos anos setenta, o conjunto Samurai tinha boas chances de se tornar um produto competitivo para os apologistas britânicos do gênero. Infelizmente, não deu certo. Ainda assim, seria uma pena passar por uma formação tão notável.
Tudo começou com Mickey Curtis (n. 1938). Para falar a verdade, é difícil encontrar uma personalidade mais colorida mesmo para quem tem imaginação. Este original da raça mestiça (terrível cruzamento entre sangue japonês e inglês) sempre se esforçou para construir pontes entre o Oriente e o Ocidente. Sua carreira começou em 1958 imitando Elvis Presley . Paralelamente às suas atividades de canto, Miki envolveu-se intimamente com a cinematografia. Como ator convidado, ele apareceu em até 70 filmes. No entanto, o principal para o nosso herói continua sendo a música. Farto de fazer sucessos pop, o esperto asiático iniciou em 1967 o então vanguardista projeto Miki Curtis & Samurais . Com a equipe recrutada, Curtis viajou não só pela Terra do Sol Nascente, mas também por toda a velha Europa. Assim, no estúdio alemão Metronome Records, os roqueiros taciturnos conseguiram lançar várias coisas. Depois de complementar a banda com gente de Foggy Albion ( Joe Dunnett - guitarra, John Redfern - órgão) e mudar o nome para Samurai , os camaradas de Miki chegaram a Londres. Eles foram bem recebidos. Encomendado pela United Artists, o sexteto produziu alguns singles. No entanto, pequenas formas de autoexpressão do mentor foram pouco satisfeitas. Curtis podia ver exatamente para que lado o vento soprava. Por isso me atrevi a experimentar o estilo art-rock.
No conteúdo moderadamente eclético do álbum Green Tea, cada um encontrará algo próprio. A abertura (número do título) é uma simbiose cuidadosamente equilibrada do monólogo vocal melodicamente brilhante do vocalista com estruturas de execução mistas (rhythm and blues, fusão de flauta, encantador fundo de órgão). O assertivo “Olho de Águia” persegue outros objetivos. Aqui você pode sentir a influência do Zeppelin com seu hard psicodélico viscoso original. Guitarrero Dunnett, junto com Hiro Izumi, preenche a paleta com solos divertidos, e Graham Smith ( String Driven Thing , Van der Graaf Generator ), ligado à companhia, satura a ação com passagens de gaita. A balada de câmara "Boy with a Gun" é uma fusão chique de música étnica (koto, flauta) com uma narração íntima em barítono nas melhores tradições dos cantores e compositores transatlânticos; um esboço impecavelmente construído. O interlúdio acústico "18th Century" revela notas melancólicas escandinavas típicas de bandas neofolk como Tenhie outros como eles. O panorama épico de “Four Seasons” se estende desde o progressivo pesado e bizarro com flashes nucleares de Hammond até o astral total do LSD. “Mandalay” parece incomum – uma tentativa de encontrar o fio condutor entre os contos de fadas puramente orientais e uma variedade americanizada de jazz. O mural final, “Daffy Drake”, é uma história psicodélica absurda com um toque dos Beatles e um ângulo artístico soberbamente executado; um final bem-sucedido para uma jornada extraordinária.
Resumindo: um ato artístico atraente, digno de carregar a bandeira do rock progressivo de estilo britânico; um ótimo achado para quem gosta de mergulhar no passado. Eu recomendo.    

Gentle Giant "Gentle Giant" (1970)

 

Ah, que estreia!.. Outros estavam preocupados com os singles. Os produtores ficaram acima de suas cabeças, exigindo sucessos. E aqui... A atmosfera de criatividade desinibida - livre de estímulos, ligada ao excepcional profissionalismo dos presentes. Disciplina? Sem dúvida. Mas o seu próprio corte familiar Shulmanov , feito em casa . Derek ainda não está rasgando muito a garganta , deixando espaço para as revelações líricas de seu irmão mais velho, Phil . A franca inteligência de Arquimedes do progressista ainda não atingiu pleno vigor; mas há paixão viva, renda de melodias e uma certa improvisação. O “Gigante” ainda está sondando o solo. Porém, seus passos, como convém a um colosso, são largos, firmes e pesados. Onde outros exigiriam uma série de manobras, Gentle Giant opera com um floreio sonoro espetacular. A escolha dos meios (e isto não se aplica apenas aos instrumentos) inspira inevitavelmente respeito. O primogênito GG é várias vezes superior aos modelos de proto-arte comuns. A brilhante complexidade de elementos de hard rock, música de câmara, jazz, blues e soul britânico dos anos sessenta é marcada por uma rara inventividade. Sete faixas, 36 minutos de reprodução. Mas meu Deus, quanta força, energia e acertos certeiros em um álbum aparentemente curto! Sim, "Gentle Giant" é clássico no bom sentido e ao mesmo tempo livre de rigidez acadêmica. Quarenta anos depois, ele ainda é fresco, de sangue quente, deliciosamente ousado e - quero acreditar - relevante. Vamos tentar ouvir / perscrutar os detalhes do histórico eterno dos britânicos.
Número 1 - “Gigante”. A imponente introdução de órgão de Kerry Minnear é um trampolim para uma salva polifônica coletiva. O corneteiro tenor Paul Kosh é trazido para ajudar Phil Shulman com seu sax, trompete e flauta doce , o que é ótimo; afinal, os ventos desempenham um papel significativo no traçado da pista. E embora no início a poderosa seção de metais domine o poleiro, na segunda parte da obra o baixo profundo, Hammond, Mellotron e coros se fundem em uma luxuosa harmonia orquestral, demonstrando a maturidade composicional do GG . A peça "Funny Ways" é a "coroa" perene da equipe, um dos alicerces fundamentais de seu legado. Uma simbiose característica de encantadoras linhas vocais de menestrel, passagens acústicas de violoncelo e guitarra com a pressão de tocar, o impulso e os solos elétricos cortantes de Gary Green . Perto está um item extremamente verificado “Alucard”. Fusão vigorosa, recheada de corais psicodélicos, ataques de trompete/saxofone de grande calibre, sarcasmo mortal de digressões de guitarra e outros recursos fofos. Adicione aqui "Não está quieto e frio?" - uma mistura ousada de movimentos graciosos da Renascença (parte de apoio do violoncelo - Claire Denise), grandes peças folclóricas e devaneios elegíacos do frontman; o complexo épico “Nothing At All”, que lembra uma balada reversa com reverso pesado, multiplicado pela histeria vanguardista; canto fuzz "Por que não?" - um exemplo típico de GG de hooliganismo sofisticado; finalmente, “A Rainha” - uma piada de represália do rock and roll às tradições reais - e você obtém uma imagem de vários níveis onde a inteligência é combinada com a indiferença, a ironia mais sutil - com grosseria grosseira, franqueza ingênua - com vinhetas abertas do “grande calma".
E se assumirmos na realidade previsível a existência de Frankenstein, dotado dos modos de um mordomo, da mente astuta de Fígaro e dos modos de Arlequim, tenho a certeza que o ato de abertura de Gentle Giant seria bastante adequado para a sua reflexão sonora. . Em uma palavra, bravo!  

Marimba Plus "Marimba Plus" (2001)

 

O amor dos artistas acadêmicos pelo jazz tem uma longa tradição. No entanto, às vezes assume características muito exóticas. A composição moscovita do Marimba Plus é a “ovelha negra” no horizonte intelectual do nosso tempo. Criado por um graduado da Academia Russa de Música. Gnessins de Lev Slepner , a banda foi inicialmente adaptada para um esquema de som não padronizado. Na verdade, não é tão fácil encontrar um conjunto de câmara de fusão onde a marimba seja o instrumento principal. E então eles apareceram - seis jovens profissionais prontos para correr riscos. Do ponto de vista comercial, esta é uma ideia duvidosa. Contudo, a equipe de Slepner agiu não por lucro e fama, mas apenas por amor à arte. Como resultado, o jogo foi um sucesso. Eles começaram a falar sobre os caras. Os luminares do jazz mundial ( Billy Cobham , Trilok Gurtu , Didier Lockwood , Arkady Shilkloper e muitos outros) os convidaram para colaborar. E hoje o nome Marimba Plus goza de merecida autoridade entre os fãs da tendência mundial de fusão. Portanto, não seria pecado relembrar os primeiros passos dos artistas rumo ao sucesso, uma vez que o trabalho de estreia do projeto já estava marcado por uma série de soluções originais que foram ainda melhoradas.
O barulho étnico dos martelos ( Lev Slepner - marimba, percussão), o timbre aristocrático do violoncelo ( Irina Tsirul ), o swing lúdico aliado à clareza abrupta da bateria ( Sergey Nedzelsky ), a profundidade das partes do contrabaixo ( Konstantin Bey ) e a chamada multifacetada de instrumentos de sopro ( Ilya Dvoretsky - flauta, Anton Konchakov - clarinete) - Esta é uma imagem aproximada da faixa de mosaico "Placa". É impossível dizer o que há de mais aqui. Por um lado, há uma óbvia intriga de câmara, próxima em espírito das coisas mais suaves do repertório do Univers Zero ., por outro lado - algo completamente oposto em caráter emocional. Em geral, um mistério. E o número completo “Jungle” apenas aumenta a atmosfera de ambiguidade. Os “africanismos” que se insinuam no ouvinte são diluídos em tons estritamente filarmónicos, sombreados por momentos de improvisação e até acompanhados por uma pulsão poderosa, quase fatal. O estado de drama interno é habilmente revelado pelo sexteto na peça “Solidão” com vibração rítmica do ar, passagens comoventes de flauta e cordas. Mas o complexo esboço “Club Performance” é algo completamente diferente: há reflexão e motivos líricos, paixão, coragem e pressão. A magnífica “Rapsódia” destaca-se pelo volume cinematográfico e riqueza de nuances, que incorpora harmoniosamente uma ampla gama de sentimentos, visões e imagens; uma tela maravilhosa com um colorido absolutamente incrível, como se emprestada de várias épocas históricas ao mesmo tempo. O esquete onírico “Garota” retrata com os melhores valores o movimento de uma alma apaixonada; Esta bela história, contada (como as outras) sem palavras, respira pureza, sinceridade e castidade. Os padrões rendados dos "Arabescos" levam-nos ao espaço abafado e fumegante de incenso do Oriente com a sua paleta colorida bizarra (o responsável pelos tambores é Sergei Ostroumov ). A “Meditação” estendida fecha a linha de irmãos diferentes - uma cascata sonora fluida, cuja linha condutora é a voz terna e cristalina da marimba...
Resumindo: uma excelente jornada sonora em conceito e execução, implementada por pessoas infinitamente talentosas. Eu não recomendo ignorá-lo.

Wigwam "Tombstone Valentine" (1970)

 

O segundo disco do Wigwam foi obviamente criado sob o lema “curto e claro”. Eles tiveram experiências épicas suficientes no palco de seu disco de estreia "Hard N' Horny" (1969). O então vocalista inglês Jim Pembroke conseguiu compor a suíte de 8 partes "Henry's...". Assim, os finlandeses satisfizeram suas ambições gigantescas, após o que mudaram o baixista ( Fitz Jenkins foi substituído pelo conservador e experiente Pekka Pohjola ) e se concentraram em tramas lacônicas. De acordo com a tradição estabelecida, a maior parte do material foi escrita por Pembroke e pelo organista Jukka Gustafson . E separadamente, porque o desejo de competição é a força motriz mais poderosa para os primeiros Wigwam . Por algum milagre, os nortistas conseguiram laçar o venerável cantor, músico, poeta e apresentador de rádio americano Kim Fowley . Como resultado, ele concordou em produzir uma nova criação dos escandinavos. O quarteto foi reforçado pelos guitarristas convidados ( Heikki Laurila , Jukka Tolonen ), pelo acordeonista Kalevi Nykvist , além do engenheiro eletrônico Erkki Kurenniemi , que trouxe consigo o sintetizador polifônico antediluviano Andromatic. Então todos foram levados para o estúdio Finnvox (Helsinque), e lá fomos nós...
Não se importando muito com a “progressividade” de seus próprios trabalhos, Jim e Jukka confiaram no melodismo. Em princípio, é uma opção ganha-ganha; Todos entenderam isso. Outro fator importante foram as letras totalmente em inglês. Anteriormente, Wigwam ainda se apegava aos seus ouvintes nativos, mas agora eles soltaram as rédeas e traçaram um rumo para a conquista do Ocidente.
O tom do processo é dado pelo elegante número do título com clima Beatles e um maravilhoso arranjo de cordas do maestro Pohjola (não é à toa que este último dominou violino e piano na Academia Sibelius). Resumindo: ficou “delicioso”. Há apenas uma reclamação: não é suficiente. Antes que você tenha tempo de ficar animado, acabou... Gustavson assume a batuta de Pembroke. A peça que ele desenhou, “In Gratitude”, equilibra-se na intersecção do blues/jazz rock. Nada mal, embora seja uma fera completamente diferente. "Dance of the Anthropods" é uma versão puramente instrumental da lobotomia segundo o método do Dr. Eletrônica de vanguarda de 68 segundos da série “sobre nada”. Mas “Frederick and Bill”, recheado com temperos aguçados de guitarra, certamente agradará os fãs de música pesada. Há também uma balada (“Wishful Thinker”), adaptada aos padrões de São Francisco; e o lírico “pub-folk” (“Autograph”), onde Pekka introduz o violino na paleta. Se falamos de proto-arte, podemos considerar a miniatura de rock de câmara “1936 Lost in the Snow”, inventada sozinho por Pohjola: sem voz, apenas seção rítmica, fono, violão e cordas. A fofa "Let the World Ramble on" é outra música coroada com um solo brilhante do virtuoso Tolonen. O swing jazz puro de “For America” aumenta o grau de ecletismo, mas no caso de Wigwam tais “excessos” não irritam. O lado teatral do lançamento é coberto pela obra "Capitão Sobrenatural" - seja um drama ou uma farsa trágica; difícil de entender. O final é o afresco malandro "End": uma simbiose de psicodelia orgânica com revelação cantada em êxtase. Para sobremesa - alguns singles de natureza interestilo e graus variados de severidade.
Resumindo: um ato artístico digno que marcou o início da popularidade internacional da banda, e uma das obras marcantes do proto-prog finlandês. Eu recomendo. 

Body Count - "Body Count" (1992)

 

"A próxima canção é dedicada a alguns

amigos pessoais meus:

A L.A.P.D.
[Departamento de Polícia de Los Angeles]

A cada policial que já tenha tirado

vantagem de algum deles,

batido ou ferido

por terem cabelos compridos,

por ouvirem o tipo errado de música,

ou por terem a cor errada,

ainda que achassem que fosse motivo para fazê-lo,

Para cada um desses policiais de merda,

Eu gostaria de ter um destes porcos aqui neste estacionamento,

e dar um tiro na porra da cara dele."
"Out of Parking Lot",
introduçao de "Cop Killer"

Motivado em parte pelo incidente ocorrido com o taxista negro Rodney King*, espancado brutalmente por policiais em março de 1991, que acabaram originando os conflitos generalizados em Los Angeles em abril de '92 em virtude da absolvição dos envolvidos, o rapper Ice-T abandonava momentaneamente seu segmento habitual para se dedicar a um projeto musical envolvendo suas outras predileções como o metal, o punk-rock, o hardcore e outros gêneros mais viscerais. O resultado dessa aventura de um rapper/ator é um dos discos mais pesados, agressivos, violentos e destruidores que o rock já viu. Em "Body Count", disco de estreia que leva o mesmo nome de sua banda, Ice-T mira direto na discriminação racial, no abuso policial, nas drogas, na pobreza e sai varrendo tudo a tiros como se fosse uma poderosa metralhadora.
Ice-T é forte, é incisivo é agressivo a cada frase, a cada verso, e quando fala de preconceito racial, ao contrário de grupos como o Public Enemy que só olhava para a discriminação contra o negro, curiosamente trata de chamar a atenção para o racismo inverso também, como na sinistra "Momma's Gotta Die Tonight" na qual uma mãe se opõe a uma relação do filho negro com uma branca e tem um fim assustador.
Sinistra também é a sombria "Voodoo" sobre uma velha feiticeira de New Orleans; bem como a pervertida "Evil Dick" com sua letra sobre um 'pau demoníaco' que se apodera do seu dono, num metal cadenciado com um trecho mais rápido de bataria no qual Ice-T acompanha no vocal simulando uma trepada enlolouquecida. Já "The Winner Loses", a mais leve (sonoramente) do disco trata sobre a tristeza de jovens se perdendo nas drogas, num metal melódico muito bem construído e com uma performance show de bola do ótimo guitarrista de Ernie C.
Mas no geral, a pancadaria predomina e o tema do racismo quase sempre está presente: "KKK Bitch" por exemplo, como se não bastasse sua porradaria sonora que come solta, despertou a ira dos lares americanos, sobremaneira de brancos conservadores e direitistas enrustidos por sua letra extremamente agressiva, explícita e pesada ( "... conheci essa garota branca com um belo rabo, cabelo louro, olhos azuis, seios e coxas grandes (...) Ela fez selvagem comigo no banheiro nos camarins, chupou meu pau como a porra de um vácuo e disse: "Eu te amo, mas meu pai não curte, ele é um filha-da-puta de um graúdo da KKK"). "There Goes the Neighborhood" com seu riff poderoso é outra que aborda o tema de diferenças raciais questionando o por quê de um negro não poder ter uma banda de rock, numa esposta irônica às críticas ao fato dele, Ice-T, oriundo do rap, estar atacando em outro segmento; a aceleradíssima a violenta "Bowels of the Devil" não trata diretamente sobre o assunto mas relata a vida de um negro na penitenciária; e "Body Count Anthem", esta por sua vez quase sem letra (só repete as palavras Body Count e as iniciais BC), é outra pedrada sonora com as guitarras altas e estridentes soando como se fossem um alarme.
Praticamente todas as faixas são entremeadas por pequenas vinhetas que assim como as músicas, igualmente não poupam nada nem ninguém de agressividade e contundência. Numa destas pequenas faixas Ice-T dá estatísticas da comparação do número de negros na prisão com os que estão na faculdade; noutra delas ridiculariza a apresentadora de TV Oprah Winfrey; noutra coloca que o verdadeiro problema das letras de música pop, segundo ele, seria o medo de que as garotas brancas se apaixonem por rapazes negros; ou ainda como na faixa de abertura simula um diálogo entre um homem que pede ajuda a um policial e acaba levando chumbo, introduzindo então para a excelente e pesadíssima "Body Count's in the House" com seus ruídos de sirenes, tiros e perseguições de automóveis.
Mas o ápice do ódio anti-policial de Ice-T aparece mesmo em "Cop Killer", um petardo matador no qual o artista encarna na letra um matador justiceiro especialista em aniquilar homens da lei. A canção é um hardcore rápido com vocal furioso e rajadas de metralhadora substituindo os rolos de bateria a cada entrada do impiedoso refrão, "Cop killer, better you than me /Cop killer, fuck police brutality! /Cop killer, I know your family's grievin' ... fuck 'em! /Cop killer, but tonight we get even" ("Matador de tiras, antes você que eu/ Matador de tiras, foda-se a brutalidade policial! /Matador de tiras, eu sei que do luto da tua família... foda-se eles! /Matador de tiras, esta noite vamos acertar as contas").
A canção caiu como uma bomba nos Estados Unidos e provocou gritaria de todo lado. A polêmica foi tanta que a música que fazia parte da primeira versão do disco, acabou sendo retirada das prensagens posteriores do álbum por opção do próprio  Ice-T mesmo apoiado pela gravadora  para mantê-la se assim quisesse. O resultado de tanta celeuma foi que a música abou virando uma espécie de canção cult que todo mundo conhece, poucos tem em versão original e muitos procuram baixar para de alguma forma ter o tal objeto de tamanha ira na sociedade americana.
Nas edições seguintes do álbum, inclusive na brasileira, que já veio sem "Cop Killer", a banda substituiu a faixa proibida por outra também bem interessante chamada "Freedom of Speech" um rap com sampler de "Foxy Lady" de Jimmi Hendrix e participação especialíssima de Jello Biafra dos Dead Kennedy's.
"Body Count" é um dos discos mais porrada que eu conheço. Uma bomab da primeira à última. disco de tirar o fôlego. É porrada em sonoridade, porrada em letra, porrada em atitude, em contundência, em objetivo e em resultado. Um verdadeiro soco no estômago da família americana, um chute no saco dos racistas, um cuspe no meio da cara das autoridades e uma poderosa e barulhenta saraivada de balas na polícia de Los Angeles. Um os grandes discos dos anos 90 e por certo, pelo 'estrago' que fez, pela barulheira que causou, e mesmo pelas próprias qualidades musicais principalmente, um daqueles álbuns que podem ser considerados fundamentais na história do rock.

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FAIXAS:

1. "Smoked Pork" — 0:46 (Ice-T)
2. "Body Count's in the House" — 3:24 (Ice-T/Ernie C)
3. "Now Sports" — 0:04 (Ice-T)
4. "Body Count" — 5:17 (Ice-T/Ernie C)
5. "A Statistic" — 0:06 (Ice-T)
6. "Bowels of the Devil" — 3:43 (Ice-T/Ernie C)
7. "The Real Problem" — 0:11 (Ice-T)
8. "KKK Bitch" — 2:52 (Ice-T/Ernie C)
9. "C Note" — 1:35 (Ernie C)
10. "Voodoo" — 5:00 (Ice-T/Ernie C)
11. "The Winner Loses" — 6:32 (Ernie C)
12. "There Goes the Neighborhood" — 5:50 (Ice-T/Ernie C)
13. "Oprah" — 0:06 (Ice-T)
14. "Evil Dick" — 3:58 (Ice-T/Ernie C)
15. "Body Count Anthem" — 2:46 (Ice-T/Ernie C)
16. "Momma's Gotta Die Tonight" — 6:10 (Ice-T/Ernie C)
17. "Out in the Parking Lot" — 0:30 (Ice-T)
18. "Cop Killer" - 4:09 (Ice-T, Ernie C)

* "Freedom of  Speech" - 4:41 (Ice-T , Biafra, Hendrix)  - faixa que susbstituiu "Cop Killler" a partir da segunda tiragem