Zevious - Passing Through The Wall (2013)

 

Continuamos com os álbuns (quase) desconhecidos e altamente recomendados. A capa já avisa: nada de cores, nada de sorrisos. Vamos falar do excelente e melhor álbum (pelo menos por enquanto) de uma banda de Avant-Prog, Math Rock e Brutal Prog. Este é o terceiro álbum na discografia deste trio brutal e poderoso, e se encaixa perfeitamente naquela bela categoria de música que você ama ou odeia, sem meio-termo. Pessoalmente, é um dos meus tipos de música favoritos: desafiador, complexo, feroz, visceral, cheio de polirritmias, mudanças, improvisações controladas, e o resultado é um trio que soa como se Don Caballero, King Crimson (da era 1975) e Voivod tivessem se cruzado em uma festa pós-show para músicos de math rock malucos e perigosos. Atenção, este álbum não é para todos e se encaixa nas águas turvas do que chamamos de "música para amar ou odiar, sem meio-termo". É o momento perfeito para quebrar a cabeça neste fim de semana. 

Artista:  Zevious
Álbum:  Passing Through The Wall
Ano:  2013
Gênero:  RIO / Avant-Prog / Math rock / Brutal prog
Duração:  48:44
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  EUA

Zevious é aquele trio nova-iorquino que, se você os encontrar na rua, provavelmente vai te lançar um olhar do tipo "eu sei mais do que você". Formada pelos primos Jeff e Mike Eber (bateria e guitarra, respectivamente) e pelo baixista Johnny DeBlase, a banda começou como um experimento de jazz em 2006, mas eles logo se cansaram do swing e partiram para a guitarra elétrica. Mike trocou seu contrabaixo por uma Telecaster afiada, e DeBlase se mudou para uma nova cidade, trocou de instrumento e mudou de atitude.

Parece música construtivista soviética dos anos 1920 com a guitarra de Fripp sobreposta. Que música fantástica. Obrigado por me deixar descobrir essa preciosidade.

Fabián Fini na página do Facebook do blog Cabeza.

 

Após dois álbuns e diversas turnês, o Zevious chegou a "Passing Through The Wall" com a ideia fixa de hipnotizar o ouvinte com padrões polirrítmicos, melodias que desafiam a lógica e estruturas diabólicas. O objetivo, segundo eles, é induzir um estado de transe, e eles conseguem: este álbum é uma parede de som que te desafia a rompê-la, mesmo que isso signifique bater a cabeça contra ela. Mike Eber explica assim:

 

“Em cada música, exploramos um conceito específico, e neste álbum arriscamos com camadas de tempo. Às vezes, cada um de nós toca em uma fórmula de compasso diferente e, como se isso não bastasse, adicionamos mais uma por cima.”

 

Matemática para criar um som impossível, porém impecável, capturado por uma produção cristalina tão nítida que você quase consegue ouvir o suor escorrendo dos instrumentos. São 48 minutos de música instrumental feroz e concisa, com a dose certa de agressividade para fazer seu vizinho pedir para você abaixar o volume ou se mudar. Ou chamar a polícia, se nenhuma dessas opções funcionar.

 

A própria capa avisa: nada de cores, nada de sorrisos. Preto e branco, austero, porque acho que está nos dizendo: "Aqui não há diversão, mas há rigor intelectual". Este é rock instrumental, mas com uma pegada de math rock. É um álbum fácil? Não. É um álbum amigável? Menos ainda. Não há desenvolvimento linear aqui, nem melodias cativantes. Há repetições, dissonâncias e uma bateria que parece estar lutando contra a guitarra em um círculo de ritmos cruzados. Mas se você se atrever a se aventurar no deserto congelado de Zevious , encontrará detalhes e atmosferas que não existem em nenhum outro lugar. 

E para explicar um pouco do que se trata tudo isso, temos nosso comentarista involuntário de sempre, que nos conta o seguinte sobre este pequeno e fantástico projeto...

Atravessando Paredes com Zevious e seu Poderoso Som Progressivo:
Hoje, voltamos nossa atenção para o ZEVIOUS e seu novo álbum, “Passing Through The Wall”. Este power trio americano de Nova York ostenta um som progressivo com influências de jazz-rock e psicodelia, compartilhando muitas afinidades com ATTENTION DEFICIT, XAAL, BOZZIO LEVIN STEVENS e, claro, o clássico King Crimson. A ideia de formar um grupo surgiu em 1999, quando o guitarrista Mike Eber e o baixista Johnny DeBlase se conheceram na Pensilvânia, ainda no ensino médio. Ao longo dos anos, após se estabelecerem em Nova York e receberem a companhia do primo de Mike, o baterista Jeff, o trio foi formalmente estabelecido com a missão de criar música vigorosa e experimental que mescla rock e jazz dentro de uma estrutura sonora distintamente progressiva, com expansões adicionais inspiradas por math rock e prog metal. Após um álbum de estreia em 2008, onde o trio enfatizou a instrumentação acústica, e um álbum mais explicitamente eletrizante lançado um ano depois, intitulado “After The Air Raid”, é justo dizer que o ZEVIOUS já havia estabelecido completamente sua identidade musical. Agora, com “Passing Through The Wall”, temos um testemunho da maturidade e robustez de sua visão musical: vamos analisar o repertório do álbum em detalhes.
'Attend To Your Configuration' abre o álbum com uma arquitetura de cadências requintadamente vigorosa: em apenas 2 minutos e 45 segundos, o trio oferece uma aula magistral de como lidar com síncope e polirritmia para completar uma paisagem musical suntuosamente densa. 'Was Solls' vem a seguir, oferecendo mais do mesmo, enquanto adiciona elementos de King Crimson e math rock. Enquanto isso, 'Pantocyclus' se inclina mais diretamente para o padrão do math rock com um filtro psicodélico decididamente pesado. Até agora, temos uma sequência de 13 minutos caracterizada por um dinamismo sofisticado, onde a extroversão exuberante e a tensão intensa se fundem em um som compacto que preenche os espaços com imensa facilidade. 'White Minus Red' é essencialmente um retorno entusiasmado à tensão polirrítmica de 'Attend To Your Configuration', mas com maior expansividade (é a segunda faixa mais longa do álbum, com quase 7 minutos), o que significa que o trio agora pode explorar atmosferas neuróticas com mais ênfase. Jeff Eber é um baterista que nunca deixa de brilhar, mas é justo mencionar sua performance brutalmente precisa em 'White Minus Red' – verdadeiramente impressionante! 'Crime Of Separate Action' é outra faixa relativamente longa, na qual a banda tece uma sequência fabulosa de riffs e várias cadências.
'Entanglement' revela uma curiosa mistura de psicodelia quase punk e math rock à la HELLA: o vigor ludicamente dadaísta da faixa representa um clímax frenético de rock dentro do repertório geral do álbum. 'A Tiller In The Tempest' revisita um território explorado anteriormente em 'Was Solls', mas com uma aura de elegância ligeiramente mais pronunciada, enquanto a faixa-título prioriza um groove jazz-rock para focar em um tema baseado em uma simplicidade eficaz. Nunca deixa de nos surpreender como esses três músicos conseguem fundir suas mentes individuais em uma inteligência musical tão intrincada. 'This Could Be The End Of The Line' apresenta diversas semelhanças com 'Attend To Your Configuration', o que é bastante apropriado para antecipar a conclusão iminente do álbum. De fato, os oito minutos finais de “Passing Through The Wall” são ocupados por “Playing The Cold Trade”, uma faixa que se insinua no território do pós-rock sobre uma estrutura rítmica de avant-jazz: é como se a banda estivesse contemplando o crepúsculo de um dia que logo se tornaria velho, após se entregar a várias formas de sofisticada celebração progressiva enquanto o sol brilhava intensamente. Essa é uma ideia genial, que oferece um contraste marcante com faixas como “White Minus Red”, “Entanglement”, “Was Solls” e “This Could Be The End Of The Line”, que se estabeleceram como expressões centrais do modus operandi da banda.
Considerando “Passing Through The Wall” como um todo, é uma obra que reafirma a posição do ZEVIOUS como uma força importante na vanguarda do rock americano. Esse trio realmente tem algo especial, visto que a cada novo lançamento eles ressurgem com vigor renovado e uma impressionante audácia criativa. O ZEVIOUS merece atenção especial!
Classificação: 8,5/10

César Inca

 
A banda consegue transitar de cânticos monótonos para um caos desenfreado em questão de segundos, sempre com precisão cirúrgica, e o vídeo a seguir demonstra isso perfeitamente. Então, vamos começar a ouvir...?

Resumindo: "Passing Through The Wall" é um álbum que não vai te abraçar, mas vai cuspir na sua cara e sacudir seu cérebro, deixando você se perguntando o que diabos acabou de ouvir. É a trilha sonora ideal para quando você quer se sentir um pouco desconfortável, mas de um jeito bom. Porque, às vezes, ser irritante é uma arte, e esses americanos entenderam isso perfeitamente... não, não estou falando do Trump, bem, ele também era, mas de uma forma diferente, menos artística e construtiva.

Você pode ouvir o álbum na página deles no Bandcamp:
https://cuneiformrecords.bandcamp.com/album/passing-through-the-wall

Lista de faixas:
1. Attend To Your Configuration (2:47)
2. Was Solls (6:02)
3. Pantocyclus (4:07)
4. White Minus Red (6:55)
5. Crime Of Separate Action (6:32)
6. Entanglement (4:19)
7. A Tiller In A Tempest (3:15)
8. Passing Through The Wall (4:22)
9. This Could Be The End Of The Line (2:23)
10. Plying The Cold Trade (8:02) 

Formação:
- Mike Eber / guitarras
- John DeBlase / baixo
- Jeff Eber / bateria

Satánicos Marihuanos - Satánicos Marihuanos I (2017)

 

Mais do melhor do rock peruano. Satánicos Marihuanos é um ritual psicodélico latino-americano movido a cannabis. Uma banda de stoner rock com toques de doom, esse power trio consegue fazer até as pedras vibrarem. Aqui está o álbum de estreia deles, repleto de ritmos pesados, psicodelia densa e colossal, e riffs que martelam cabeças e consciências. A oferta bestial e lisérgica desses peruanos faz sua estreia no blog. Eles não inventam nada de novo, mas o que fazem, fazem muito bem, mesmo estando completamente fora de si.

Artista: Satanicos Marihuanos
Álbum: Satanicos Marihuanos I
Ano: 2017
Gênero: Stoner rock
Duração: 36:34
Nacionalidade: Peru


Satánicos Marihuanos é uma das bandas mais representativas da cena rock peruana, carregando consigo um som seco e devastador que gradualmente te arrasta cada vez mais fundo para o seu próprio universo musical.
Deixo vocês com um comentário sobre o álbum em questão...

Corpos desmembrados jazem no chão enquanto as musas se entregam aos prazeres de um ritual em honra ao bode. A erva aromática é queimada até que sua densa nuvem se eleve e desapareça no manto negro da noite. As fronteiras do proibido foram rompidas pelo poder da fumaça; o diabo toma pela mão os homens que escolheram cruzar o limiar, conduzindo-os a territórios desconhecidos onde tudo é possível e não existem correntes. 

Essa descrição faz parte do que podemos observar na ilustração de José Gabriel Alegría Sabogal, que serve de capa para o primeiro álbum do Satánicos Marihuanos, uma banda peruana de stoner rock instrumental que leva o poder alucinógeno da cannabis ao extremo para nos conduzir a jornadas densas onde o ruído assume o controle dos neurônios com a intenção de alcançar a libertação corporal e atingir um estado catártico de libertação e fúria sem qualquer controle.

A banda Satánicos Marihuanos foi formada no início de 2013 em Lima, Peru, com a intenção de criar um som pesado de stoner rock influenciado por doom, sludge, blues elétrico e hardcore. Naquela época, a banda era composta por Andrés Silva no baixo, Gabriel Carcelén na guitarra, Renato Sauri na bateria e Alejandro "Chaich" Suni nos vocais; mas após um ano desenvolvendo seu som e compondo algumas músicas originais, Suni deixou o grupo.

Longe de desaparecer, o Satánicos Marihuanos se transformou em um power trio instrumental, endurecendo seu estilo com base na afinidade por bandas como Black Sabbath, Belzebong, Electric Wizard e WeedEater. A partir daí, tudo ficou claro para esses caras: criar música com acordes distorcidos e transgressivos que rompessem com a ordem estabelecida, refugiando-se no poder psicótico da maconha como ponto de convergência e inspiração.

Seu nome provocativo diz muito sobre seu desejo de desafiar os preconceitos da sociedade. O livre-arbítrio é confundido com libertinagem, mas a mera possibilidade de escolha deveria ser suficiente para que todos fizessem o que bem entendessem. No entanto, tudo é rotulado como demoníaco, mas é justamente aí que tudo pode acontecer sem limites. É por isso que os Satanic Marijuana Smokers soam tão ferozes, porque desafiam aqueles que os estigmatizaram; e aí reside seu potencial criativo.

Foi somente em abril de 2017 que a banda conseguiu lançar seu álbum de estreia homônimo, publicado pela Necio Records, que demonstra a dedicação de três caras comprometidos em levar seu conceito sonoro aos limites. O álbum é o resultado de diversas gravações feitas em diferentes momentos, que foram mixadas e masterizadas por João Orosco e Eduardo Albareda no Estúdio Fonoteca. Guitarras rítmicas e bateria, baixo e solos de guitarra completam a construção das quatro faixas de estúdio, além de uma faixa gravada ao vivo no Eco Studio. 

O álbum de estreia do Satánicos Marihuanos oferece uma gama de sons, desde o stoner rock mais distorcido e saturado de fuzz, como em "Stone Pleasure", até a viagem lisérgica de "Poseído por la luna" (Possuído pela Lua), com suas atmosferas nebulosas que por vezes apresentam passagens místicas e psicodélicas ou nos arrastam para o abismo profundo da perdição. "Troined" apresenta uma faixa sólida baseada no hard blues elétrico (uma música escrita durante o período vocal da banda), mas quando chegamos a "Weed Napalm", tudo se transforma em um ritual sombrio que busca nos envolver em sua densa nuvem de aroma doce.

A faixa-título, que também dá nome ao álbum, é uma declaração de intenções, um aviso contundente que começa com uma linha de baixo hipnótica, permitindo que a guitarra exploda em notas cósmicas. Gradualmente, a música nos transporta para um sabá de bruxas onde quase podemos ver demônios e bruxas dançando ao nosso redor, mas uma vez absorvidos pelo som monótono, tudo se torna tribal até que a música explode em velocidade vertiginosa. Stoner, rock ocultista e até grindcore condensados ​​em apenas cinco minutos — uma amostra de tudo o que os Satanic Marijuana Bandits são capazes de fazer...

"Com a minha turma, queimamos a fraqueza e a erva... Maconha!! Rock n' Roll!!"

Satánicos Marihuanos são um excelente exemplo da cena musical em ascensão no Peru. Ao lado deles, bandas incríveis como El Jefazo, Ancestro, Cuarzo, Brothers of the Sun, Pradhana e Reino Ermitaño demonstram o crescente interesse do país pelo stoner rock e suas diversas possibilidades sonoras. A cena andina está em expansão, atraindo bandas de outros países para se apresentarem no Peru, como foi o caso do Comeculebras, da Patagônia argentina. Os ouvintes estão voltando sua atenção para os Andes para descobrir o que está acontecendo por lá, então não deve ser surpresa ouvir falar de muitas outras bandas em breve, incluindo material inédito do Satánicos Marihuanos.

Terremoto México

Você pode ouvir aqui:
https://satanicosmarihuanos.bandcamp.com/

Lista de faixas:
1. Stone Pleasure
2. Troneited
3. Possessed by the Moon
4. Satanic Marijuana
Grown-Ups 5. Weed Napalm
6. Evil Bong (Faixa bônus – Sessão ao vivo no Eco Studio)


Formação:
- Andrés Silva / Baixo
- Renato Sauri / Bateria
- Gabriel Carcelen / Guitarra

Alice Cooper School’s Out (1972)

 

A questão que se coloca é se  Alice Cooper  representa uma ameaça à civilização em si ou apenas ao nosso amado rock and roll. Tanto pais quanto filhos costumam ver Alice como alguém que corrói a civilização, o que, respectivamente, deploram e celebram. Alice é, ao mesmo tempo, ator, roqueiro, comediante, louco e exorcista, a culminação das tendências subversivas do rock. Essa é a reputação que ele cultiva cuidadosamente. O que  School's Out  confirma é o que eu já suspeitava há tempos: que a profusão de papéis de Alice se anula por si só; que, como assassino cultural, ele é completamente inofensivo.

Como um típico charlatão americano à moda antiga, ele não é nada inofensivo. A este jornal, ele afirmou simplistamente que “o público é masoquista… tudo o que o público quer é sexo e violência”. Ao New Musical Express, “na verdade, nosso show não tem propósito algum”. Ele se descreveu como ator em primeiro lugar e roqueiro em segundo, roqueiro em primeiro lugar e músico em segundo, um explorador dos impulsos mais sombrios das pessoas, um humorista negro. Essa confusão transparece em sua música: na maioria das vezes, sinceramente, não sei como reagir. Certamente não estou aterrorizado ou com repulsa, embora sinta que, em certos momentos, eu deveria estar e me digam que os outros estão. Muitas vezes, me inclino a rir, mas mais da burlesca do que da sátira. Há também pouca sensação de que as aberrações públicas de Alice sejam um desdobramento de sua demonologia privada. Cadeira elétrica, forca, serpente, camisa de força — esses são os símbolos arbitrários do horror em nossa sociedade, calculados para desencadear uma reação imediata, intensa e previsível. Sem dúvida, Alice é um pouco insano, mas nada muito grave; ainda assim, seu ato, que a essa altura já foi completamente exposto como tal, guarda uma conexão mais do que acidental com a personalidade de Alice fora dos palcos.

Como artista do suspense, Alice é certamente inepto; assim como seus recursos visuais e seu vocabulário, suas vinhetas são invocações, como se a combinação correta de consoantes e vogais devesse produzir horror instantâneo. Sua fórmula simplista demais trata o público com condescendência: se o suspense e o medo genuínos são a especialidade de Alice, certamente o ocasional "sangue", "bebês mortos" ou as histórias frágeis que ele lhes atribui não são suficientes para despertar um medo real. Mais importante, a história e sua encenação carecem da plausibilidade psicológica necessária para o terror verdadeiro. Como ator, suas caracterizações são extremas demais para que consigamos suspender a descrença. Parafraseando Aristotélico por um instante, a catarse da qual Alice fala com tanta frequência nunca acontece porque nunca temos certeza absoluta de que se trata  apenas  de uma atuação. Ele nunca precisa ser totalmente convincente dramaticamente porque sua personalidade privada, que guarda relação com seu papel no palco, nunca é, ao contrário da de todos os outros bons atores, completamente deixada de lado. Ele também nunca se atreve ao desafio maior de representar (ou expressar) sua neurose à maneira de Laing ou Janov, como fizeram David Bowie, Arthur Lee e John Lennon. A autossátira de Alice, sua inverosimilhança, sempre o livram de problemas. Esteticamente, Alice trapaceia.

Mas o cerne da questão é o que Alice quer dizer com rock and roll, ou melhor, o que o rock and roll significa para ele. Circunstancialmente, Alice não acredita na  suficiência  do rock, revestindo-o, como faz, com o macabro. Alice Cooper provou em  Love It To Death  ser uma banda de rock coesa e respeitável. Especificamente, estabeleceu a relevância das letras na música heavy metal. Também demonstrou que, com o comprometimento necessário, Alice poderia ser um roqueiro de verdade. Mas comprometimento e um senso palpável de identidade são, acima de tudo, o que falta a Alice Cooper, e isso o torna um ator ambíguo, para não dizer falso, humorista negro, louco, xamã e, finalmente, músico. À medida que os recursos da banda, a multiplicidade de alternativas disponíveis, se expandem (juntamente com a sensação de que tudo é permitido), o foco da banda torna-se cada vez menos definido. O estilo de rock apresentado em  Love It To Death  foi atenuado a tal ponto que o rock de Alice, assim como a corda ou a cadeira elétrica de Alice, existe como um acessório para a banda, mais um adereço para as fantasias de Alice.

Nem todo o  álbum School's Out  é rock, no entanto. Boa parte dele é música para musicais da Broadway ou trilhas sonoras de filmes, o que condiz com o tão alardeado teatralismo de Alice. Mas em um álbum que tão obviamente se rende à mística do rock dos anos 50 — o rock como protesto social — esse material é especialmente desconcertante. A julgar por  School's Out,  com sua dívida para com Leonard e Elmer Bernstein, suas tramas, suas colagens sonoras, Alice Cooper está mais alinhado com a vertente do Emerson, Lake & Palmer, que ostenta o kitsch como arte, do que com a monomania furiosa do Black Sabbath. Esse tipo de música é tão ruim para adolescentes quanto para seus pais.

A música-título é emblemática de toda a confusão. Ostensivamente uma atualização dos hinos inspiradores de Chuck Berry, aqui, Alice nos diz que as aulas acabaram não apenas para o verão, mas “para sempre”. “A escola foi destruída” atinge novos patamares de escapismo. “School's Out”, escrita em um verão sem canções de verão e, portanto, um clássico instantâneo, também é um manifesto instantâneo. Infelizmente, sua patente insinceridade a derrota. Uma série de trocadilhos — “Bem, não temos classe e não temos princípios” — inteligentes por si só, são excessivamente autoconscientes, elegantemente espirituosos demais para servirem como um grito de guerra. O verso final da estrofe — “Não conseguimos nem pensar em uma palavra que rime” — entrega tudo. Alice está empregando as emoções mais explosivas à sua disposição e está brincando conosco. Ou ele é extremamente cínico, ou está tentando, indiretamente, neutralizar o poder de sua mensagem.

Quem não prestar atenção será enganado; quem prestar, deve se sentir insultado. A música inteira obviamente não pretende ser uma sátira — é veemente demais para isso —, mas também não tem a determinação de uma marcha de Kanter. Se Alice quer desabafar, que o faça com convicção. Caso contrário, temos mais um híbrido doentio, prova, mais uma vez, de que Alice não sabe o que quer nem quem é. Em “Desperado”, do  álbum Killer,  Alice canta “Eu sou um assassino, eu sou um palhaço”. Não precisamos de um Arthur Bremer do rock and roll.

“School's Out” é tão sem rumo musicalmente quanto liricamente. Há tantos temas e digressões que o ímpeto e a unidade necessários para uma música como essa estão ausentes. “Luney Tune”, a faixa seguinte, lembra “I'm 18” e é a melhor música do álbum. É relativamente simples, exceto por um final cacofônico bem-sucedido. “Gutter Cat vs. the Jets” apresenta Alice primeiro como uma personagem felina da Disney/Crumb; fazendo uma alusão a Lady Macbeth (“Eu não conseguia tirar o sangue das minhas mãos”); depois como uma briguenta de verdade. Os sons de um estrondo são precedidos por um sintetizador tocando o tema dos Jets de  West Side Story.  “Blue Turk” continua a atmosfera de trilha sonora; sobre o caso amoroso de Alice entre os shows, sua música poderia ser descrita como “Jim Morrison encontra a Pantera Cor-de-Rosa”. Você vai querer estalar os dedos.

“My Stars”, com o que parece ser Franz Liszt ao piano, tem uma leve pegada de ficção científica; “Public Animal (nº 9)” é uma canção com influências da Motown. Ela descreve os percalços de uma aluna problemática — “Ela queria um Einstein, mas ganhou um Frankenstein”. “Alma Mater”, com Alice imitando Paul McCartney, é a única faixa realmente espirituosa do álbum. Uma despedida carinhosa da antiga Cortez High School, é uma típica farsa dos Mothers. O grande final é “Grand Finale”, uma versão sintetizada e orquestrada de “Walk On The Wild Side” que termina com uma reprise do tema dos Jets.

Em seu estilo mediano e retrógrado, este é um álbum ambicioso. Nesse contexto, as imagens mórbidas características — “Minhocas atravessando seu cérebro”, etc. — parecem mais gratuitas do que nunca. A música é mais pictórica, estruturada, amplamente teatral, ornamentada e complexa do que jamais foi, mas a consequência é minar o que este álbum pretende ser: um hino à rebeldia adolescente.

Sim, você dirá, mas eles devem estar fazendo algo certo para vender tantos discos. É verdade que são uma banda extremamente arrogante que vislumbrou o que o público quer. Eles não sabemexatamente o que estão fazendo, mas fazem com desenvoltura. Mas logo as contradições inerentes à banda ficarão evidentes. Estou esperando que David Bowie, um travesti mais convincente, chegue por aqui. Uma experiência com Bowie talvez nos garanta que não seremos enganados novamente.

Alice Cooper Love It To Death (1971)

 

Alice Cooper, 1971; é quase de partir o coração. Alice lançou dois LPs naquele ano,  Love It to Death  e  Killer,  e ambos incluem algumas faixas de hard rock incrivelmente boas, combinadas com sua cota de fracassos, incluindo uma tediosa faixa de nove minutos em  Love It to Death  ("Black Juju") e a igualmente entorpecente "Halo of Flies", com mais de oito minutos, em  Killer.  Eu sei que as bandas eram frequentemente obrigadas por contrato a produzir dois LPs por ano naquela época, e isso pode ou não ter tido algo a ver com o número limitado de faixas fabulosas em ambos os álbuns. Mas imagine, por um momento, se Alice Cooper tivesse lançado apenas um álbum em 1971, um álbum contendo as melhores músicas de ambos os LPs. O produto final teria sido brilhante e um dos melhores LPs de hard rock de todos os tempos.

Infelizmente, não dá para voltar no tempo — se desse, eu voltaria aos tempos áureos, quando eu podia fumar muita maconha sem ficar paranoico — e ficaremos para sempre presos a dois álbuns que poderiam ter sido incríveis, mas que foram prejudicados por faixas fracas demais para serem considerados ótimos.

Quanto à banda, eles começaram em Los Angeles pelo selo Straight de Frank Zappa, mas após as vendas decepcionantes de seu segundo LP (  Easy Action, de 1970 ), mudaram-se para Pontiac, Michigan, onde se encaixaram perfeitamente com bandas como The Stooges e MC5. O próprio Cooper atribuiu o fracasso da banda em Los Angeles às drogas: "Los Angeles simplesmente não entendeu", afirmou. "Eles estavam todos sob o efeito da droga errada para nós. Eles estavam sob o efeito de LSD e nós basicamente bebíamos cerveja. Nos encaixamos muito melhor em Detroit do que em qualquer outro lugar."

Foi o terceiro álbum,  Love It to Death,  que mudou tudo para a banda, formada por Vince Furnier, também conhecido como Alice Cooper, nos vocais, Glenn Buxton na guitarra solo, Michael Bruce na guitarra rítmica e teclados, Dennis Dunaway no baixo e Neal Smith na bateria. A notoriedade crescente da banda por suas performances de palco elaboradamente macabras e figurinos andróginos também contribuiu para o sucesso. Os jovens nas casas de shows adoravam e transformaram o single "I'm Eighteen" em um hino adolescente, e Alice Cooper nunca mais olhou para trás. A imagem de Cooper com maquiagem facial extravagante e uma jiboia enrolada no pescoço tornou-se parte de nossa herança cultural, tão importante quanto Abraham Lincoln assinando a Declaração de Independência ou Lee Harvey Oswald atirando em Jack Ruby.

Mas não estou aqui para exibir meu conhecimento enciclopédico da história americana. Estou aqui para analisar  Love It to Death,  que começa de forma milagrosa com três ótimas músicas, apenas para tropeçar e cair de cara no esgoto do rock com “Black Juju”, que soa como o filho retardado de Deep Purple e The Doors. Batidas de tom-tom, um órgão sinistro e muito progressivo, e os vocais iniciais de Cooper dão lugar a uma péssima imitação de The Doors, e eu talvez não me importasse tanto se a música não fosse pelo menos seis minutos longa demais. Particularmente irritante é a passagem silenciosa por volta dos 4:30. Tudo o que se ouve é Cooper sussurrando e um tique-taque como uma bomba que nunca explode, que é o verdadeiro problema aqui. Jim Morrison e sua banda podem ter sido pomposos e propensos a escrever elegias excessivamente longas, mas pelo menos sabiam como criar uma catarse, algo que Alice Cooper tenta fazer em “Black Juju”, mas falha miseravelmente. Garage prog não é um gênero por um motivo, e esta música é o exemplo perfeito.

Mas voltemos aos promissores começos do LP. “Caught in a Dream” é punk do início dos anos setenta, com Cooper aproveitando a ótima melodia da música e soando muito, muito frustrado. É uma peça complementar a “I'm Eighteen”, com sua letra sobre estar preso entre a juventude e a vida adulta, e Buxton e Bruce mantêm o ritmo com um trabalho de guitarra estelar, incluindo um ótimo solo do primeiro que poderia (e não estou brincando) passar por um do Lynyrd Skynyrd. Quanto a “I'm Eighteen”, é a melhor música sobre as frustrações da transição para a vida adulta já escrita. Além de Iggy Pop, ninguém jamais capturou a sensação de ser um maníaco hormonal procurando diversão onde não há nenhuma. Seus riffs iniciais portentosos são seguidos por uma gaita de Cooper, que realmente se entrega aos vocais, sua voz ficando cada vez mais áspera a cada verso. E se ele está “vivendo em meio à dúvida”, bem, não importa, porque, como ele deixa abundantemente claro no final da música, ele adora isso. Finalmente, temos a fantástica “Long Way to Go”, com suas guitarras afiadas como navalhas e ritmo furioso, minha favorita das três, simplesmente porque aquele riff de guitarra é tão inexorável, imparável, na verdade, com Bruce contribuindo no piano e Cooper entregando ótimas frases, como “O que nos mantém unidos não é o amor”. Ele quer encontrar a estrada que o levará às Cruzadas, Buxton quer tocar o melhor solo do mundo e, no final, Cooper só quer que todos saiam dali.

"Is It My Body" é uma música mediana e um precursor insano de "Do Ya Think I'm Sexy", do Rod Stewart. Buxton toca guitarra muito bem, e os vocais de Cooper são de primeira, mas essa música não é melódica ou impactante o suficiente — apesar do solo feroz de Buxton — para cumprir seu propósito. Também não se encaixa na persona que Cooper estava começando a criar para si mesmo; a letra simplesmente não soa bem saindo da boca dele. Tenho problemas semelhantes com "Hallowed Be My Name". Não é cativante nem envolvente o suficiente para conquistar corações e mentes, e os teclados simplesmente não me convencem. Além de algumas risadas insanas e alguns solos de guitarra pesados, nada de muito interessante acontece, e tenho (novamente!) a sensação inquietante de que poderia estar ouvindo uma música do The Doors. Quanto a “Second Coming”, a música começa com um belo piano e Cooper cantando sobre andar sobre a água, mas, mais uma vez, falta aquela ótima vibe adolescente de garage rock das três primeiras faixas — uma combinação de pura adrenalina e letras calculadas para capturar exatamente como é ser jovem, bobo e cheio de tesão. Em vez disso, segue em frente ao ritmo da tatuagem de Dunaway e termina com Bruce tocando o disco de 88 rotações como se fosse Glenn Gould ou alguém do tipo.

"Ballad of Dwight Fry" tem a distinção de ser a primeira música em que Cooper adota os temas de insanidade e perversidade que marcariam os trabalhos futuros da banda. Nenhuma das músicas anteriores da banda explorava a veia da psicose; eles não haviam produzido nada parecido com "Dead Babies". Mas esta é toda sobre enlouquecer. É uma ótima música; um piano suave é seguido por uma criança dizendo: "Mamãe, onde está o papai? Ele está fora há tanto tempo. Você acha que ele vai voltar para casa algum dia?" Então as guitarras entram tocando uma melodia realmente ótima enquanto Cooper canta: "Veja minha mente solitária explodir/Enquanto eu enlouqueço". Por volta dos 3 minutos, Cooper começa a repetir, cada vez mais rápido, versos sobre como ele precisa sair dali, então a música desacelera e uma longa e sinistra passagem instrumental se segue, após a qual Cooper retorna para gritar: "Eu não queria ser!/Eu não queria ser!/Eu não queria ser!" Quanto à faixa de encerramento do álbum, “Sun Arise”, trata-se de uma canção melódica que soa completamente diferente do que se esperaria de Alice Cooper. Ao som de uma batida lenta e pulsante, Cooper repete o título cerca de 3.000 vezes, enquanto Buxton executa um solo excelente, porém curto. Depois disso, a música é simplesmente uma reprise do título, cantada por toda a banda, e embora a canção seja agradável, agradável não é exatamente o que se espera de Alice Cooper, e “Sun Arise” soa mais como uma saudação hippie ao amanhecer do que uma maldição do vampiro mais famoso do rock.

No fim das contas,  Love It to Death  é uma decepção, principalmente porque suas três primeiras músicas prometem muito. Dito isso, essas três músicas — e “Ballad of Dwight Fry” — fazem do LP um item indispensável para os fãs de hard rock. Mas, voltando aos meus comentários iniciais, imagine o quão incrível seria um LP contendo as quatro músicas mencionadas, MAIS  “  Under My Wheels”, “Be My Lover”, “You Drive Me Nervous”, “Dead Babies” e “Killer” do álbum Killer. Você teria o melhor álbum de 1971, na categoria hard rock, sem dúvida. Infelizmente, como disse um grande homem, Winston Churchill, “Nem sempre conseguimos o que queremos”. Mas  Love It to Death,  com todos os seus defeitos, pode ser exatamente o que você precisa.

Stackridge "Mr. Mick" (1976)

 A conceitualidade é uma das marcas registradas da música progressiva. Os principais representantes do movimento artístico dos anos 1970 naturalmente se afastaram do 

formato tradicional de canção à medida que amadureciam, explorando novos territórios: óperas rock, oratórios, balés e concertos com orquestras sinfônicas gradualmente se tornaram parte integrante do gênero. Bandas de prog de segunda linha tentaram acompanhar os "grandes", mas a experimentação em larga escala exigia um escopo ideológico correspondente e uma excelente técnica de performance. Poucas podiam se gabar disso...
"Mr. Mick" é o último dos lançamentos "clássicos" da banda britânica Stackridge . Nessa época, a formação original da banda havia sofrido mudanças. E a maior perda para os integrantes foi a saída do guitarrista James Warren — o homem que moldou o repertório da banda por anos. No entanto, mesmo sem seu vocalista, o Stackridge conseguiu emergir brilhantemente da situação. A dupla de compositores Mutter Slater (flauta, teclados, vocais) e Andy Davis (guitarra, teclados, vocais) contou com a colaboração do escritor infantil Steve Aagaard, que ajudou a dupla excêntrica a escrever uma história sobre um aposentado solitário cujos imperativos morais, após uma análise mais aprofundada, revelam-se consonantes com os princípios anárquicos da iminente revolução punk. Além de Slater e Davis, o álbum foi completado pelo fiel baixista James "Crune" Walter, o baterista Pete Van Hook ( da banda de Van Morrison ), o instrumentista de sopro Keith Gimmell ( Audience ) e o venerável tecladista Dave Lawson ( Greenslade ). O flautista Mutter assumiu a liderança. Tímido e reservado fora dos palcos, ele, segundo o próprio Andy Davis, surpreendeu a todos com sua impressionante transformação durante a produção de "Mr. Mick" e em shows subsequentes, por vezes assemelhando-se a uma estrela de cinema experiente para quem brilhar sob os holofotes é algo completamente natural. Quanto ao disco em si, seu conteúdo combina com sucesso várias linhas narrativas simultaneamente: são números de variedades com ares musicais, sustentados por um estilo peculiar de Stackridge ("Hey! Good Looking", "Save a Red Face", "The Slater's Waltz", com os vocais encantadores de Joanna Carlin); e pop psicodélico melódico de natureza puramente instrumental ("Breakfast With Werner Von Braun", "Coniston Water"); e episódios "narrativos" inseridos com arranjos bastante ousados ​​("Mr. Mick's Walk", "Hazy Dazy Holiday", "Mr. Mick's New Home"), teatralmente interpretados por um Slater exuberante. As raízes folclóricas são evidentes no melodioso esboço acústico "Can Inspiration Save the Nation?", e o fascínio duradouro pelo legado dos Beatles fica claro no contexto da peça "Fish in a Glass".Colocando não apenas um ponto final, mas um ponto de exclamação em negrito no final da narrativa da aventura.
Resumindo: uma verdadeira joia do art rock inglês de meados dos anos setenta. Não perca.

MUSICA&SOM ☝

The Dog That Bit People (1971)

 Um sinal ambíguo, uma capa sem graça... Mais uma banda que ninguém vai se lembrar amanhã? Quem sabe. Para a equipe da gravadora britânica Esoteric Recordings, por exemplo, essas "saudações do passado" 

são como pedras preciosas. Eles são o prenúncio de uma era que revelou muitos nomes brilhantes para o mundo. E embora os heróis desta revisão talvez não tenham alcançado fama estrondosa em vida, basta que este ilustre quarteto tenha contribuído para o legado do início do rock progressivo inglês.
A ideia de se aventurarem na música para "ouvintes exigentes" surgiu nas mentes brilhantes do baixista Mick Hinks e do baterista Bob Lamb no final de 1968. Na época, ambos faziam parte da seção rítmica da banda  Locomotive  , de Birmingham , que tocava soul e ska. Apesar do relativo sucesso da banda, Hinks e Lamb desejavam ardentemente criar algo que valesse a pena em uma direção qualitativamente diferente. E quando a dupla de compositores John Caswell (guitarra, voz) e Keith Millar (piano, órgão, Mellotron, guitarras, gaita) se uniu, o sonho começou lentamente a se tornar realidade. Inspirando-se no título de um livro de contos do humorista americano  James Thurber  , o quarteto mergulhou no processo criativo. Logo eles encontraram um produtor e depois gravaram nos lendários estúdios Abbey Road.
Ao contrário de alguns de seus contemporâneos, que se contentavam com o folclore de sua ilha natal,  o The Dog That Bit People  seguia de perto as extravagâncias dos "americanos" que representavam o cenário do rock da Costa Oeste. O grupo de Birmingham era particularmente fã das músicas  de Neil Young  . E em certas faixas do álbum, a influência do artista estrangeiro é bastante evidente.
A composição do álbum não é uniforme. Há peças em andamento médio com vocais excessivamente açucarados ("Goodbye Country"); esboços animados no espírito de um blues progressivo moderado ("The Monkey and the Sailor"); ecos de melodias folclóricas, "aprimoradas" para o estilo country ("Lovely Lady", "Someone Somewhere"); e simplesmente belas construções de um plano misto ("Sound of Thunder", "Red Queen's Dance"). No entanto, o maior efeito é alcançado por  "The Dog That Bit People". Eles alcançam seus objetivos quando agem sem se importar com ninguém. É o caso, por exemplo, da magnífica faixa "Cover Me in Roses", que combina corais comoventes e elegíacos tocados em instrumentos acústicos com passagens de teclado artísticas, ou da igualmente bela introdução "Walking", sutilmente orquestrada pelo Mellotron de Keith Millar. A obsessão excessiva por "americanismos" fica evidente na segunda metade do álbum, que apresenta a obra-prima em tom maior "Mr. Sunshine" e a despreocupada e vibrante "Tin Soldier", com seu refrão prolongado que se desvanece. Para aqueles que preferem faixas mais enérgicas, há uma dose de adrenalina em "Reptile Man", repleta de riffs afiados e versos sombrios com vocoder.O ato final é o single bônus "Merry Go Round", completamente despreocupado, porém incrivelmente agradável, que atesta as origens big beat do Dog That Bites People .
Resumindo: um presente despretensioso e, à sua maneira, atraente para o impressionante exército de fãs de proto-prog. Recomendo conferir.

MÚSICA&SOM 

Alquin "Blue Planet" (2005)

 As bandas de rock holandesas sempre foram conhecidas por sua excentricidade. Somente 

os suecos conseguiam rivalizar com os artistas flamengos em sua habilidade de transitar com elegância entre o sublime e o ridículo, e mesmo assim, com algumas ressalvas. O Alquin , veteranos da cena progressiva holandesa e mestres do ecletismo, já foi renomado por sua capacidade de se equilibrar na tênue linha entre a ironia e o drama. Em 1977, no fim da "era de ouro" da arte, os membros da banda se separaram às pressas, apenas para se reunirem um quarto de século depois com uma formação praticamente original. O Alquin dos anos 2000 é: Ferdinand Bakker (guitarra, violino, piano, vocais; único compositor), Michel van Dijk (vocais), Dick Franssen (órgão, teclados), Ronald Ottenhoff (saxofone), Walter Latuperissa (baixo, vocais) e Job Tarenskeen (bateria, vocais).
As quatorze faixas de "Blue Planet" são um ótimo motivo para celebrar os veteranos do prog. O reencontro certamente valeu a pena: não há vergonha nenhuma em apresentar esse material aos fãs. Conscientes de suas conquistas passadas, a formação atual do Alquin não busca reproduzir meticulosamente o som clássico (como, por exemplo, seus compatriotas do Focus fizeram em situação semelhante ). No entanto, os veteranos também não têm a intenção de flertar com a geração "neo". Afinal, raízes são raízes. E, neste caso, elas servem como um vetor necessário para o desenvolvimento da banda. O tom do álbum é definido pela faixa instrumental de abertura, "Return to the Blue Planet", executada de maneira maravilhosamente lúdica (guitarra, Hammond e saxofone assumem os papéis principais) e demonstrando o impecável senso melódico do maestro Bakker. Em seguida, vem o thriller retrô "Murder in the Park", que explora as complexidades psicológicas de um assassinato no Hyde Park, em Londres, nos últimos dias de 1958. A fusão baseada em temas de "Over & Out" deixa claro que o formato de canção está ganhando um apelo especial para o sexteto, e a capacidade de transmitir histórias contadas em linguagem simples é muito mais valorizada do que floreios composicionais progressivos. Os holandeses não ostentam seu domínio, embora partes individuais ainda soem brilhantes e poderosas (por exemplo, os solos de guitarra de Ferdinand em "The Hitman"). O fator decisivo para a paleta geral agora é um arranjo moderadamente polifônico, livre de pretensões desnecessárias e passagens autoindulgentes. E isso é para melhor, porque, em meio ao pano de fundo complexo, você começa a perceber de forma diferente baladas sinceras como "Love = a Little Thing", marcadas por um senso de reflexão blues ("Enough = Enough") ou revelações elegíacas maduras ("Pictures"). Quando chega o momento da coragem, AlquinEles lançam cargas poderosas ("Can't Sleep", "Singapore Connection" e outras), atestando a abundância de pólvora em seus arsenals. Em uma palavra, "charmant", como se dizia antigamente.
Resumindo: um lançamento muito bom de veteranos consagrados do mundo da arte. Recomendo conferir.

MÚSICA&SOM 

Make It Fast, Make It Slow de Rob (1978)

 

Toca essa música animada, Rob !

Rob Reindorf é natural de Accra, Gana, e gravou três álbuns no final dos anos 70 e início dos anos 80 antes de cair no esquecimento por décadas. Graças à Soundway, seu segundo álbum foi relançado em 2012 e está disponível em todas as plataformas de streaming.

Começando com quatro notas em um teclado com som de órgão, " Make It Fast, Make It Slow" rapidamente entra no modo funk, com sua big band rítmica propulsiva e refrões de chamada e resposta que remetem a Fela Kuti, o padrinho do funk africano. Os metais, tocados por uma banda do exército ganês, dão um toque extra a essas músicas. A faixa-título, carregada de conotação sexual, é contrabalançada pela passagem religiosa no meio do álbum – "Fale com Jesus, e ele viverá em você!", diz Rob em "He Shall Live in You". Essa faixa e "Back On You" são truncadas, terminando inesperadamente, provavelmente devido a um problema na remasterização das gravações originais.

O inglês de Rob não é perfeito, mas é justamente a linguagem usada neste álbum que resulta em uma performance única, meio arrastada, que pode exigir várias audições para ser compreendida. Veja, por exemplo, uma faixa como "Bargain", onde ele fala em frases repetidas – é uma sacada genial que dá um toque especial ao álbum.

Em 2023, Rob voltou à cena musical, fazendo turnê pela Europa devido a um ressurgimento de sua popularidade. Aos 70 e poucos anos, Rob aparentemente ainda está gravando e arrasando nos palcos. Vai, Rob!

Ouça  Make It Fast, Make It Slow  aqui  .

Mint Condition’s From the Mint Factory (1993)

 

Ouvi este álbum há muitos anos, inicialmente o considerei mediano e o esqueci por um tempo. Mas, com o passar dos anos e conforme fui me aprofundando em Babyface e bandas como After 7 e Silk, ele começou a aparecer com frequência. Após uma reavaliação, considero este um lançamento excepcional e com uma pegada mais voltada para o lado B.

Mint Condition vem de Minneapolis, onde foram descobertos por Jam & Lewis. Eu não necessariamente colocaria o som deles no mesmo nível de Janet Jackson ou Prince, e o vocalista Stokley soa mais como Raphael Saadiq do que qualquer outro artista de Minnesota, mas eles realmente utilizam instrumentos ao vivo. Enquanto o Príncipe gravava com o The New Power Generation – uma banda grande e com formação rotativa de pelo menos oito membros – no início dos anos 90, o Mint Condition lançava seus dois primeiros álbuns,  Meant to Be Mint  (1991) e  From the Mint Factory  .

A produção deste disco é impecável, e acho que será um fator decisivo para quem o ouvir hoje em dia. A programação da bateria remete ao som do New Jack Swing, que na época do lançamento deste álbum já existia há alguns anos. Guy, Keith Sweat e Bobby Brown lançaram álbuns que definiram o gênero em 1987-88, e até mesmo "Do the Bartman" foi lançado em 1990. Em 1993, o New Jack Swing já havia passado do seu auge de crítica e público. Mas o Mint Condition conseguiu um meio-termo entre o pop New Jack e o soul do meio-oeste americano.

É quando o álbum se apoia na bateria ao vivo que ele atinge seu maior sucesso. "Someone to Love" é uma balada terna com bateria e saxofone que não destoaria em uma playlist do Prince. "10 Million Strong" tem um chiado interessante ao fundo, com som de música ao vivo, além da bateria. "U Send Me Swingin'" é uma verdadeira revelação. Eu ouvia muito essa música em 2021 e, depois de tomar a vacina contra a Covid, fiquei acordado até as 3 da manhã em um delírio atordoado, bebendo Polar de toranja, assistindo a Cluny Brown e cantando "U send me sWANNGgANNN!". São memórias que a gente não esquece.

"So Fine" é uma balada com forte presença da guitarra elétrica, e "Back to Your Lovin'" é uma balada lenta e doce. Não me canso dessa. Além disso, as duas últimas faixas são realmente interessantes porque ambas utilizam a guitarra elétrica de maneiras que você normalmente não esperaria em um álbum de R&B dos anos 90. "My High" é como uma vinheta, e "Fidelity" tem uma guitarra quase heavy metal e se transforma em rock puro, fechando o álbum de forma semelhante a "Just About Over" do Goodie Mob, a penúltima faixa de Still Standing (1998). Ambas as músicas são do tipo "ame ou odeie". Meu amigo Jellybean Johnson, que fez o solo em "Criticize" do Alexander O'Neal (uma das melhores músicas de todos os tempos), toca guitarra elétrica aqui e arrasa.

"Harmony" é um pouco cafona com seus tambores de aço e, como mencionei antes, algumas faixas da primeira metade deste álbum são decepcionantes. Apesar disso,  From the Mint Factory  é um excelente disco. Também recomendo procurar o remix Ummah (produção de Q-Tip e J Dilla) de "Let Me Be the One", do álbum  The Collection (1991-1998)  do Mint Condition , que apresenta um ótimo verso do Phife – que diz "Me encontre no jogo dos Timberwolves hoje à noite!".

Ouça  Da Fábrica de Casa da Moeda  aqui  .