TALKING HEADS: STOP MAKING SENSE (1984)

 

1) Psycho Killer; 2) Heaven; 3) Thank You For Sending Me An Angel; 4) Found A Job; 5) Slippery People; 6) Burning Down The House; 7) Life During Wartime; 8) Making Flippy Floppy; 9) Swamp; 10) What A Day That Was; 11) This Must Be The Place (Naive Melody); 12) Once In A Lifetime; 13) Genius Of Love; 14) Girlfriend Is Better; 15) Take Me To The River; 16) Crosseyed And Painless.

Veredito geral: Excelente álbum ao vivo, mas ouvi-lo sem assistir ao filme faz tanto sentido (sem trocadilhos) quanto ler a edição completa das letras de Bob Dylan no papel.

Se você nunca ouviu Stop Making Sense como o segundo álbum ao vivo do Talking Heads, isso não é uma tragédia — ele nunca esperará superar a monumentalidade de The Name Of This Band . Se você nunca assistiu Stop Making Sense , o filme do show, o que você precisa fazer agora, neste exato momento, é largar tudo o que está fazendo (e neste momento, você está obviamente perdendo seu tempo lendo esta resenha de qualquer maneira, em vez de tirar pessoas de prédios em chamas ou algo assim) e ir assistir imediatamente , porque, bem, é provável que você não entenda nada de verdade sobre Talking Heads, New Wave, música eletrônica inteligente ou valores artísticos pós-1975 em geral até que tenha sido devidamente trabalhado pelo filme.

Não tenho certeza se os dois shows em questão dos quais Jonathan Demme extraiu o material para seu filme, realizados em dezembro de 83 em um dos cinemas de Hollywood, eram típicos daquela turnê em particular — deve ter havido elementos específicos, concebidos exclusivamente para as câmeras; no entanto, eles eram definitivamente muito diferentes de todos os shows anteriores da banda, com muito mais ênfase no lado visual/coreográfico do negócio. Mesmo na turnê de 1980, quando os Heads se encheram de toneladas de músicos secundários, a principal razão para isso foi poder reproduzir todas as crescentes complexidades em seus álbuns de estúdio. Em Stop Making Sense , os enxames de músicos secundários continuam a quase sobrecarregar o núcleo principal dos quatro membros da banda — mas isso parece ser muito mais inclinado a um efeito geral de agitação e camaradagem: o filme mostra muito bem como todas essas pessoas extras eram necessárias no palco não apenas (e não tanto) por sua performance, mas sim por seu comportamento incrível.

Acima de tudo, porém, este é o show de David Byrne: cada música, com a exceção natural de "Genius Of Love", pertence a ele 100% do tempo, mesmo quando não está cantando nem tocando. Falando em tocar, ele largou a guitarra em mais da metade das músicas aqui — agora que tem tantos músicos de apoio, ele realmente não precisa tanto dela — em favor de pular, correr, fazer caretas, rolar por aí, brincar com Big Suits ou Electric Lamps, montar apresentações de slides, enfim, tudo o que você imaginar. Isto é Teatro Rock de uma forma que você provavelmente não via desde o auge de Genesis, de Alice Cooper e Peter Gabriel, só que com uma sensibilidade atualizada e modernizada que (ao contrário de elementos dos espetáculos de Alice e Peter) não envelheceu um dia sequer, mesmo trinta e cinco anos depois: assistindo ao filme recentemente, fiquei impressionado com o fato de que nem um único quadro, nem um único movimento de ninguém na imagem me fez dizer "ah, isso é um pouco de pieguice dos anos 80". O filme estava à frente de seu tempo? Provavelmente não; mas nenhuma outra experiência conseguiu se igualar a ele em todo o tempo que se passou desde então.

Por melhor que seja a trilha sonora, ela não transmite a excitação quase perversamente manipulada que cresce e cresce conforme você assiste ao show se desenrolar lentamente diante de seus olhos. A vida começa a partir de um ovo chocado dentro do aparelho de som de Byrne enquanto ele oferece a performance mais minimalista de ``Psycho Killer'' de todos os tempos (e nenhuma faixa de áudio pode oferecer os movimentos espasmódicos que ele faz no final da música, como se estivesse sendo espancado repetidamente por um inimigo invisível). A vida continua enquanto Tina se junta a ele no baixo para uma interpretação quase igualmente despojada de ``Heaven''; a vida galopa enquanto Frantz sobe no palco para uma versão curta, mas empolgante, de ``Thank You For Sending Me An Angel''; a vida se torna um padrão familiar de guitarra quando Jerry se junta a David para ``Found A Job'' (novamente, longe da melhor interpretação auditiva — a coda é muito curta e simplificada — mas impossível de desviar o olhar); E então a vida ascende a alturas verdadeiramente climáticas nas três músicas seguintes. As backing vocals, Ednah Holt e Lynn Mabry, sorrindo demonicamente e tocando guitarra imaginária como um espelho de David em "Slippery People"; David e Alex Weir correndo sem parar e detonando as cordas em "Burning Down The House"; e, claro, a aeróbica de Byrne em "Life During Wartime" (e particularmente a dancinha da cobra no segundo verso) — todas essas são imagens icônicas que não podem ser apagadas da memória.

Muitas pessoas se apegaram corretamente a Byrne em suas avaliações originais do filme, mas nem sempre pelo motivo certo — Roger Ebert, por exemplo, simplesmente comentou sobre sua "presença física", dizendo que "ele parece tão feliz por estar vivo e fazendo música", uma descrição que seria mais adequada para, sei lá, Freddie Mercury. Na maior parte do tempo, Byrne está, é claro, nos dando seu ato paranoico — sempre fiel a si mesmo, esta é uma série sobre os desafios do mundo moderno e a reação/adaptação do homem comum a esses desafios. Ele interpreta uma série de personagens diferentes, desde o corredor apavorado em "Life During Wartime" até o intelectual confuso em "Once In A Lifetime" e o socialite desavisado em "Girlfriend Is Better", ele pode até se tornar um pouco hitlerista em "Swamp", mas sempre se resume à mesma questão — que diabos estou fazendo aqui e como diabos devo continuar? Cada gesto, cada inflexão vocal redireciona você para essa pergunta; e embora se possa dizer que David está muito feliz por poder fazê-la, Stop Making Sense é, bem, sobre uma vida que praticamente parou de fazer sentido, e não sobre um tipo de vida feliz e compreensível. O que talvez seja mais um motivo pelo qual o filme — paradoxalmente — faz ainda mais sentido hoje do que nos cinemas em meados de 1984.

Algumas palavras, suponho, ainda devem ser ditas sobre a música. A nova versão 2.1 expandida do Talking Heads (em oposição à versão 2.0 da turnê Remain In Light ) ainda soa brilhante: não importa quanta ênfase seja dada ao visual, o Heads não poderia permitir nada menos do que uma disciplina absolutamente perfeita de todos os músicos. Mas como a maior parte da playlist recai sobre material do Speaking In Tongues (seis de suas nove músicas são tocadas), isso significa que o principal ponto forte do Heads clássico ao vivo, a interação insana de matemática e rock entre David e Jerry, é em grande parte eliminada — aquele pequeno toque de guitarra no final de "Found A Job" é apenas uma reminiscência de como costumava ser. Enquanto isso, o lugar de Belew é ocupado por Alex Weir, um cara legal que se diverte muito e parece ser o melhor amigo do Heads desde sempre, mas não exatamente o mago sonoro futurista do calibre de Adrian. Essa pode ser uma das razões pelas quais o Remain In Light foi tão desprezado com esse setlist — eles ainda conseguem terminar o show com uma versão convincente de ``Crosseyed And Painless'', mas, no geral, a banda dificilmente estava à altura do desafio (além disso, é possível que as aspirações ambiciosamente cósmicas do Remain In Light estivessem um pouco fora do escopo de intenções de David para aquela noite).

Dito isso, como é habitual para os Heads, quase todas as apresentações das músicas de Speaking In Tongues são superiores à versão original de estúdio — mais energia, mais ousadia, mais suor e, sim, o visual: ``Girlfriend Is Better'' ganha uma nova vida com Byrne ligando o piloto automático no terno grande, e ``This Must Be The Place'' apresenta o manuseio mais terno de uma lâmpada elétrica já conhecido pela humanidade, digno de ser consagrado junto com o globo de Charlie Chaplin. A inclusão solitária da trilha sonora solo de Byrne para Catherine Wheel , ``What A Day That Was'', também se encaixa perfeitamente com seu ritmo frenético e contraste entre versos paranoicos e refrãos alegres.

A única coisa que nunca se encaixa de verdade — e tenho quase certeza de que todos sabiam disso desde o início — é o destaque do Tom Tom Club com "Genius Of Love". Não porque a música em si não seja muito boa (tudo bem, eu me acostumei), e não porque as invocações de Frantz a James Brown ainda soem bobas (são só alguns compassos), e nem mesmo porque os passos de dança de Tina sejam comicamente grosseiros (em um momento, ela está agachada como se sofresse de SII grave), mas principalmente porque não tem lugar no meio da visão artística dominante, egoísta, despótica, mas totalmente coesa e coerente de Byrne. Certamente lhe dá tempo suficiente para vestir o terno grande, mas não tenho certeza se realmente precisávamos de um lembrete tão forte de por que a música do Talking Heads é genial, enquanto o Tom Tom Club é uma piada cativante de uma só vez. Isso quebra um pouco o clima, e sempre fico tentado a pular a faixa, não importa se é só o áudio ou o filme em si.

Quando chegamos ao final da parte principal do show com "Take Me To The River", a música realmente conquistou seu poder purificador — agora se tornou o último ato da confissão pessoal de David Byrne, uma prece por salvação e redenção cuja aparição no catálogo do Talking Heads agora parece um ato da Providência, em vez de um acidente estranho e inexplicável. A banda expandida, com todos os artistas afro-americanos no palco, fornece uma autêntica interpretação gospel-soul, mas não transforma a música novamente em um cover de Al Green, porque Byrne ainda usa o Big Suit nos ombros e nas cordas vocais; ele ainda é o mesmo velho morador nervoso da cidade grande, para quem o ato de ser levado ao rio e jogado na água significa algo radicalmente diferente do que costumava significar para o filho negro de um meeiro do Arkansas. Seja o que for, é a conclusão perfeita para um show perfeito, onde tantos homens e mulheres talentosos, cada um com sua própria identidade, se unem para completar a personalidade fragmentada de um gênio criativo.

Concluindo, só posso repetir que, para mim, Stop Making Sense (o filme) simboliza tudo o que pode ser emocionante, envolvente e profundamente significativo na arte moderna (um pouco irônico, claro, chamar uma performance de 35 anos de "arte moderna", mas acho que estamos presos ao termo para sempre). A melhor coisa sobre isso é que você pode evitar pensar demais e simplesmente dançar como um louco acompanhando tudo o que está acontecendo, entregando-se à emoção sem pensar duas vezes; ou você pode realmente sentar e assistir, absorvendo cada quadro dourado do filme e criando sua própria interpretação do que tudo isso supostamente significa — interpretação que fará sentido, não importa o quanto o título tente convencê-lo do contrário. A única coisa que realmente deixou de fazer sentido para mim desde que comprei o DVD (ou, pelo menos, o acesso permanente ao YouTube) foi ouvir o álbum de áudio sem a imagem que o acompanha... embora eu acredite que já tenha memorizado a maioria dos quadros.

RINGO STARR: RINGOʼS ROTOGRAVURE (1976)

 

1) A Dose Of RockʼnʼRoll; 2) Hey Baby; 3) Pure Gold; 4) Cryinʼ; 5) You Donʼt Know Me At All; 6) Cookinʼ (In The Kitchen Of Love); 7) Iʼll Still Love You; 8) This Be Called A Song; 9) Las Brisas; 10) Lady Gaye; 11) Spooky Weirdness.

Veredito geral: As rachaduras estão claramente aparentes, mas ainda é uma aplicação decente da fórmula clássica de Ringo de meados dos anos 70 — uma última tentativa de decência antes da crise.

A última entrada na trilogia "With A Little Help From My Ex-Bandmates" de Ringo foi, sem muita surpresa, a mais fraca. Paul estava ocupado em turnê com os Wings e se esforçando para destronar o Led Zeppelin de seu pedestal de "reis do jato"; George estava ocupado emburrado, litigando e, no geral, tendo o pior momento de sua vida; e John acabara de anunciar sua aposentadoria definitiva da música. No meio de tudo isso, o próprio Ringo estava longe de estar em boa forma, já que a maior parte de seu tempo livre naquele período era gasto colaborando com Keith Moon em várias maneiras de destruir o próprio organismo. E o álbum, produzido para um novo contrato com a Atlantic Records, seria feito na hora, na rica Los Angeles, sob a supervisão de Arif Mardin, que acabara de se tornar um grande nome ao produzir os primeiros sucessos disco dos Bee Gees.

Juntos, todos esses fatores poderiam resultar em uma das experiências mais terríveis de todos os tempos, ou, por alguma curiosa coincidência, em um daqueles fascinantes desastres que são extremamente interessantes de se vivenciar, já que transmitem um estado de espírito particularmente perturbado em um determinado período. Rotogravure, de Ringo , no entanto, não é nenhuma das duas coisas. Na verdade, é decepcionante em grande parte por ser tão medíocre — suave, passável, ocasionalmente cativante, quase sem destaques e pouquíssimos constrangimentos diretos. Vários relatos nos contam como a vida dos bateristas britânicos podia ser selvagem em Los Angeles em meados dos anos 70, mas você não tem nenhum vislumbre disso aqui: você tem alguns no álbum solo de Keith Moon, que saiu um pouco antes, mas Ringo era muito tímido em comparação. Você pode gostar ou odiar este disco, mas pode ter certeza de que ele lhe dirá muito pouco sobre o verdadeiro estado de espírito de Ringo em meados de 76.

Provavelmente a música mais agradável do álbum não tem nada a ver com John, Paul ou George: é a faixa de abertura, "A Dose Of Rock'n'Roll", com a contribuição do pouco conhecido compositor australiano Carl Groszman. Contendo não um, mas dois começos enganosos, leva vinte e cinco segundos para se acomodar em seu ritmo preguiçoso, despreocupado e amigável de andamento médio, e apenas mais alguns para colocar as cartas na mesa: "se sua mãe não se sentir bem / se seu pai não se sentir bem / tome uma dose de rock'n'roll / e lave-a com uma alma fresca e límpida". Embora eu não tenha certeza se a mensagem deva ser levada ao pé da letra e se a receita poderia realmente ajudar seus pais em seus leitos de morte, o charme simples do refrão cativante é impossível de resistir, e tenho certeza de que ajudou a melhorar meu humor um pouquinho algumas vezes. (Junte dois mais dois e você verá como isso provavelmente melhorou o humor de Ringo na época — não que eu esteja insinuando que você pode realmente ver um homem desesperado por trás do sorriso sem usar ativamente sua imaginação, mas não há mal nenhum em inventar um pouco de tragicidade para apimentar um disco de Ringo Starr).

Quanto aos antigos companheiros de banda, há sinais de relaxamento. Paul realmente trabalhou com Ringo na faixa de apoio para `Pure Goldʼ (com Linda cantando backing vocals), mas a música simplesmente funciona sobre a velha progressão doo-wop com um toque cômico ligeiramente chamativo — ao contrário de `Six OʼClockʼ, uma música com traços claros da genialidade pop de McCartney, `Pure Goldʼ é mais uma homenagem aos anos 50 que traz de volta a imagem antiquada de Ringo em vez de tentar adaptá-lo aos tempos modernos. ``Cookinʼ (In The Kitchen Of Love)ʼ de John é melhor, uma pequena brincadeira pop divertida que seria a última contribuição de John para o mundo da música até 1980 — mas, curiosamente, já mostra um pouco daquele espírito relaxado, pacificado e à vontade com o mundo que definiria o som de Double Fantasy ; aparentemente, voltar com Yoko e amamentar o bebê Sean teve um impacto bem rápido no homem, ou talvez sempre tenha sido assim para ele na presença de Ringo (talvez se eles tivessem se mudado juntos em 1975, teríamos Triple Fantasy quatro anos antes?).

A história mais estranha diz respeito a "I'll Still Love You", de George, uma música que, na verdade, remonta às sessões de All Things Must Pass e que George originalmente pretendia para Shirley Bassey e depois doou para Cilla Black. Aparentemente, como George não conseguiu criar material novo para Ringo e Ringo era um velho fã da música, eles decidiram tentar. A tentativa foi nobre, e há até um trabalho de guitarra fabuloso do músico de estúdio Lon Van Eaton, tão merecido quanto qualquer coisa que George e Eric fizeram em All Things Must Pass — a má notícia é, claro, que Ringo corajosamente falha no teste de capturar o espírito partido de George, e seu "I'll still love you!" ao final de cada verso é trivial; compare esta versão com a demo original, muito pior produzida, das sessões de 1970, e você verá claramente o que distingue um grande cantor e compositor de uma performance medíocre no nível de um showtune. Simplificando, este não é Ringo em seu verdadeiro emprego — e certamente não estou insinuando que o homem não pudesse sentir dor e tortura espiritual; ele simplesmente não tinha os meios para nos fazer sentir essa sensação. Ele sabia o que isso significava, só não conseguia explicar.

Todo o resto do álbum varia de "razoável" a "razoável". "This Be Called A Song", de Clapton, captura Eric no auge de seu período reggae-country-soft-rock e, previsivelmente, soa como uma versão de There's One In Every Crowd — levemente cativante, profissional, totalmente sem graça. As próprias canções de Ringo abrangem baladas country à moda antiga ("Cryin"), música mariachi mexicana cafona ("Las Brisas") e pop direto que abusa ao máximo de seu refrão repetitivo ("Lady Gaye"). Eu acolho essa diversidade, mas ela não transforma exatamente o disco em um Álbum Branco — embora, de uma forma engraçada, ele tenha seu próprio e breve equivalente a uma ``Revolution No. 9'': o último minuto e meio é dedicado a ``Spooky Weirdness'', uma mistura de vandalismo musical falso e assustador e narrações bregas e assustadoras que podem sugerir uma influência de Welcome To My Nightmare , talvez colocada em um toca-discos durante uma das bebedeiras da Equipe Ringo em um dos clubes locais de Los Angeles. É uma reviravolta totalmente inocente, mas, por outro lado, não costumamos ver reviravoltas de qualquer tipo nos discos de Ringo Starr — além disso, sua bagunça boba pode ser bem simbólica.

O disco foi seriamente criticado após o lançamento, e seu fracasso comercial e a reação da crítica levaram Ringo a abandonar a fórmula e tentar algo novo para seus próximos dois álbuns - mas, em retrospecto, é muito melhor do que qualquer coisa que se seguiu, e a reação em si foi mais devido à mudança dos tempos do que à diminuição da qualidade; com certeza, Rotogravure arrasa muito menos que Ringo , mas não é só por causa de Ringo - é porque a estética glam-rock que Ringo conduziu tão bem estava se tornando obsoleta. É curioso, na verdade, que o papel de Arif Mardin no som do álbum tenha se mostrado puramente passivo: não há garantia alguma de que Ringo pudesse ser feito para produzir singles de discoteca divertidos com a mesma paixão que ele tinha por singles no estilo T. Rex, mas o próprio fato de que isso nem mesmo foi tentado é bastante revelador da situação geral. Agora que não estamos mais em 1976, a Rotogravura pode ser apreciada um pouco mais aberta e livremente fora daquele contexto — mas, claro, ainda está longe dos padrões do «pop simplista fabuloso».

DAVID BYRNE: THE KNEE PLAYS (1985)

 

1) Tree (Today Is An Important Occasion); 2) In The Upper Room; 3) The Sound Of Business; 4) Social Studies; 5) (The Gift Of Sound) Where The Sun Never Goes Down; 6) Theadora Is Dozing; 7) Admiral Perry; 8) I Bid You Goodnight; 9) Things To Do (I've Tried); 10) Winter; 11) Jungle Book; 12) In The Future; 13*) Tree (reprise); 14*) (I've Tried) Things To Do; 15*) Tic Toc 2 (In The Future); 16*) Whisper; 17*) Misterias; 18*) Faust Dance; 19*) Ghost; 20*) Super Natural.

 Veredito geral: Se você curte uma breve história da música popular americana na forma de trios de sax-trompete-trombone, este é um ótimo álbum. Se não, ainda é um álbum de David Byrne.

Este foi um (sub)projeto muito interessante que, infelizmente, não proporciona um entretenimento verdadeiramente excepcional — mas vale a pena ouvir pelo menos uma vez. Ainda sem estar pronto para um álbum solo de verdade, David passou parte de 1984 trabalhando para o diretor Robert Wilson, criando uma série de interlúdios musicais para sua ópera gigantesca, The CIVIL WARS (espero ter escrito tudo corretamente em letras maiúsculas). Ao fazê-lo, ele teve que corresponder ao potencial de gigantes da vanguarda como Philip Glass e Gavin Bryars, o que pode ser a razão pela qual a ideia original de Wilson era que as peças de Byrne servissem como elos («jogadas de joelho») entre os temas principais. No final das contas, no entanto, como a ópera nunca foi apresentada na íntegra (nem mesmo totalmente concluída, aliás), The Knee Plays estreou sozinha, como uma peça independente, em abril de 1984, e foi lançada como um LP no ano seguinte (intitulado Music For The Knee Plays e apresentando um conjunto ligeiramente abreviado; em 2007, Byrne finalmente lançou tudo em CD, adicionando mais oito faixas bônus e simplesmente chamando-a de The Knee Plays ).

Embora a ópera supostamente tivesse algo a ver com a Guerra Civil Americana, não há qualquer indício da Guerra Civil na música — ou, aliás, no programa de dança que deveria acompanhar, amplamente influenciado pelo teatro tradicional japonês e apresentando nove dançarinos em aventais brancos de médico. Dito isso, a música é definitivamente americana por natureza, com as bandas de metais de Nova Orleans sendo consideradas a principal influência, e as melodias abrangendo jazz, blues, bandas marciais e até mesmo o território doo-wop. Claramente, a característica mais incomum é que, percussão à parte, toda a música é fornecida apenas por instrumentos de sopro — nada menos que dezesseis músicos são creditados pelas partes de saxofone, trompete e trombone (felizmente, nem todos estão tocando ao mesmo tempo), enquanto Byrne ou se mantém em silêncio ou recita, em vez de cantar, suas letras acompanhando as melodias. Sim, o efeito é precisamente tão esquizofrênico quanto parece.

Com toda a honestidade, suspeito que Byrne aceitou esse desafio intencionalmente para fazer o álbum menos parecido com o Talking Heads imaginável — embora, para ter um sucesso ainda maior, ele deveria ter convidado Bob Dylan para os vocais principais (o que, na verdade, não é uma ideia maluca), e deveria ter incluído mais faixas como ``Things To Do (I've Tried)'', aparentemente um número espiritual tradicional rearranjado para a banda de metais de Byrne, o que significa que a maioria das outras músicas ainda é muito fragmentada e irregular, no melhor das tradições do Talking Heads. Dito isso, ainda é um banho de água fria perfeito depois da experiência maratona de Stop Making Sense — e, ouso dizer, não é o banho de água fria mais agradável, nem mesmo o mais compreensível, do mundo.

Indiscutivelmente a faixa mais memorável do álbum, senão a única, é a última entrada do LP original — "In The Future". Como a maioria dos números vocais, sua estrutura musical é elementar (duas ou três frases de metais muito simples da linguagem jazz-pop se sobrepondo), e a ênfase está em Byrne enquanto ele estabelece uma previsão após a outra — "no futuro, todos terão o mesmo corte de cabelo e as mesmas roupas", "no futuro, todos estarão muito magros por não terem o suficiente para comer", "no futuro, será quase impossível distinguir meninas de meninos, mesmo na cama"... O mais hilário nessa entrega inexpressiva, é claro, é que ele parece estar reunindo todos os prognósticos possíveis — otimista, pessimista, idealista, cínico, tecnófilo, apocalíptico — o que é natural para seu personagem no palco, que sofre de transtornos de personalidade, divisões, paranoia e indecisão paralisante... espere, não, isso não é o mais hilário. O mais hilário é que, até agora, de todas essas previsões, apenas uma — a última a ser dita — se concretizou: "No futuro, haverá tanta coisa acontecendo que ninguém conseguirá acompanhar".

Além dessa performance particularmente marcante, The Knee Plays é, na verdade, tudo sobre a atmosfera estranha. ``Tree (Today Is An Important Occasion)'' introduz os procedimentos com uma melodia de três notas que é parte fanfarra real, parte cerimônia fúnebre de Nova Orleans, e tudo o que se segue soa como uma banda de pequenos soldadinhos de chumbo com instrumentos de sopro, todos puxados pelas sutis cordas invisíveis de Byrne. Eles não estão tocando nada particularmente desafiador: as melodias são realmente bastante tradicionais, às vezes chegando ao ponto de mergulhar no folclore búlgaro (`Theadora Is Dozing') ou no exótico estilo Les Baxter (`Jungle Book'), mas mais frequentemente permanecendo dentro dos limites seguros do jazz-pop. A estranheza vem da proibição de todos os instrumentos, exceto os de sopro, e das narrações ocasionais (e sempre mentalmente desconexas) de Byrne.

Cabe ao amante da arte decidir se essa abordagem "sem groove" à produção musical, vinda de um dos melhores criadores de groove da história do pop, é aceitável ou não. Na minha opinião, o valor dessas peças é mais intelectual e simbólico, e elas devem ser avaliadas no mesmo nível das instalações de arte moderna; além disso, sinto que pode haver um sério desperdício de talento aqui (a maioria das faixas é minimalista demais para justificar a presença de tantos músicos de jazz profissionais). Mas pelo menos o álbum definitivamente merece ser ouvido, mesmo porque soa como nada jamais gravado — pelo menos não por um artista pop. E isso deixa bastante espaço para suas interpretações e associações pessoais.

MY BLOODY VALENTINE: EPʼs 1988-1991 (2012)

 

CD I: 1) You Made Me Realise; 2) Slow; 3) Thorn; 4) Cigarette In Your Bed; 5) Drive It All Over Me; 6) Feed Me With Your Kiss; 7) I Believe; 8) Emptiness Inside; 9) I Need No Trust; 10) Soon; 11) Glider; 12) Donʼt Ask Me Why; 13) Off Your Face.

CD II: 1) To Here Knows When; 2) Swallow; 3) Honey Power; 4) Moon Song; 5) Instrumental #2; 6) Instrumental #1; 7) Glider (full length); 8) Sugar; 9) Angel; 10) Good For You; 11) How Do You Do It.

Veredito geral: Uma coleção essencial para os fãs da banda, uma peça educacional interessante para aqueles admiradores casuais que se perguntam se existe vida além de Loveless .

Como o MBV só conseguiu lançar dois álbuns completos em seu auge, é razoável prestar atenção também aos seus produtos mais curtos — de certa forma, pode-se argumentar que singles e EPs eram uma maneira mais natural, ou pelo menos menos dolorosa, de expressar a visão de Kevin Shields. Já que alocar uma única resenha para cada EP seria um exagero (especialmente porque as músicas-título de seus EPs frequentemente acabavam em LPs de qualquer maneira), esta coletânea em particular, lançada em 2012, é muito útil: ela reúne todos os EPs que a banda lançou do ano de Isnʼt Anything até o ano de Loveless , além de um punhado de faixas raras e inéditas para justificar a presença de dois CDs.

Com exceção de uma música em particular (da qual falaremos um pouco mais adiante), os discos oferecem pouca revelação, mas para aqueles que precisam urgentemente de uma dose extra de MBV, tudo isso é essencial e uma audição auspiciosa. Pode-se dizer que os quatro EPs reunidos aqui representam duas épocas distintas na evolução do som do MBV, com cada par subdividido em duas "subépocas" menos distintas, mas ainda sutilmente variadas; e embora eu não possa me considerar um verdadeiro fã da banda em seu período pré- Loveless , sua evolução gradual, natural e inspiradora é fascinante de se observar, desde suas humildes fundações até o auge glorioso.

No primeiro EP, You Made Me Realise , eles ainda são uma banda indie de noise-rock com valores de produção lo-fi. A faixa-título se tornou famosa no mundo underground por causa de sua «seção holocausto» (o acorde final distorcido que seria colocado em loop infinito e tocado como um estrondo incessante por até dez minutos), mas a curta versão de estúdio é apenas um psicodélico-grunge rocker acelerado com harmonias vocais de falsete psicodélico — nada particularmente ótimo, e nada que o Sonic Youth não pudesse ter tocado dormindo. As outras quatro músicas tendem a ser mais lentas, com partes de violão acústico mais pronunciadas (ʽThornʼ) e vocais femininos suaves de somno-folk (ʽCigarette In Your Bedʼ), mas valores de produção ruins, infelizmente, diminuem o potencial melódico até mesmo de músicas tão bem elaboradas como ʽDrive It All Over Meʼ; neste ponto eles ainda não estão nem perto do nível de brilhantismo sonoro do Loveless , mas também não são capazes de trazer à tona toda a beleza de suas guitarras e vocais sem os efeitos psicodélicos.

Feed Me With Your Kiss , começando com a faixa-título que também entraria em Isnʼt Anything , já é uma grande melhoria em termos de produção, embora não verdadeiramente em termos de criatividade. A melodia brutal e penetrante de `Feed Me With Your Kissʼ, pensando bem, é quase como uma variação de ``You Made Me Realiseʼ (pense em um ``All Day And All Of The Nightʼ para um ``You Really Got Meʼ), mas soa mais limpo, com um som de bateria muito melhor, guitarras muito mais grossas e pesadas, e uma impressão geral de que poderia ter sido produzido em uma caverna em vez de um banheiro. Dito isso, as outras três músicas não são nada de especial: "I Need No Trust", em particular, busca um efeito suavemente calmante com seu ritmo de valsa arpejada e chorosa, mas acaba soando como algo entre um Syd Barrett completamente chapado e um Jeff Mangum completamente alucinado, só que mais desorganizado e sibilante do que qualquer um desses dois. Eu realmente não acho que My Bloody Valentine fosse feito para esse tipo de "folk chapado".

Pule cerca de um ano e meio para a frente, porém, e você terá o que é indiscutivelmente o momento mais importante na história do MBV: o EP Soon , apresentando ao mundo seu primeiro gosto do som de Loveless . Você já sabe tudo o que há para saber sobre `Soonʼ, a música, mas tão importante e ainda mais alucinante é ``Gliderʼ'', uma demonstração totalmente instrumental da nova técnica de tocar guitarra de Kevin — três minutos do que soa como uma manada de elefantes geneticamente modificados envolvidos na orgia mais selvagem da Terra. E se você acha que três minutos disso é demais para os ouvidos, que tal dez minutos — na versão completa da música, anexada como uma das faixas bônus no segundo CD? Com ​​toda a honestidade, eu nunca ouvi essa até o final (felizmente, nenhum dos prisioneiros de Guantánamo ouviu, porque o pessoal da CIA nunca consegue realmente inventar nada mais criativo do que o bom e velho black metal). Mas alguns minutos desse som, talvez a essência mais pura do som MBV já destilada, são indispensáveis ​​para quem ainda não está convencido de que as pessoas nos anos 90 ainda conseguiam fazer o tipo de inovação sonora que deixava qualquer um de queixo caído.

O melhor vem por último: Tremolo , o último dos quatro EPs, foi lançado com a banda já em modo Loveless completo . `To Here Knows Whenʼ foi a faixa principal, que mais tarde seria incluída no próprio Loveless ; é ótima, mas quase tão ótima é `Swallowʼ, uma «valentinização» de uma faixa sampleada de dança do ventre turca (psicodelia oriental!). E `Honey Powerʼ e `Moon Songʼ são duas outras composições fortes de qualidade Loveless — a primeira agora usando aquele som de «orgia de elefante» em apoio a uma melodia vocal cativante e adorável, e a última nos retornando ao território stoner-folk de `I Need No Trustʼ, mas agora com uma produção muito melhorada, já que as ondas constantes e distorcidas da guitarra elétrica evocam muito mais majestade do que três anos antes.

As faixas bônus não são extasiantes; mas três músicas inéditas são sólidas, se não particularmente memoráveis, indie rock (não tenho certeza da época exata da gravação, mas elas claramente são anteriores à era Loveless ), e ``Instrumental #2'' é um caso raro da banda experimentando ritmos minimalistas de drum'n'bass e overdubs vocais ecoantes, criando um pouco de música «ambient-dance»; aparentemente, a tendência não pegou, mas é interessante vê-los tentar algo que não envolva um monte de som de guitarra ácida — assim como é, acima de tudo, interessante testemunhar a banda evoluir e atingir seu auge em pouco mais de uma hora. No geral, a coleção dificilmente o converterá se você ainda não for fã, mas se você for , não tê-la é como não possuir os Past Masters dos Beatles 

LENY EVERSONG & ORQUESTRA DA TV RECORD - LÁ VEM O BLOCO (EP 1966)

Um álbum da cantora brasileira Leny Eversong para postar um disco compacto simples, lançado no Brasil, em 1966, pela gravadora Rozenblit, com selo AU - Artistas Unidos.

O compacto contém as seguintes músicas:

Lado A:
01. Lá Vem o Bloco (Composição de Carlos Lyra - Gianfrancesco Guarnieri);

Lado B:
02. Anoiteceu (Composição de Vinicius de Moraes - Francis Hime).

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AQUARIUS BAND - MI VIEJO (EP 1970)

 

Era um grupo musical da cidade de Curitiba, Paraná que se apresentava em muitos dos bailes da época, nos anos 1970 a 1980, principalmente na região sul do Brasil. Posteriormente, com nova formação continuou se apresentando shows em clubes e restaurantes destacados na região.

Originalmente sua formação era composta por Paulo Chaves (ex Sam Jazz Quintet), posteriormente Luizinho (vocal), Dino (guitarra), Cuco (baixo) e Maurici (bateria). Gravaram 4 discos em long play e vários compactos, sendo dois em 1970, um em 1971 e o último em 1978.

A lista do disco contém as seguintes canções:

Lado A:

01. Mi viejo;

Lado B:

02. Para nós dois (Yester-me, yester-you, yesterday) .

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'60s Brit Invasion Pop Rock: Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich - Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich 1966

 

Embora o sucesso de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich tenha sido nominal nos Estados Unidos, eles se saíram significativamente melhor em toda a Europa. Dave "Dee" Harman (guitarra/vocal), Trevor "Dozy" Davies (baixo), John "Beaky" Diamond (guitarra base), Michael "Mick" Wilson (bateria) e Ian "Tich" Amey (guitarra solo) formavam uma unidade instrumentalmente independente.

Com uma propensão para tendências pop agressivas que se mantiveram vibrantes e cativantes, ao mesmo tempo em que flertavam com as cenas underground freakbeat e mod rock. Essa distinção pode ser ouvida entre os ritmos pulsantes de "Hold Tight", "No More Love" e "We Got a Good Thing Goin'" — que evocam o som inconfundível do Dave Clark Five.

 "Frustration", "Hard to Love You" e "All I Want to Do" estão entre os rockers de destaque, com uma pegada e impacto sonoro notavelmente mais ousados. Isso é complementado estilisticamente pela balada igualmente comovente de "Here's a Heart" e pela emotiva "Something I Gotta Tell You". [No entanto, o legado gravado de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich é apenas parcialmente representado por seu LP.]

Em muitos (senão na maioria) dos casos, os lançamentos de singles de 7" ostentavam mixagens ou músicas consideravelmente diferentes que, de outra forma, não estariam disponíveis nos discos de 12". Os fãs da banda devem ficar atentos à reedição de 2003 de "First Album", que traz nada menos que uma dúzia de faixas bônus, compostas principalmente por faixas de 45 polegadas e edições alternativas. (Lindsay Planer, allmusic.com)

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Canadian Pop Star TerryJacks' first (recording) Band: The Chessmen - The Chessmen Collection 1964-1966

 

Lembrado principalmente como a primeira banda de Terry Jacks, este conjunto de Vancouver, Colúmbia Britânica, gravou quatro singles durante sua breve carreira (1963-66). Seus membros principais incluíam Guy Sobell (guitarrista e fundador) e Bruce Peterson (acordeão elétrico); com vários bateristas e baixistas (como Bill Lockie, Al Wiertz, Miles Kingan e Larry Borisoff) passando pela porta giratória da seção rítmica.

Autodenominando-se "O Quarteto do Rock Moderno", eles começaram como instrumentistas de fraternidades, mas rapidamente progrediram para o pop mainstream. Seu primeiro 45, "Meadowlands" b/w "Mustang" (Londres 17334), foi uma releitura inspirada de (adivinhem só!) uma antiga canção folclórica russa, e destacou a palhetada ultrarrápida de Sobell.

"The Way You Fell" b/w "She Comes By Night" (Londres 17340) estreou os vocais suaves e melosos de Jacks e alcançou o segundo lugar nas paradas locais. O lado A evoca o Grassroots ou o Cascades, enquanto o outro lado é um estranho canto fúnebre de grave-rock. Ainda assim, ambas as faixas demonstram o crescente talento de Jacks como compositor (felizmente, pois a banda achou seu trabalho de guitarra base péssimo e considerou dispensá-lo!).

Apesar da veiculação nas rádios americanas de Chicago e do Centro-Oeste, mais dois álbuns de 45 minutos foram recebidos com indiferença geral e, em 1966, os Chessmen se aposentaram do conselho. Jacks, que se filiou brevemente à Família Poppy, mais tarde alcançou a fama como autor da memoravelmente sentimental "Seasons In The Sun". "Meadowlands", dos Chessmen, ressurgiu em "History Of Vancouver Rock, Volume 1" (Vancouver Record Collectors' Association VRCA 003, 1987), e ambos os lados do segundo single do grupo apareceram em "History Of Vancouver Rock, Volume 2" (Vancouver Record Collectors' Association VRCA 002, 1985). (Stansted Montfichet, allmusic.com)

Já nessas gravações você pode ouvir o talento distinto de Terry Jack para escrever boas canções pop e deixar a guitarra base para outra pessoa no estúdio,

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British Psychedelic Pop/Freakbeat: The Tremeloes - What a State I'm In -The Psych-Pop Sessions

 

Este é um CD de compilação deliciosamente estranho, até mesmo revelador, uma amostra da música dos Tremeloes dedicada exclusivamente nem a sucessos nem a raridades. Em vez disso, os produtores selecionaram os lados mais estranhos e incomuns da banda em quatro anos de sessões, com ênfase em sons psicodélicos, que vão do pop psicodélico beatlesiano de "Willow Tree" até "Hard Time", dissonante, cheio de feedback, pedal de volume e fuzz box (que por si só já valerá o preço do ingresso para os fãs da guitarra de Rick West).

Entre esses dois polos, há um grande punhado de faixas que se qualificariam como clássicos descarados do freakbeat, começando com o lado B de 1966, "What a State I'm In", que oferece ganchos pop, guitarras alucinantes, um refrão cativante e uma atitude punk sarcástica digna do Creation ou até mesmo do The Who. E por falar em The Who, "Let Your Hair Hang Down" oferece Dave Munden tocando tão parecido com Keith Moon quanto qualquer um já conseguiu, além de preencher o ambiente com um refrão espacial. E, embora mencionemos os colegas de Pete Townshend, a faixa seguinte, o single número dois nas paradas britânicas, intitulado "(Call Me) Number One", soa como uma continuação mais espacial de "Something in the Air", do Thunderclap Newman. O hino juvenil "Gentlemen of Pleausure" (surpreendentemente, o lado B de "There Goes My Baby"), repleto de energia elétrica e 12 cordas, pertencia a um filme sobre a cena psicodélica da agitada Londres, enquanto "Shake Hands (And Come Out Crying)" é uma adaptação freakbeat estranha do riff central de "Feel a Whole Lot Better" dos Byrds (que, por sua vez, foi retirado da versão de "Needles and Pins" dos Searchers). 

Praticamente a única faixa que não se encaixa nesse contexto é "Be Mine", que tem um viés pop exagerado. A masterização é impecável, com resolução de última geração e volume alto, e as anotações são muito completas, embora repletas de erros de digitação estranhos que levam a crer que não foram editadas. (Bruce Eder, allmusic.com)

Definitivamente a melhor coleção dos Tremeloes. E provavelmente seria o melhor álbum dos Tremeloes, se fosse um... além do talvez menos conhecido álbum da trilha sonora "May Morning", dos Tremeloes, para o filme italiano de 1970 "Alba Pagana", com Jane Birkin. Aproveite! (Frank)

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