Joe Henderson Quintet - 1970 [2006] "At the Lighthouse"

 

Joe Henderson Quintet at the Lighthouse é um álbum ao vivo gravado no Lighthouse Café, Hermosa Beach, Califórnia, entre 24 de setembro de 1970 e 26 de setembro de 1970. O pessoal inclui Woody Shaw no trompete e flugelhorn, George Cables no piano elétrico, Ron McClure no baixo acústico (baixo elétrico apenas na faixa 8) e Lenny White na bateria. Tony Waters toca congas apenas nas faixas 1, 8 e 9.

Este é um álbum ao vivo do famoso Lighthouse em Hermosa Beach CA. Este local recebeu muitos álbuns ao vivo ao longo dos anos por Lee Morgan & Cannonball Adderley para citar dois dos meus álbuns favoritos gravados lá.
Esta gravação é especial na minha opinião devido à presença do trompetista Woody Shaw como parceiro de linha de frente de Henderson e George Cables no Fender Rhodes EP e piano acústico. Lenny White na bateria está em forma inspirada.

Esta música é similar em estilo e conteúdo à música que Freddie Hubbard compôs para seu álbum "Red Clay" do Cti, que Henderson e White tocaram, então não é uma grande surpresa para mim ouvi-lo copiando o som de Red Clay para seu grupo. O som, se eu tivesse que rotulá-lo, seria hard bop com traços sutis de R&B e fusão inicial, especialmente na faixa "If you're not part of the problem you're part of the solution". O grupo executa várias das músicas mais conhecidas de Henderson que se tornaram padrões de jazz e favoritos de jam session nos muitos anos após esta ter sido gravada, como "Blue Bossa", Recorda Me e "The Shade of Jade". Se você é fã de álbuns ao vivo e jazz em geral, então você deve ter este álbum em sua coleção.

Eu cortei meus dentes musicais nas décadas de 1960 e 1970, absorvendo o som Rock, Pop e Soul daquela época, e eu não ouvia muito jazz enquanto crescia. Então, um tanto tardiamente, tenho descoberto alguns dos grandes artistas de jazz das últimas décadas, e Joe Henderson está entre aqueles que eu gosto muito. Não consigo realmente identificar o que há em seu estilo de tocar que me atrai, mas simplesmente atrai. O tom, o clima, a vibração, como você quiser chamar, funciona para mim.

Além de Henderson, também me tornei fã de Woody Shaw, e esses dois grandes músicos aparecem com destaque nesta gravação ao vivo. E é uma gravação boa e limpa, nem mesmo soando como um típico show barulhento de clube. Você pode ler as outras críticas elogiosas para um resumo das músicas e quem faz o quê. Se você ouviu algum álbum de Joe Henderson desse período (este foi gravado em 1970), acho que você vai gostar.

O CD vem com um livreto que inclui as notas originais do encarte escritas por Orrin Keepnews. Inclui também um ensaio mais recente sobre Henderson e esta gravação, escrito por Jeff Kaliss para a reedição do CD em 2004. Adorei a descrição da música nas notas do encarte: "... o clima dominante é efervescente,com os solistas no auge de seus respectivos jogos." De fato, esses caras estão todos em ótima forma. Um deleite jazzístico!

Se você é novo em Joe Henderson, precisa dar uma olhada nele e este é um ótimo lugar para começar.

Eu ouço seu estilo de improvisação como uma mistura de Parker (mestre das mudanças), Rollins (explora a extensão do tenor e pega a nota inesperada, mas certa) e Coltrane (grande intensidade e muitas notas quando ele se solta). Em outras palavras, ele toca muitas notas bem escolhidas, toca muito rápido e claramente, tem grande intensidade e pode fazer um barulho muito musical. Eu penso nele como um Michael Brecker mais terroso (mais autêntico?).

Neste disco, ele cobre muito território estilístico. Há muito hard bop, bossa nova, alguns sopros livres, interpretação de padrões de jazz moderno, até mesmo um corte ("If You're Not Part of") que é fusion... este CD é como uma lista de reprodução de amostra de jazz, tudo em um.

Em relação aos outros músicos, Woody Shaw é bom no estilo de Freddie Hubbard. Ele é um par muito bom para Joe, então você ganha um monte de trompete excelente sem nenhum custo extra.

A seção rítmica é muito apertada. Na maior parte, Lenny White toca bateria direta aqui (vs. seu estilo de fusão mais conhecido com Return to Forever). Ron McClure toca principalmente o baixo de cordas. Ele tem um toque muito claro e harmonicamente informado. Então não se preocupe com a extremidade inferior da banda. (A exceção, é claro, é o corte "If You're Not Part of", onde Lenny e Ron fazem funk e Fender.)

Para mim, o piano elétrico é um toque agradável em todo o CD. Ele dá às músicas um pouco do som original de Chick Corea/Return to Forever (ou seja, quando Chick tocava com Joe Farrell; antes de adotar uma guitarra elétrica na banda). Então, se você está preocupado que este seja um temido álbum de "fusão de jazz", você pode relaxar.

George Cables é o pianista e ele faz um bom trabalho quando tem a oportunidade. Ao contrário de Chick em Return to Forever, ele é muito menos intenso, o que se encaixa em seu papel de músico coadjuvante.

Para encerrar, só posso dizer que gostaria de estar na plateia quando Joe e companhia estavam explodindo o teto.

Tive algumas aulas com o falecido grande Joe Henderson em meados dos anos 70, quando ele residia no norte da área da baía de São Francisco, perto de Colma. Na minha opinião, ele foi um dos melhores saxofonistas pós-Coltrane, junto com Wayne Shorter. Este conjunto selecionado de suas apresentações no Lighthouse em Hermosa Beach, a 22 milhas de Los Angeles, representa uma de suas melhores apresentações ao vivo, junto com a data "Live in Japan". O trompetista muito subestimado Woody Shaw, George Cables no teclado elétrico Rhodes, Ron McClure no baixo e Lenny White na bateria compuseram um grupo poderoso com algumas músicas originais de Henderson (Isotope, Inner Urge, Recorda-Me) e algumas músicas da Blue Note como "Blue Bossa", "Mode for Joe" e padrões como "Round Midnight", "Invitation" (uma música que ouvi Joe tocar muitas vezes ao vivo e em discos).Se você é fã de Joe Henderson ou fã de hard bop, compre este aqui — ele é demais!!

Track listing:

01     Caribbean Fire Dance     5:37
02     Recorda-Me     8:18
03     A Shade Of Jade     10:28
04     Isotope     4:28
05     'Round Midnight     9:02
06     Mode For Joe     8:34
07     Invitation     7:32
08     If You're Not Part Of The Solution, You're Part Of The Problem     11:29
09     Blue Bossa     9:43
10     Closing Theme     0:47

Personnel:

Saxophone – Joe Henderson
Trumpet, Flugelhorn – Woody Shaw
Bass – Ron McClure
Congas – Tony Waters (tracks: 1, 8, 9)
Drums – Lenny White
Electric Bass – Ron McClure (tracks: 8)
Electric Piano – George Cables

MUSICA&SOM

John Littlejohn, Byther Smith & the Chicago Blues Band 1984-08-29 Norrkoping, Sweden

 

LIVE

1984-08-29 

Norrkoping, Sweden

Johnny Littlejohn - guitar & vox

Byther Smith - Guitar & Vox

Aron Burton - bass

Melvin Crisp - drums

SET LIST

01 - Next Time You See Me.mp3

02- Money Tree.mp3

03 - Hold that Train Conductor.mp3

04 - Messing with the Kid.mp3

05 - All Your Love.mp3

06 - BANTER.mp3

07 - Kiddio.mp3

08- Feel Like Chopping.mp3

09 - Bloody Tears.mp3

10 - 29 Ways.mp3

11 - Dream.mp3

12 - Shake Your Money Maker.mp3

MUSICA&SOM

Gregg Allman & Friends - Keswick Theatre, Glenside 1999

 

Track List:

01 - Intro

02 - Hot 'Lanta 

03 - I'm No Angel 

04 - Slip Away 

05 - Rendezvous With The Blues 

06 - Midnight Rider 

07 - I Love The Poison 

08 - I Been Hurt By You

09 - House Of Blues 

10 - Samson & Delilah

11 - Demons 

12 - Please Call Home 

13 - Just Before The Bullets Fly 

14 - Mean Heartbreaker 

15 - Goin' Back To Daytona

16 - Melissa

17 - Whipping Post 

18 - Trouble No More 

19 - I Need Your Love So Bad 

20 - Statesboro Blues

Esta é uma gravação muito boa de Gregg Allman & Friends no Keswick Theatre, Glenside, PA.

NRBQ LIVE Rusty Nail - Sunderland MA 1973

 

LIVE

 Rusty Nail - 

Sunderland MA 

1973

SET LIST

01 Talk To Me.mp3

02 Call Him Off, Rogers.mp3

03 That's Neat, That's Nice.mp3

04 Two Sides From Every Story.mp3

05 I Want To Know.mp3

06 DIG.mp3

07 There's No Looking Back.mp3

08 Keyboard Jam (Music, Music, Music.mp3

09 Rockin' In Rhythm.mp3

10 Let Me Tell 'Bout My Girl.mp3

11 Mister Perrington.mp3

12 Holy Cow.mp3

13 Gonna Have To Ball, That's All.mp3

14 Mona.mp3

15 Who Put The Garlic In The Glue_.mp3

16 Get Rhythm.mp3

17 Sorry Charlie.mp3

18 You Got It.mp3

19 Get On The Right Track, Baby.mp3

20 Queen Talk.mp3

21 Bye Bye Love.mp3

MUSICA&SOM

RARIDADES

Ilmo Smokehouse - Ilmo Smokehouse (1970)

don't hang around, enjoy good music!

JULIAN PLENTI: JULIAN PLENTI IS... SKYSCRAPER (2009)

 

1) Only If You Run; 2) Fun That We Have; 3) Skyscraper; 4) Games For Days; 5) Madrid Song; 6) No Chance Survival; 7) Unwind; 8) Girl On The Sporting News; 9) On The Esplanade; 10) Fly As You Might; 11) H.

Veredito geral: Uma tentativa surpreendentemente decente de manifesto de cantores e compositores, embora a falta de novas ideias ou atitudes o impeça de ir mais além.

Então, vamos abordar isso da forma mais lógica possível. «Julian Plenti» é na verdade Paul Banks, cujo nome completo é Paul Julian Banks e que na verdade já havia usado esse pseudônimo em seus dias pré-Interpol, quando ainda era um tocador acústico solo. Aqui, no entanto, também aprendemos que Julian Plenti é «Skyscraper». Mais tarde, na faixa-título, ouvimos Paul Banks / Julian Plenti cantar "shake me, shake me, skyscraper", literalmente implicando que Paul Banks / Julian Plenti / Skyscraper está pedindo a si mesmo para sacudi-lo, o que não faz muito sentido. Daqui em diante, podemos prosseguir para a ideia de que Paul Banks, Julian Plenti e Skyscraper são os mesmos, mas não exatamente os mesmos, no modo Holy Trinity: «Paul Banks» é a hipóstase do Pai, «Julian Plenti» é o Filho e «Skyscraper» o Espírito Santo. Nesse caso, "shake me, skyscraper" deve ser tomado como uma analogia ao momento em que o Espírito Santo desce sobre o Filho logo após Seu batismo. Veja, estamos nos metendo em uma merda realmente séria aqui — e você pensou que este era apenas um álbum solo esquecível.

Interpretações complexas e controversas à parte, devo dizer que fiquei agradavelmente surpreso. A voz desinteressante, as letras pouco convincentes e o ego imóvel de Paul Banks sempre foram um dos lados menos atraentes do Interpol — então um disco onde todas essas coisas seriam trazidas para a frente parecia um pesadelo para começar. Dei uma chance, no entanto, e fiquei surpreso ao encontrar algumas melodias decentes e atmosferas ocasionalmente comoventes. Como uma personalidade artística, «Julian Plenti» não é realmente diferente do vocalista padrão do Interpol — similarmente temperamental, taciturno e distante, combinando anseios românticos não realizados com cinismo desiludido em praticamente todas as faixas. Mas como ele não pode mais se esconder atrás dos ombros poderosos de seus companheiros de banda, ele tenta compensar isso adicionando elementos extras de melodia que, no mínimo, fazem as músicas individuais se destacarem umas das outras e não convergirem em uma única massa cinzenta de desânimo.

Esses elementos não são particularmente incríveis ou originais: portanto, ʽOnly If You Runʼ, o número de abertura do álbum, começa com um riff de introdução dolorosamente familiar (pense em ʽHeart Full Of Soulʼ dos Yardbirds), então se torna ʽWhere Is My Mindʼ dos Pixies por um momento, e mais tarde meio que explora o riff irritante de uma nota de ʽPictures Of Matchstick Menʼ do Status Quo — dificilmente intencionalmente, mas apenas para dar uma ideia da atividade neural de Paul Banks / Julian Plenti / Skyscraper durante o processo criativo. No entanto, não é uma música ruim: a entonação decisiva da letra combina muito bem com a linha de baixo distorcida e lenta, e há algo verdadeiramente genuíno sobre como a parada final é colocada com "...e você fará isso... mas apenas se você correr". Além disso, a mistura de instrumentos, na qual o som do baixo, o tilintar da guitarra e os sintetizadores atmosféricos nunca se ofuscam, para mim parece mais colorida do que a maioria das músicas do Interpol, embora eu não qualifique isso como nada além de uma impressão passageira.

Várias das faixas são puras peças de humor, cujo propósito principal parece criar uma atmosfera de auto-empoderamento impotente — ʽMadrid Songʼ, por exemplo, com sua sensação de brasas ardentes e o infinitamente repetido "venha nos atacar, somos fortes", entregue em uma voz rejeitada e moribunda; ou a faixa-título em si, uma das poucas aqui que nos dá um vislumbre do Julian Plenti original (por causa da faixa de violão acústico) enquanto ao mesmo tempo pega emprestado algumas ideias da música clássica contemporânea. Quer dizer, ela poderia ser confundida com uma trilha sonora de Jonny Greenwood, ou tomada como um exercício de um discípulo de Górecki com mentalidade pop — no mínimo, não soa nada como uma faixa do Interpol, e, dados meus pensamentos habituais sobre o Interpol, é mais um elogio do que uma crítica. Embora eu certamente não possa dizer que sou um grande fã dessa marca minimalista também.

Por incrível que pareça, acho que as baladas suaves deste álbum são melhores do que as tentativas de Banks de curtir sem seus amigos — algo como ʽGames For Daysʼ é apenas uma faixa indie-rock bastante genérica com o mesmo zumbido de motosserra infantil que caracteriza as faixas menos impressionantes do Interpol, mas algo como ʽNo Chance Survivalʼ, sedutoramente compartilhando seu tom de guitarra com ʽNo Surprisesʼ do Radiohead, tem um equilíbrio um tanto incomum entre melodia instrumental e vocal, gerando uma sensação de calor e simpatia que, infelizmente, se dissipa quando a música ganha força e realmente começa a tentar soar como uma tomada perdida de OK Computer , mas felizmente retorna no final. ʽOn The Esplanadeʼ é outro destaque, embora, dada a semelhança dos padrões de guitarra, eu ache que preferiria ouvi-la tocada por Leonard Cohen (mesmo que Paul Banks tenha um longo, longo caminho a percorrer para igualar os incríveis jogos de palavras de Leonard).

No final, tudo se resume a talento limitado — a inteligência e a ambição estão lá, mas a energia espiritual de «Skyscraper», não importa o quanto ele exerça pressão sobre Julian Plenti, não é o suficiente para fazer com que tudo isso se qualifique como uma conquista significativa de cantor e compositor para os anos 2000. É perfeitamente audível, no entanto, e quase me deixa triste ver Banks indo desse exercício semi-bem-sucedido para as platitudes musicais que dominariam o próximo álbum do Interpol, mas o que há para fazer? Aparentemente, Skyscraper e Interpol realmente não gostam um do outro. 

ELVIS PRESLEY: ELVIS IS BACK! (1960)

 

1) Make Me Know It; 2) Fever; 3) The Girl Of My Best Friend; 4) I Will Be Home Again; 5) Dirty, Dirty Feeling; 6) Thrill Of Your Love; 7) Soldier Boy; 8) Such A Night; 9) It Feels So Right; 10) Girl Next Door Went A-Walking; 11) Like A Baby; 12) Reconsider Baby; 13*) Stuck On You; 14*) Fame And Fortune; 15*) Are You Lonesome Tonight?; 16*) I Gotta Know; 17*) A Mess Of Blues; 18*) Itʼs Now Or Never.

Veredito geral: Problemático — não porque Elvis «torna-se pop», mas porque ele nem sempre consegue o melhor pop dentre todas as alternativas possíveis.

Esta sempre foi a pergunta mais complicada na história de Elvis — o Rei «se tornou mau» logo após seu retorno do exército, imediatamente se tornando irrelevante e até retrógrado assim que o mundo entrou na nova década? Ou ele simplesmente «amadureceu», mudando para um público um pouco mais adulto — perfeitamente previsível, dado que seus milhões originais de fãs jovens também não estavam ficando mais jovens — e não foi até algum lugar em meados da década, com a Beatlemania e a revolução psicodélica por toda parte, que ele realmente se tornou uma relíquia conservadora ultrapassada?

Meio século atrás, a resposta típica da maioria dos roqueiros era que eles praticamente pararam de prestar atenção em Elvis após sua dispensa — na verdade, nenhuma história do rock'n'roll citaria "Stuck On You" ou "Fever", e nenhuma música pós-anos 50 seria cercada pelo mesmo nível de admiração que um "Heartbreak Hotel" ou um "Hound Dog" ou um "Jailhouse Rock", muito menos as lendárias faixas do Sun. Mas, à medida que o gosto do público fica cada vez mais farto da diversão turbulenta e da agressão rebelde, suavizando e se encaminhando para o pop melódico sentimental, o legado do Rei está recebendo sua própria reavaliação e, atualmente, embora a maioria das pessoas certamente reconheça uma grande diferença de estilo entre os anos 1950 e Elvis Is Back!, o álbum é comumente visto como um passo à frente no desenvolvimento do artista, em vez de uma regressão.

Não tenho nada contra o estilo soft-rock de Elvis — quando ele está no seu melhor nesse gênero, como estava em músicas como ``Donʼt Be Cruelʼ ou mesmo ``Teddy Bearʼ'', seria insano negar os ganchos, a diversão e a fofura sexy da atmosfera. Mas, ao mesmo tempo, não gosto de me envolver em muito revisionismo: havia uma boa razão pela qual Elvis Is Back! foi originalmente uma grande decepção até mesmo para alguns dos fãs de Elvis que estavam crescendo com ele, e essa razão era bastante simples — o álbum mudou o paradigma musical de Elvis não apenas em uma direção «indesejada», mas em direção a um beco sem saída. Elvis Is Back! não decepciona apenas no departamento excitante, sendo o primeiro álbum de Elvis a não conter quase nada que pudesse causar a ira de The Greatest Generation; é também o primeiro álbum de Elvis onde parece que nada de novo está sendo inventado, nenhuma inovação planejada ou realizada por acidente.

É um tanto revelador que a única música do álbum que lembra vagamente a velha escola seja ʽDirty, Dirty Feelingʼ, um rock ultracurto dos arquivos de Leiber-Stoller que foi originalmente considerado para King Creole e descartado. É rápido, soa um pouco como os Coasters com seus vocais de apoio de baixo engraçados e ecos fracos de yakety-sax, apresenta um solo de guitarra extático (o único solo de guitarra extático em um álbum onde Scotty Moore é essencialmente relegado ao status de um trabalhador de equipe submisso), e não é tão emocionante quanto a maioria das faixas de rockʼnʼroll de segunda categoria do homem dos velhos tempos; mesmo assim, se destaca como um louco entre o conteúdo geralmente inofensivo do álbum, quase parecendo um prêmio de consolação jogado para puristas hardcore para que eles pudessem encontrar pelo menos um motivo decente para comprar o LP.

Dito isso, no que diz respeito a álbuns «puro pop», Elvis Is Back! certamente não é de todo ruim. Ninguém poderia criticar seriamente ʽFeverʼ, cuja voz de Elvis e o arranjo «místico» de baixo pesado tornam tão QUENTE quanto a versão de Peggy Lee na qual foi baseado — realmente, esses dois se merecem — e ninguém poderia resistir à sedução alucinante de ʽSuch A Nightʼ, que você sempre preferirá à versão dos Drifters se estiver procurando por uma entrega mais pesada de testosterona do que a de Clyde McPhatter (nenhuma razão objetiva para que você deva, mas se estiver, você o fará; sem mencionar, é claro, os valores de produção desatualizados e a qualidade sonora do original, enquanto a versão de Elvis ainda soa perfeitamente moderna). O ritmo rápido e as harmonias vocais peculiares de ``Girl Next Door Went A-Walking'' também são divertidas, embora a música, diferentemente das musicalmente semelhantes ``All Shook Up'' e ``I Need Your Love Tonight'', seja mais abertamente impregnada de sentimentalismo.

Um pouco menos compreensível é a paixão repentina de Elvis por blues lentos e cheios de soul — ʽIt Feels So Rightʼ e ʽReconsider Babyʼ de Lowell Fulson (na qual o Rei até toca guitarra solo, embora, previsivelmente, ele nunca faça um solo de verdade); acrescente o lado B contemporâneo ʽA Mess Of Bluesʼ e você realmente começa a suspeitar de algo. As interpretações não são ruins, por si só, mas essas músicas são, por natureza, mais adequadas para músicos de blues de Chicago do que para o público de Nashville e, honestamente, Boots Randolph faz um trabalho muito melhor com ʽYakety Saxʼ do que com seu solo de blues estendido em ʽReconsider Babyʼ. Honestamente, o blues é um gênero que Elvis nunca subjugou de verdade — ele não era um cantor de blues convincente, nem conseguia se cercar de grandes músicos de blues.

A preocupação com baladas doo-wop e crooner é muito mais compreensível, mas também é o tipo de material que requer um nível de tolerância muito alto para sentimentalismo barato e, pessoalmente, não me importo muito se nunca mais ouvir ʽI Will Be Home Againʼ ou ʽThe Thrill Of Your Loveʼ ou ʽSoldier Boyʼ, independentemente de quão profissionalmente sejam elaboradas ou de quanto refinamento extra Elvis coloca em suas entregas de crooning. Talvez o mais importante, elas são apenas chatas como músicas — principalmente reciclando os acordes e transições antigos; ʽSoldier Boyʼ, por exemplo, é uma reminiscência da anterior e superior ʽI Want You, I Need You, I Love Youʼ. O fato de que muitas dessas coisas foram validadas pelo próprio Elvis mostra claramente que sua paixão por quebrar o molde praticamente desapareceu em 1960.

Assim como antes, é claro, o Elvis dos anos 60 tem que ser julgado antes de tudo pelos singles, e não pelos LPs — neste caso, as edições modernas em CD do álbum geralmente vêm com as faixas bônus apropriadas, e destas, ʽStuck On Youʼ, o primeiro single pós-exército do homem, é o destaque claro, com um gancho vocal que definitivamente ficará preso em você. Ele até tem esse tom de atitude desafiadora — "você pode sacudir uma maçã de uma macieira, mas nunca vai me sacudir" — só para lembrar ao mundo quem realmente está de volta e não tem planos de desaparecer. Mesmo assim, ainda me lembro da minha grande compilação de singles de sucesso da infância, onde ʽStuck On Youʼ veio logo depois de ʽI Got Stungʼ e eu tive essa estranha sensação subconsciente de que algo quebrou entre a coragem esquizofrênica do primeiro e a frieza contida do último, nem mesmo ciente ainda da mudança substancial entre os dois.

Se servir de consolo, devo acrescentar também que ʽI Gotta Knowʼ, um caso raro de influência britânica pré-Invasão (a música foi gravada pela primeira vez por Cliff Richard, embora tenha sido escrita por um compositor americano), é a única música de Elvis que, por algum motivo, cravou os ganchos mais fortes em meu cérebro quando a ouvi pela primeira vez — o verso e a melodia do refrão são contagiosos a um grau quase assustador aqui. Deveria ter sido uma música de Buddy Holly, eu acho (a ponte é 100% Buddy), mas de alguma forma o destino decretou o contrário. Também é totalmente fofinha e inofensiva e piegas e estúpida, e meu cérebro a ama até a morte, então o que posso fazer?

Quanto ao caso de Elvis superando Caruso e Pavarotti, é impossível protestar contra a estrutura musical imaculada de ʽO Sole Mioʼ, mas... bem, talvez uma diferença simbólica entre Elvis e os Beatles foi que o último, no final, não gravou oficialmente ʽBesame Muchoʼ, enquanto o primeiro lançou oficialmente ʽItʼs Now Or Neverʼ. É sempre possível argumentar que Elvis tinha as habilidades vocais para a música, enquanto os Beatles não, mas de uma perspectiva social ainda era uma espécie de gesto proto-Vegasy inicial, bastante revelador do que estava por vir. A gravação em si é tão perfeita quanto parece — vocais de apoio incríveis, ótimo ritmo metronômico, sobretons vocais e floreios perfeitamente ajustados, dinâmica maravilhosa entre o baixo e o alto — mas eu a ouço com a mesma frequência que ouço The Three Tenors (e eu gosto de ouvir cada um dos três individualmente, mas de preferência no contexto de uma ópera saudável de Verdi).

No final, não estou me juntando à multidão que diz que este foi o começo de uma nova vida musical para Elvis, merecendo o mesmo respeito que sua vida anterior; mantendo as armas antigas, prefiro ver isto como «o começo do fim» — mas entendendo completamente que o fim levou um bom tempo, e que o declínio artístico de Elvis foi gradual em vez de repentino. Desta perspectiva, Elvis Is Back!, especialmente tomado junto com todos os singles, ainda é um must-have, e pelo menos os próximos anos pré-Beatles ainda nos trariam muito material bom. Mas nenhum revisionista disposto a alegar que Elvis Is Back! é tão artisticamente forte quanto Elvis Presley encontrará compreensão comigo. Sonoramente superior, talvez — foi a primeira mixagem estéreo de Elvis, afinal — mas é só isso. 

KING CRIMSON: THE NIGHT WATCH (1997 /rec. 1973/)

 

1) Easy Money; 2) Lament; 3) Book Of Saturday; 4) Fracture; 5) The Night Watch; 6) Improv: Starless And Bible Black; 7) Improv: Trio; 8) Exiles; 9) Improv: The Fright Watch; 10) The Talking Drum; 11) Larksʼ Tongues In Aspic, Pt. 2; 12) 21st Century Schizoid Man.

Veredito geral: Uma gravação de alta qualidade historicamente importante — ótima se servir como sua amostra padrão do King Crimson ao vivo em 1973, supérflua de outra forma.

Para aqueles que acham que Great Deceiver é um exagero (nem mesmo mencionando todos os gigantescos boxsets recentes), The Night Watch pode ser uma dose perfeitamente completa do clássico Larks -era Live King Crimson. Com um título fantasticamente apropriado — a apresentação foi gravada no Concertgebouw em Amsterdã, a poucos passos do Night Watch real — o álbum oferece um show quase completo (por algum motivo, apenas o número de abertura, ʽLarksʼ Tongues In Aspic, Pt. 1ʼ foi perdido e nunca encontrado) com um bom equilíbrio entre composições totalmente polidas e improvisações cruas e qualidade de som cristalina.

Fora isso, porém, é difícil dizer algo novo sobre este lançamento, já que a maioria de suas improvisações serviu originalmente como base para Starless And Bible Black : esta aqui é a fonte original para ʽTrioʼ, ʽStarless And Bible Blackʼ e ʽFractureʼ, sem as edições extras e overdubs, mas os últimos eram mínimos de qualquer maneira, e se preocupar com qual das duas variantes funciona melhor é um trabalho para um Crimsonhead experiente, não para mim. A única outra peça improvisada que não chegou a lugar nenhum, intitulada ʽThe Fright Watchʼ, é na verdade uma introdução atonal de seis minutos para ʽThe Talking Drumʼ, com uma boa construção de mellotron, mas dificilmente vale a pena ser valorizada como uma peça independente.

Deixe-me, portanto, concentrar-me em uma coisa e apenas uma coisa: a menos que você vasculhe todos os arquivos desses enormes boxsets, de todos os álbuns ao vivo de 1973-74 que ouvi , The Night Watch sem dúvida apresenta a melhor versão de ʽ21st Century Schizoid Manʼ. Sem nenhum saxofonista na escalação, Fripp tem que cuidar de quase toda a seção instrumental sozinho, deixando apenas um pequeno espaço para Wetton mostrar sua destreza no baixo e então voltar com força total. Desta vez, o tom da guitarra é grosso e gutural, e os licks que Robert entrega estão por todo o lugar — em um momento ele é Hendrix, no outro ele é Clapton da era Cream, e então, por breves momentos, ele até se esquece de si mesmo a ponto de se transformar em Alvin Lee da era Woodstock (mas apenas por breves momentos). Em comparação, a versão em Great Deceiver é mais curta e um pouco «mais fraca», enquanto a versão mais antiga disponível nos EUA sofre no departamento de qualidade sonora. (Ironicamente, eu destruí o solo de guitarra de Fripp na minha crítica negativa original do álbum — onde diabos estavam meus ouvidos naquela época?).

Fora isso, não tenho certeza do que mais dizer que ainda não tenha sido dito na análise do Great Deceiver . Alegadamente, o show no Concertgebouw foi uma das gravações mais fortemente pirateadas do KC de todos os tempos, o que é uma razão adicional (se não primária) para o lançamento oficial do álbum — mas também é verdade que o som remasterizado é, em última análise, mais colorido e suculento do que qualquer coisa no Great Deceiver , e o disco grita para ser tocado alto e orgulhoso; de alguma forma, é ainda mais fácil para mim ter uma boa noção de ʽFractureʼ aqui do que no estranho contexto de todas as outras músicas em Starless And Bible Black . Tudo isso certamente justifica sua existência. 

TOM TOM CLUB: THE GOOD, THE BAD AND THE FUNKY (2000)

 

1) Time To Bounce; 2) Who Feelinʼ It; 3) Happiness Canʼt Buy Money; 4) Holy Water; 5) Soul Fire; 6) Sheʼs Dangerous; 7) Sheʼs A Freak; 8) (CʼMon) Surrender; 9) Love To Love You, Baby; 10) Superdreaming; 11) Lesbians By The Lake; 12) Let There Be Love; 13) Time To Bounce (dub); 14) Dangerous (dub).

Veredito geral: Mais precisamente, NÃO é bom, NÃO é ruim e NÃO é tão estranho quanto se pretendia.

Este disco não é ruim, e é legal ver o Tom Tom Club ainda em ação sólida na virada do milênio, mas, infelizmente, ele não consegue recriar ou refrescar a atmosfera assustadora e pateta do Dark Sneak Love Action . Desta vez, ao que parece, Tina e Chris decidiram produzir um disco de funk-pop com um som relativamente normal. Para isso, eles se cercaram de veteranos como Charles Pettigrew, da fama de Charles & Eddie, e Toots Hibbert, da fama de Toots & The Maytals; adicionaram um monte de covers de Lee Perry e Donna Summer ao seu repertório; e deram grande ênfase aos grooves puros e à atmosfera de clube. No final, quase metade do álbum nem parece propriamente o Tom Tom Club — ou, mais precisamente, parece um Tom Tom Club invadido e infectado por certas coisas que fazem a própria ideia do Tom Tom Club parecer inútil e supérflua.

No que diz respeito à intriga, The Good, The Bad And The Funky não vai realmente além de sua faixa de abertura — o único ponto de ʽTime To Bounceʼ é dizer que é hora de pular, o que você deve fazer na primeira batida e nunca mais soltar até o fadeout. O vocal sexy e fantasmagórico de Tina imediatamente identifica a peça como Tom Tom Club, mas além disso, a maioria das batidas, vocais de apoio e intervalos de rap apenas regurgitam clichês populares, e não há nada de extraordinário no arranjo musical. Fica pior na segunda faixa, ʽWho Feelinʼ Itʼ, cujo ponto principal parece ser nos reaproximar de Marvin Gaye, Beastie Boys, Fela Kuti, Afrika Bambaataa, Wu Tang e, claro, James Brown mais uma vez, por meio de um rap pop bonitinho de Tina (nota para todos os artistas: como regra, quanto mais nomes de artistas famosos você incluir em suas letras, menor será a probabilidade de vocês mesmos produzirem uma ótima faixa). O refrão brilhante e idealista de "quem sente, sabe..." é cativante, mas esta não é a segunda vinda de ʽGenius Of Loveʼ, e mesmo essa não era tão boa assim em primeiro lugar.

A partir daí, temos um groove funky de andamento médio após o outro, nada particularmente ofensivo ou inaudível, mas nada particularmente inspirado ou inspirador, também — a coisa toda parece apenas uma homenagem amigável à tradição popular afro-americana do funk ao disco, do electropop ao hip-hop. Músicas nas quais Toots ou Charles assumem os vocais principais, como ʽHoly Waterʼ ou ʽCʼmon Surrenderʼ, soam muito sérias para o Tom Tom Club, mas carecem de momentos memoráveis ​​ou musicalidade verdadeiramente impressionante para merecer essa seriedade. Músicas com Tina nos vocais principais também não conseguem gerar uma presença sobrenatural — quero dizer, se você encontrar um título como ʽSuperdreamingʼ, você pode estar certo em esperar algo no nível de ʽDream #9ʼ de John Lennon, mas este aqui é apenas outro arranjo genérico de funk dos anos noventa, repetitivo e sem uma pitada de desenvolvimento interno.

A única vez em que a fórmula faz uma pequena pausa nos bastidores é na décima primeira faixa, com um título que certamente não se pode perder — ʽLesbians By The Lakeʼ, uma fantasia instrumental psicodélica coescrita com o músico senegalês Abdou MʼBoup, que toca uma melodia estilo raga em sua kora com uma batida trip-hop sibilante. Não tenho certeza do que essa pintura musical um pouco desajeitada, mas intrigante, tem a ver com lagos e lésbicas, mas pelo menos ela chama minha atenção em um momento em que já tenho certeza de que nada mais é capaz de prendê-la.

Tenho certeza de que o álbum resistirá a várias audições repetidas se você realmente estiver com vontade de colocá-lo em repetição infinita, mas no final, ele realmente só prova o quanto o Tom Tom Club sempre foi uma banda de um truque só — quando eles fazem esse truque com perfeição, como em algumas das primeiras coisas ou em Dark Sneak Love Action , funciona; quando eles tentam se expandir e parecer mais sérios do que realmente são, não funciona. Dito isso, não há absolutamente nada de errado se você simplesmente decidir que é hora de pular junto com esses grooves, porque Tina e Chris são «bouncers» profissionais, afinal. 

PAUL BANKS: BANKS (2012)

1) The Base; 2) Over My Shoulder; 3) Arise, Awake; 4) Young Again; 5) Lisbon; 6) Iʼll Sue You; 7) Paid For That; 8) Another Chance; 9) No Mistakes; 10) Summertime Is Coming.

Veredito geral: Tão inspirador de ouvir quanto sua arte de capa

Este homem realmente não desiste. É preciso uma verdadeira tempestade de ideias para descobrir as diferenças estéticas entre Interpol e Julian Plenti, e a isso agora adicionamos a tarefa ainda mais difícil e cheia de nuances de descobrir as diferenças entre Interpol, Julian Plenti e Paul Banks. Mesmo sem ouvir o álbum, no entanto, você provavelmente vai querer supor que Julian Plenti Is... Skyscraper deve ter representado uma persona artística especialmente construída e lealmente personificada, enquanto Banks , pelo contrário, deve representar algo tão dolorosamente sincero e autoadequado que, se você se importa com esse ser humano, você só precisa tentar amar suas confissões enquanto ele expõe sua alma para todos vocês verem.

Parece que essa pressuposição está bem próxima da verdade, dada a paixão com que o próprio Paul falou sobre cada música em uma entrevista com fãs. Mas se for, então, lamento dizer, a alma de Paul Banks não é tão emocionante assim no que diz respeito às almas. Vamos começar com a segunda faixa, ʽOver My Shoulderʼ, sobre a qual ele diz: "Eu tinha esse riff há um tempo..." — bem, claro que ele tinha, porque se ele quer dizer o riff de abertura, então é essencialmente a melodia de ʽBorn To Runʼ de Springsteen, e embora as duas músicas definitivamente não sejam a mesma coisa, não consigo me livrar da sensação de que Banks estava tentando fazer seu próprio Born To Run — afinal, Springsteen exerceu uma forte influência em quase toda a cena indie-rock dos anos 2000, incluindo Interpol, e não há nada de criminoso na ideia, desde que você a faça bem. Infelizmente, `Over My Shoulderʼ é uma composição rígida e repetitiva, com muito gelo lento e shoegazing enfiado no groove para igualar a exuberância de Springsteen — e se não houver tal objetivo, mal consigo entender que outro objetivo ele poderia perseguir.

No geral, o álbum tenta ser mais rock e agressivo do que o desastre autointitulado do Interpol, mas rock e agressividade exigem grandes riffs e energia crescente, os quais não estão em lugar nenhum. É apenas uma música de rock chata de andamento médio após a outra, buscando efeitos de hino com seus arranjos de teclado e vocais ecoantes multitrilhados e não chegando a lugar nenhum. Quando seus únicos pensamentos são sobre criar um groove de andamento médio e meio cantar, meio recitar um poema tranquilo de depressão em uma voz robótica multitrilhada... bem, você se safa se for o Kraftwerk, não se for o Paul Banks. Acabei de ouvir mais algumas vezes "The Base" só para ver se havia algo sobre a faixa que eu pudesse compartilhar com você, gentil leitor, e a única coisa que consegui dizer é que, você sabe, "I feel youʼre truly anesthesized" é a frase mais reveladora de todo o álbum.

Provavelmente os únicos momentos notáveis ​​são quando Banks sai da fórmula para tentar algo sem vocais — mas isso não significa que o instrumental ʽLisbonʼ seja de alguma forma mais memorável, ele apenas surpreende por não ter aquela voz monótona estampada em todas as texturas instrumentais monótonas. Eu nem sei o que é; talvez seja realmente tudo sobre o estilo de produção insípido e sem cor, porque a música tem uma melodia e uma tentativa de construção, quase no estilo Godspeed You Black Emperor, mas ou ele não consegue encontrar os acordes certos ou é incapaz de criar uma mixagem adequada, com a guitarra solo se afogando em todas as cordas sintetizadas em vez de voar sobre elas. Pior ainda é sua tentativa de um pouco de «pilhagem» sampleada: ʽAnother Chanceʼ, apresentando toneladas de diálogos irritantes de algum filme indie esquecido por Deus, é uma bagunça sonora confusa sem propósito.

No final, eu mesmo estou bastante confuso, porque aquele disco do Julian Plenti não entediou ou incomodou tanto meus sentidos — não foi ótimo, mas soou como uma tentativa honesta de construir alguma personalidade relacionada ao Interpol que seria suficientemente distinta da banda principal do Banks. Isso, por outro lado, parece apenas uma versão do Interpol que amplificou todos os aspectos chatos da banda e abandonou completamente todos os potencialmente não chatos. E também acontece que Paul Banks com seu coração na manga parece muito com Paul Banks com seu coração escondido bem fundo. Fale sobre um coração de vidro...