The Jimi Hendrix Experience: o fantástico álbum de estreia ‘Are You Experienced’

 

1º trabalho do power trio capitaneado pelo saudoso e brilhante guitarrista chegou em 12 de maio de 1967

The Jimi Hendrix Experience entrou em cena com o lançamento de seu primeiro álbum, “Are You Experienced“, em maio de 1967, pouco menos de um mês antes de “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Comumente considerado um dos maiores álbuns de estreia da história do rock, “Are You Experienced” também foi uma grande parte da trilha sonora do Summer of Love. A obra-prima de 11 faixas foi resultado da sinfonia tocando constantemente na cabeça de Hendrix e dos anos que ele passou na estrada apoiando artistas como Wilson Pickett, Little Richard e os irmãos Isley, apenas para citar alguns. A propósito, se você tocar um disco dos Isley Brothers da década de 1970 (particularmente “Summer Breeze” e “That Lady“), preste muita atenção ao estilo de tocar de Ernie Isley. Definitivamente tem todas as marcas da influência de Hendrix.

Hendrix era amplamente considerado o melhor guitarrista de R&B no circuito chitlin, mas seu estilo de tocar nem sempre era o mais adequado para seus empregadores mais famosos. Ele se cansou de tocar música de outras pessoas. Depois de deixar a banda de Little Richard em 1965, ele formou sua própria banda, Jimmy James and The Blue Flames. Do outono de 65 até meados de 66, Hendrix fez shows em Greenwich Village em muitos locais, principalmente o infame Café Wha? Durante uma apresentação lá em julho de 1966, Hendrix chamou a atenção do baixista do Animals, Chas Chandler. Na época, Chandler estava deixando o Animals para se tornar empresário e produtor musical. Ele foi a essa apresentação por recomendação de Linda Keith, que na época era namorada de Keith Richards. Ele ficou hipnotizado com a performance de Hendrix e acabou se apresentando. Os dois conversaram e Chandler se convenceu de que Hendrix poderia mudar a cara da música na Inglaterra. Ele viu Hendrix se apresentar novamente em setembro do mesmo ano e se tornou seu empresário, oferecendo a promessa de que ele poderia ser apresentado a seu herói, Eric Clapton.

Após a chegada de Hendrix a Londres, o plano era encontrar uma banda para ele e mudar a grafia de seu nome para “Jimi”. Depois de várias audições, Hendrix e Chandler finalmente escolheram o baixista Noel Redding e o baterista Mitch Mitchell. Hendrix também teve sua promessa de Chandler cumprida. Ele conheceu Clapton. Depois de algumas apresentações, a notícia se espalhou sobre Hendrix. Em uma apresentação do Cream, ele perguntou a Clapton se poderia acompanhá-lo no palco. Clapton concordou. Hendrix começou a explodir em uma versão transformadora de “Killing Floor” de Howlin’ Wolf. Depois de alguns minutos, Clapton percebeu que não poderia ficar com Hendrix e prontamente saiu do palco. “Você não me disse que ele era tão bom assim“, disse Clapton a Chandler.

Hendrix e seus novos companheiros de banda começaram a gravar “Are You Experienced” em 23 de outubro de 1966. Operando com um orçamento muito limitado, Hendrix e Chandler fizeram grande parte da pré-produção do álbum fora do apartamento que dividiam. Essa configuração foi intencional da parte de Chandler. Certa vez, ele declarou as razões de sua posição, explicando:

“Não estava preocupado que Mitch ou Noel pudessem sentir que não estavam tendo espaço o suficiente, ou qualquer coisa que dissessem… Eu estive em turnê e gravando em uma banda por anos, e eu ‘tinha visto tudo terminar como um compromisso. Ninguém acabou fazendo o que realmente queria fazer. Eu não ia deixar isso acontecer com Jimi.“

A apreciação e o conhecimento de Mitchell e Redding sobre jazz e blues fizeram esse trio montado às pressas funcionar. Desde os acordes de abertura de “Purple Haze”, você sabia que The Jimi Hendrix Experience era algo especial. Na época, nenhum outro trio de rock, além do Cream, estava tão forte.

“Purple haze, all in my brain / Lately things they don’t seem the same / Actin’ funny, but I don’t know why / Excuse me while I kiss the sky.”

Ok, não tenho ideia do que diabos Hendrix estava falando aqui. Então, novamente, acho o que realmente sinto. Gravado em meu cérebro para sempre está o filme de 1992, “White Men Can’t Jump“. O personagem de Woody Harrelson, Billy Hoyle, começa a tocar sua fita “Are You Experienced” no som do carro. O personagem de Wesley Snipes, Sidney Dean, rapidamente pergunta a Hoyle por que ele está interpretando Hendrix. Ele responde: “Gosto de ouvir”. Indignado, Dean adverte Hoyle e afirma: “Esse é o problema. Você deveria ouvir Jimi.” Mais tarde, ele conclui “Você … não consegue ouvir Jimi.“

Por mais engraçada que essa troca tenha sido, ela me fez pensar. Por anos, eu realmente não ouvia Jimi. Quanto mais eu aprendia sobre a história de fundo de Hendrix antes da gravação de “Are You Experienced“, mais eu queria Ouvir Jimi, não apenas apenas “ouvir”.

Os anos que passou no circuito chitlin ‘com vários artistas icônicos de R&B o ajudaram a moldar o tipo de artista que ele queria ser. A escolha injusta que lhe foi dada quando adolescente entre a prisão ou o exército deu a ele uma introdução precoce de como as regras eram diferentes para jovens negros, não apenas em sua cidade natal, Seattle, mas em todo o mundo. Ao que tudo indica, Hendrix sempre foi um gato diferente que marchava ao ritmo da música em sua cabeça, como ele aludiu em “Stone Free”, o lado B de “Hey Joe”, o single de estreia da banda: “Everyday in the week I’m in a different city / If I stay too long people try to pull me down / They talk about me like a dog / Talkin’ about the clothes I wear / But they don’t realize they’re the ones who’s square.”

“Are You Experienced” é uma combinação de diversas experiências de vida e uma chance de libertar seu gênio. É difícil entender como “The Wind Cries Mary”, “Foxy Lady” e “Purple Haze” vieram da mesma mente, quanto mais do mesmo álbum. Menos de um ano se passou desde a chegada de Hendrix a Londres até o lançamento do álbum. Oito meses para ser exato. Hendrix surgiu na cena musical na hora certa.

Enquanto “Are You Experienced” é um dos álbuns definitivos da era psicodélica, ele também introduziu o uso pesado de feedback, distorção e jazz improvisado em um LP de rock. O álbum foi onde nenhum outro havia ido anteriormente. O falecido músico e jornalista Greg Tate escreveu certa vez:

“A guitarra elétrica é um instrumento cuja história pode ser dividida em duas eras: antes e depois de Jimi Hendrix“.

Disco Imortal: Ministry – ΚΕΦΑΛΗΞΘ (Psalm 69) (1992)

Sire Records, 1992

Sempre se fala em metal industrial dos anos 90 devido ao boom de bandas que surgiram naquela década, embora fosse claramente algo que vinha fermentando muito antes com grandes nomes da cena como Killing Joke, NIN, Godflesh e os próprios Ministry, que tinham uma evolução muito particular desde os seus primórdios nos anos oitenta, passando de algo synthpop ou new wave alternativo para algo cada vez mais denso, mais pesado, encontrando um porte brutal que conseguiram atingir para deleite de todos nós. Talvez antes com "The Mind is a Terrible Thing to Taste" eles já estivessem dando um grande salto, mas tudo foi totalmente incorporado como uma grande obra em ΚΕΦΑΛΗΞΘ, ou "Salmo 69" para que pudesse ser entendido na língua anglo.

O pano de fundo mais notável deste disco, depois de Jourgensen ter tido este período de "aprendizagem" envolvido com muitos DJ's, projectos e vários (Lard, 10.000 Homo DJ's, Revolting Cocks, etc.) a gravadora (Sire Records) foi apenas o single 'Jesus Built My Hotrod' fruto da produtividade da banda, e depois que a gravadora deu a eles um adiantamento de nada menos que 750 mil dólares (já que a banda era ele tinha gasto tudo em heroína , crack, álcool e várias farras) para o qual Jourgensen considerou que era "o dobro ou nada" exigir a mesma figura para terminar o álbum, como conta na sua própria autobiografia.

A gravadora concordou, eles não tiveram escolha a não ser encarar um single tão avançado, uma bomba-relógio sônica, algo nunca antes visto, brincando com os tempos, usando técnicas de gravação únicas, com as vozes do Butthole Surfers Gibby Haynes como protagonista total , revelando-nos que Jourgensen - tão bêbado e drogado quanto poderia ser -, foi e é atualmente um mestre nas técnicas, gravando bateria, vozes e outros peça por peça com uma metodologia única. Um trabalho enorme que usaram nessa época e que fez com que ele e Mike Scaccia acabassem desmaiando após os exaustivos dias de construção do disco.

Existiam duas equipas: o "Clube do Livro" formado por Bill Rieflin e Paul Barker, e os "junkies" que eram Jourgensen e Scaccia, embora a verdade seja que Jourgensen apagou quase tudo o que a outra equipa fazia, sendo a produção dele e Scaccia, que finalmente apareceu no prato. Embora isso soe como um "idiota" da parte de Al, o tempo mostrou que as contribuições do baixista eram bastante descartáveis ​​e ele acabou sendo rotulado de ladrão pelo 'Tio Al' por receber royalties imerecidos.

Assim, foi a partir desses dias não isentos de drogas, que surgiram joias do gênero "NWO", o primeiro dardo certeiro anti-Bush citando seus próprios discursos, revelando a raiva antipolítica que seria a diretriz para todo o trabalho do Ministério (A seu filho George Jr., aliás, dedicou toda uma trilogia de discos a ele uma década depois); em 'Just One Fix', mais uma chuva de riffs infernais, com retalhos de samplers de ícones como Frank Sinatra e frases do filme Sid and Nancy (do romance sórdido de Sid Vicious e Nancy Spungen), comungando com o bizarro e no à beira da apavorante aparição do beat writer William Buroughs sob total caos audiovisual no vídeo.

'Scarecrow' é um verdadeiro espantalho musical, onde desfila uma marcha inesgotável de desesperança, escuridão, alienação “Vivo a minha vida só com resignação / Braços estendidos para quem não vê / Um olhar sem olhos convida toda esta danação / apodrecendo num cadáver de desumanidade” lê a frase amaldiçoada em seu tema lírico curto, mas mais longo.

O apocalipse desencadeado em 'Psalm 69', tirado do título alternativo das citações aos livros do mago ocultista Aleister Crowley, número repetitivo não só neste álbum, mas em alguns outros discos da banda. Percussões demolidoras, riffs incitantes totalmente headbanging apimentam ainda mais um álbum de sacudir o crânio.

Enquanto 'TV II' parecia a réplica de um discurso nazista sob uma loucura de sequências de bateria e ruídos sórdidamente bem moldados, o fechamento com 'Grace', com sons do ultragrave deu pautas a um recurso amplamente utilizado pelos herdeiros desta soar como Marilyn Manson, algo que ele desenvolveu brilhantemente em coisas como “Antichrist Superstar”, por exemplo.

A graça do Ministry é que eles têm sido uma banda muito coerente com a sonoridade desse álbum a partir de então, não só essa é a sua grande obra prima, como muitos discos vieram depois que exploraram a genialidade de Jourgensen, que apesar de sua idade avançada e difícil lutando contra seu vício em álcool e poucas abstinências anunciadas, ele ainda está muito vivo hoje, gravando discos, fazendo turnês e explodindo cabeças eterna e imperecível.

 

Disco Imortal: Kings of Leon – Youth & Young Manhood (2003)

 

Registros RCA/HandMeDown, 2003

Muita água passou por baixo da ponte desde o lançamento deste disco, mas Kings of Leon, como algumas outras grandes bandas ao longo do tempo, deixam mais do que claro que se desfizeram com um dos maiores álbuns de estreia de rock de todos os tempos.

Talvez pudessem dividir isso com os The Strokes, com quem foram comparados ultra e de forma bastante injusta, embora tivessem um pouco do som nova-iorquino da chamada 'New Americana' e influências do indie clássico, é o fator Nashville , o country e o blues que acabaram por os caracterizar e dar-lhes a sua identidade nesta frenética exibição de boas canções.

“Youth & Young ManHood”, aquele estranho nome tirado das páginas de uma bíblia evangélica de seu pai (fervoroso pentecostal) onde aparecia o desenho de uma árvore genealógica do profeta Moisés. Curiosa escolha, algo que eles não quiseram de forma alguma ignorar em seu debut rocker, para mostrar que sempre foram uma banda que coloca luz primordial em sua família e em suas raízes cristãs.

O seno Followill, pelo mesmo motivo, a princípio não combinava muito com o estilo rock e com as letras que a banda carregava, mais de uma vez sua mãe contou no documentário de sua história que eles a consideravam "música do diabo". . ” o que eles estavam fazendo (certamente a evolução deles os insinuou mais), já que aqui tivemos um acúmulo de canções de uma força extraordinária, muito a ver com o nome do disco: juventude, noite, vitalidade, festa. Mas em chave camponesa, o que não deixou de lhe dar o toque distintivo.

'Red Morning Light', a brilhante abertura, exemplo claro disso, aquele refrão inesquecível, que nos deixa com vontade de cantá-lo a plenos pulmões apesar de já terem passado mais de dez anos desde o seu lançamento, Matthew Followill de o início demonstrando com seus solos o quão importante seria no manejo da guitarra para a banda, principalmente quando estava totalmente alienado dela; por outro lado, 'Wasted Time' brilhou, desencadeando o aborrecimento de certos críticos da época com o jeito ininteligível de cantar de Caleb, mas que finalmente conseguiu ser uma adição completamente marcante ao álbum, quando o vocalista explodiu em vozes altas e euforia deu-lhe grandes momentos para o conselho de outra forma.

'Trani' é um grande ponto à parte: uma música triste e decadente, falando sobre como são chamadas as prostitutas transexuais (“Trani”), sobre escolha sexual e o que isso implica, tudo com uma metáfora muito sórdida falando sobre coisas como “do verme na virilha e sem saber qual peixe morder esta noite." O KOL também falou muito sobre a noite, mas nem sempre sobre as belas e alegres, também o tabu e como as prostitutas são assediadas pela polícia. O set é arrasador, blueseiro, uma das poucas baladas do disco e que marcou muito seu cancioneiro.

O cowbell a dar lugar a 'California Waiting' e mais um dos seus refrões mais preciosos, a força podia ser contrabalançada com as suas deliciosas melodias, havia uma certa atitude punk neste álbum, que é o que os KOL mais podiam sentir falta hoje, ' Spiral Staircase 'tem todas as vibrações de uma música de cowboy e o jeito de gritar de Caleb a torna ainda mais cowgirl; 'Mollys Chambers' chega em sua parte final para continuar levantando como se não tivéssemos o suficiente. Outro hino!

O quase encerramento vem com 'Dusty' soando bem Dylan e se transformando em uma intensidade abismal, e 'Holy Roller Novocaine', outra de versos sobre relacionamentos noturnos, drogas, festas e sexo, já transformada em um clássico e uma deboche sublime no guitarras que nos abalaram com esse som, algo inexplicável numa época dessas.

Sem dúvida, é o fator country que se entrelaça com as guitarras furiosas que colocaram a fasquia TÃO alta para si com esta estreia, que a próxima não iria mal, mas a verdade é que esta era, country, snaps, marijuana e acima de tudo o o rock'n' roll que emanou desse álbum marcou história. Uma joia para ouvir várias vezes.

Disco Imortal: Journey – Frontiers (1983)

 

Colômbia, 1983

Muitas coisas podem ser ditas sobre o chamado rock melódico ou AOR, mas que ele teve um significado, isso é indiscutível. São várias as gerações que reconhecem certas bandas que se agarraram a este ritmo e que nos deram canções potentes, várias delas essenciais. E uma dessas bandas cruzadas é o Journey. Em 1976, Neal Schon certamente não tinha intenção de evoluir do rock mais progressivo que experimentaram no início, para algo mais vulcânico e explosivo, o que se consolidou em Journey com a chegada em 1978 de Steve Perry, que daria ao grupo tal um selo que até hoje, só de ouvir sua voz, sabemos do que se trata: uma banda que emplacou os rankings na primeira onda dos anos 80 com músicas que, na atualidade, são totalmente válidas, e várias delas estão contidas no álbum “Fronteiras”.

Já com o álbum anterior, “Escape”, a banda alcançou um cunho diferenciado e tremendo sucesso, lançando os primeiros clássicos de seu repertório como “Who's Crying Now”, “Don't Stop Believin'” e a imortal “Open Arms”. . A vara estava em alta na criatividade e disposição de cada integrante, cada um cumprindo seu papel com perfeição.

E aí se aventuram com “Frontiers”, que abre com as teclas inconfundíveis de Jonathan Cain em uma das canções símbolo, essencial para quem gosta de rock. “Separate Ways” é um bastião dos anos 80 e é obrigatório quando você menciona essa banda de San Francisco. A faixa é pura força e há uma entrega vocal completa de Perry que nos convida, através do ritmo, a continuar explorando as maravilhas que estão no disco. Em seguida, o ataque é “Send Her My Love”, uma balada histórica, onde a voz de Steve é ​​tão elegante, matizada com um ótimo trabalho de Schon. Um tema feito por esses 2 monstros. Rock retorna com “Chain Reaction”, uma música criada para levantar o seu ânimo. Temos 3 músicas e a alma está totalmente em alta. Seguimos com a quarta faixa, “After the Fall”, com grandes refrões e um refrão elaborado. Continuamos recebendo uma aula de rock!

Ficamos sentimentais com “Faithfully”, uma canção em que Perry se afirma como o rei da balada melódica, distinguindo-se para sempre acima do resto dos seus contemporâneos. Deixamos os lenços de lado e subimos os decibéis para nos deliciarmos com “Edge of the Blade”, um corte mais rockado onde Neal brilha no final. Baixando um pouco a energia, surgem "Trouble Child" e "Back Talk", onde Steve soa mais agressivo e as seis cordas atingem um bom estouro. A faixa que dá título ao álbum soa original mas sem fugir de um som que seria clássico para a banda, e tudo termina com "Rubicon", uma boa música onde o grito antes do solo é o toque final perfeito para um álbum que mantém the spirits up. , que reforçou a banda sobre Survivor ou Toto, e que até hoje segue em turnê e lotando casas de shows.

Como muitos, acho que Steve Perry foi e será a alma da banda e que seus sucessores não conseguiram chegar a esse patamar, não só vocalmente, mas também na identificação desse artista com um estilo que ele assumiu. através deste registro. “Frontiers” é um marco na discografia desses deuses do hard melódico.

Fleet Foxes – Shore (2020)

 

Shore é um disco belo. Respeitemos portanto a vontade do pai de António Lobo Antunes e tenhamos amor às coisas belas.

Três anos se passaram desde Crack-Up, na minha humilde e potencialmente enviesada opinião, melhor disco desse ano e quarto para a redação Altamont. E volto ao enviesada ali em cima só para o explicar melhor – num fã devoto o discernimento nem sempre é o melhor, pelo que ficam avisados que todo este texto tem um elevado potencial de exagero. Having said that, o álbum é uma maravilha. :-D

Robin Pecknold, génio que mexe todos os cordelinhos na banda e que desta vez até se assumiu como co-produtor do disco escreveu um longo statement sobre todo o processo de elaboração do mesmo, que aconselho ser lido por todos que se interessem minimamente pela banda. Do mesmo vou retirar um pequeno excerto porque me parece ser totalmente adequado para com este cantinho onde vos escrevo – o Altamont: “Music is both the most inessential and the most essential thing. We don’t need music to live, but I couldn’t imagine life without it.” Nós também não imaginamos. E a propósito disto relembrar um episódio ocorrido no festival Paredes de Coura de 2018, no qual, após um concerto sublime dos Foxes, Pecknold chama um jovem com quem andou a trocar mensagens via instagram e lhe oferece o seu próprio casaco. Momentos que ficarão para sempre.

Entremos então Shore adentro, e destacar antes de mais a origem do título do mesmo – tal como descrito no seu statement, Pecknold quis fazer um álbum “que fosse sentido como um alívio, o sentimento de colocar os pés na areia após um difícil momento de ter sido apanhado em correntes marítimas.” São 15 músicas que compõem o disco, com duração de 55 minutos, lançadas nas plataformas no equinócio, minuciosamente no minuto de ocorrência do mesmo (o objecto físico que contem a música só chega às lojas em Fevereiro de 2021, algo que o meu cérebro de velho ainda não consegue perceber a lógica, mas adiante).

O arranque é super suave, e logo aparece uma voz que não a de Pecknold, o que nos faz olhar novamente para o aparelho de onde a música sai para certificar que se trata mesmo de Fleet Foxes. Surpreendendo tudo e todos, eis que para abertura das hostes a banda convocou Uwade Akhere como cantora principal da canção e Georgiana Leithauser, Frederika Leithauser (filhas de Hamilton Leithauser) Juliet e Faye Butters como coro, afastando logo ali o cenário vai ser mais do mesmo. Depois Pecknold atira-nos “Sunblind”, uma ode a uma semi-extensa lista de pessoas que o influenciaram mas já nos abandonaram, cravando assim de uma forma clara, qual tatuagem, o seu nome na história dos Foxes. Richard Swift, John Prine, Jude Sill, Elliott Smith, David Berman, Curtis Mayfield, Jeff Buckley e Otis Redding são alguns dos citados, dando destaque a American Water, obra prima dos Silver Jews de Berman. É, apesar de falar de falecidos, uma canção que celebra a sua vida e legado, e como tal festiva e grandiloquente.

Seguimos com uma “Can I Believe You?” na mesma toada, folk vivaça e quiçá a mais próxima do registo inicial da banda, com momentos de pára arranca a meio e intensidade nos píncaros. No miolo é onde o disco é mais molengão, “Featherweight” leva-nos para um conforto e mantinha que nos adormece suavemente e só voltamos a acordar três músicas depois com as mais ritmadas “Maestranza” e “Young Man’s Game”, esta última com o regresso do coro infantil e dos sopros. “I’m Not My Season” é Pecknold vintage a fazer lembrar a pérola “Oliver James” no primeiro disco, praticamente voz e guitarra a ecoarem e a deixarem-nos arrepiados. Mais para o fim temos mais duas participações extra, Tim Bernardes canta um verso em português do Brasil em “Going-to-the-Sun Road” enquanto que em “Cradling Woman, Cradling Mother” é um snipet de Brian Wilson nas sessões de Pet Sounds que é utilizada no arranque, dando às canções uma aura ainda maior e arrebatadora.

Robin Pecknold sempre foi conhecido pelo seu perfeccionismo atroz, e este trabalho está um labor de artesão, conjugando vários intervenientes vocais, um quarteto de sopros, o coro de garotas, letras bem conseguidas e dando vivacidade à base folk no qual a banda sempre se movimentou. Shore é objecto fruto de pandemia e como tal olha para o mundo e para a sua escuridão respondendo com beleza, aceitação e luz. Todos precisamos disso para seguir com a nossa vidinha.

Benjamim – Vias de Extinção (2020)

O nome continua enganador. Não se fiem nele. Benjamim já por cá anda há algum tempo e agora deu um pulo. Cresceu, mudou de rumo, avançou em direção ao passado e deve ter-se divertido à grande.

Apesar de não ter muitos discos publicados, a verdade é que são já alguns os anos de criação, de estrada, de gravações em nome próprio (se assim se pode dizer) e também para outros músicos. Compõe, toca, canta, grava, produz, Luís Nunes (este sim é o seu nome) é um homem irrequieto. Felizmente. Em inglês, apresentou-se como Walter Benjamin (não confundir com o ensaísta judeu alemão), e em português como Benjamim, embora também já se tenha feito acompanhar em disco com o amigo Barnaby Keen. Depois do celebrado Auto Rádio (2015), eis que Benjamim regressa aos escaparates das lojas com o recentíssimo Vias de Extinção. Dele fazem parte oito canções que não chegam a ocupar quarenta minutos do nosso tempo. Se o disco é curto em termos de número de faixas, é longo o prazer que retiramos de quase todas elas. Talvez se estranhe de início, mas também é certo que todos sabemos (e não é de agora) que o que nos pode parecer esquisito ou desusado, muitas vezes acaba por nos assentar como uma luva. É dar-lhe tempo, que quando a qualidade existe, acabará por vir à tona.

O Benjamim Luís Nunes já referiu em entrevistas anteriores ao lançamento de Vias de Extinção, que a base deste novo disco foi feita com um sintetizador velhinho, dos anos 80, o conhecido Roland Jupiter 6. Assim sendo, estranha-se a ausência de guitarras, é certo, mas a mudança do dedilhar das cordas para as teclas trouxe coisas novas à música do nosso bom artista. Uma espécie de regresso a um passado que não lhe conhecíamos, mas que nos agrada e nos agarra pelas melodias, e ainda por uma certa dose de soturnidade que o disco tem, que vai tendo cada vez mais à medida que avançamos nele até ao seu final “suspirado”. No seu todo, o álbum é noturno, romântico, boémio até.

Já lhe conhecíamos alguns singles, que a moda agora é mostrar as mangas antes do fato se apresentar completo e bem escovado. O primeiro foi “Vias de Extinção”, seguindo-se “Domingo”. Em ambos, reinam as diferenças que os separam. A canção que dá título ao disco parece vinda de um certo caos interior, encostando-se ao jeito das baladas singelas, malandras, retrôs. A segunda, no entanto, vai num sentido algo oposto. É mais estarola, mais a dar à anca, divertida, por vezes a roçar o kitsch, sobretudo naqueles sons iniciais bem particulares. No entanto, os temas mais conseguidos (é isso que nos dizem os nossos ouvidos) serão outros. “A Guerra Peninsular”, desde logo, merece destaque, não só por abrir o disco, mas por ser, sobretudo, uma canção de belos contornos instrumentais, mas também um tema enunciador do que podemos esperar dos seguintes sete. O longo instrumental inicial gera uma certa tensão que se estende e desenvolve até à derradeira “Serviço de Despertar”. Marca o álbum, e isso é sinal de caráter, de qualidade distintiva. “Urgência Central” é outro belíssimo momento, dos melhores de Vias de Extinção, com aqueles largos momentos finais de separação, de abandono face ao que ficou para trás. Talvez a letra da canção explique o final da mesma…

Muito se brinca em Vias de Extinção (no sentido sério da expressão, como é óbvio) com as teclas, com os sintetizadores, com o AKAI MPC, com Farfisas e Mellotrons. Os primeiros momentos de “Segunda-Feira” são a maior prova cabal do que dizemos, assim como os instantes finais da mesma. “Ângulo Morto” lembra Orchestral Manoeuvres In The Dark e é bem boa. O mesmo se pode dizer de “Incógnito”, essa bonita dedicatória a um dos lugares sagrados da nossa noturna e dançante Lisboa. Estamos na pista de dança quando a ouvimos, embora sem os apertos suados do mítico espaço da Poiais de São Bento.

Vias de Extinção é mais um triunfo de Benjamim. Saibamos ouvir o que nos propõe para que possamos retirar dele a sua beleza um tanto ou quanto fora de moda. Em “Serviço de Despertar” canta-se a palavra “arriscar”. É o que se espera de um artista, e foi isso que Benjamim nos deu. Ainda bem que assim foi.

Kanye West – 808s & Heartbreak (2008)

 

Uma nova era do hip-hop começou com este disco: melódica e melancólica, anestesiada em auto-tune, onde o vazio interior pós-fama vale mais do que qualquer ouro ao pescoço.

A primeira década do novo milénio pertence inteiramente a Kanye West: primeiro como produtor gourmet (Jay-Z, Beyoncé, Alicia Keys), depois como rapper em nome próprio (The College Dropout, Late Registration e Graduation), em ambos os casos manipulando com mestria samples de soul  vintage.

Até que Kanye surpreende tudo e todos com 808s & Heartbreak, um corte abrupto com a sua estética anterior: mais synthpop do que hip-hop, mais cantado do que “rapado”, com poucos samples e muito auto-tune. Kanye já antes fora introspectivo e burguês, numa clara oposição aos valores do gangsta rap (e destronando-o num célebre duelo com 50 Cent); mas nada nos permitiria adivinhar a devastação emocional do que viria a seguir: uma elegia comovente pela morte da sua mãe e uma catarse violenta pelo fim do seu noivado.

Nada por aqui é feito ao acaso. Os baixos 808, muito nítidos e espessos, são o seu coração ferido a palpitar. Os acordes menores, piano dolente e sintetizadores fúnebres enchem de mágoa as bonitas melodias. A sensação de espaço, decorrente do minimalismo dos arranjos, representa o seu vazio interior (o que sobra de si depois da voragem do luxo e da fama). As percussões tribais e sincopadas, muito destacadas na mistura, têm tanto de raiva como de vaidade, dando uma grandiosidade épica à sua desolação. A voz irreal, encharcada em auto-tune, é a de um robô melancólico por se saber não humano.

Quando o 808s & Heartbreak saiu, a crítica torceu o nariz, confundida com a sua mudança de direcção. Agora, olhando para trás, traçando o seu impacto – primeiro Drake, depois Future, por fim, toda a gente -, percebemos melhor a sua grandeza. Uma nova era do hip-hop começou com este disco: melódica e melancólica, anestesiada em auto-tune, onde a morte interior pós-fama vale mais que qualquer ouro ao pescoço. Não podemos escapar à era do vazio. Mas podemos saborear a música de fundo.

Lianne La Havas – Lianne La Havas (2020)

 

Na hora de decidir se este é o “melhor” projeto de Lianne La Havas, o subjetivismo impera. No entanto, sem retirar o valor intrínseco às outras experiências da artista londrina, Lianne La Havas parece ser o trabalho mais bem conseguido da autora.

Lianne La Havas é uma daquela artistas que tem melhor prestações live do que em estúdio. Com a frase anterior, não pretendo insinuar que a britânica tem mais dificuldades em demonstrar a sua arte no interior de quatro paredes acústicas do que em espaços abertos, porque isso está longe de ser verdade.

Lianne La Havas é uma personificação de música, da sua música. É essa a ideia com que ficamos, por exemplo, quando assistimos ao seu A Take Away Show, de 2011, da produtora francesa La Blogothèque. Nesse vídeo, um utilizador do Youtube comentou “God, she’s like a walking poem. Beautiful.”, e todos sentimos isso. É um regalo assistir às live performances de La Havas um pouco por toda a internet; melhor ainda será vê-la, em carne e osso, em cima de um palco, a cantar com as suas mãos leves, mas poderosas, a segurar uma guitarra.

2020. Ao longo dos últimos meses, Lianne tem surgido em muitos home concerts, nos quais tem apresentado algumas das canções que formam o seu mais recente álbum, o homónimo Lianne La Havas. Numa altura em que a realização de concertos e tours é limitada por “aquilo que sabemos”, os artistas têm optado por realizar espetáculos gravados no interior das suas casas, e foi nesse contexto que, numa primeira fase, o novo trabalho de Lianne chegou às suas “plateias”.

Lianne La Havas é o terceiro registo deste poema andante britânico. É o sucessor de Blood, lançado em 2015, e de Is Your Love Big Enough, de 2012. Esteticamente, Lianne La Havas é o trabalho mais forte da artista londrina. A capa do LP, uma fotografia da própria a preto e branco, tem contornos icónicos. Acaba por ser interessante o facto de Lianne La Havas ser um álbum que se foca num breakup doloroso e apresentar uma capa tão feliz e cheia de esperança – um sorriso.

Ao todo, Lianne ofereceu-nos 52 minutos de rock, que se mistura com pop, que se mistura com R&B, que se mistura com jazz. Dessa mistura resulta um álbum equilibrado e harmonioso, em que os momentos mais calmos e dóceis (“Paper Thin”) fazem braço de ferro com faixas mais poderosas e intensas (“Weird Fishes”… sim, dos Radiohead).

No interior destas 12 canções, vive muita música, mas isso, lá está, não pode ser novidade. No entanto, o que surpreende neste feito musical de Lianne é a sua capacidade de controlo vocal e instrumental. A referência à cover de Radiohead que a artista fez não foi em vão, visto que este é, provavelmente, o melhor momento do álbum; pelo menos, o mais poderoso. “Weird Fishes”, na ordem das faixas, sucede ao calmo e pacífico interlúdio “Out Of Your Mind” (onde ficamos com a sensação de que estamos a sonhar acordados), e, aquecendo os nossos sentimentos, faz com que eles, depois, explodam. Em “Weird Fishes” tudo é forte e bruto, e, ao mesmo tempo, límpido: a bateria inicial, o baixo que segue todos os momentos da canção, e a voz, aqui rouca, de Lianne, que, perto do fim da faixa, arranja forças para formar uma montanha vocal perfeitamente harmoniosa.

Em Lianne La Havas, os nomes das faixas são escolhidos a dedo. Os títulos fazem-nos sorrir, confortam-nos, pois são fiéis àquilo que a música, na experiência auditiva, oferece. “Can’t Fight” (lembra a pop do início dos 2000, talvez… a melhor pop?), “Courage” e a derradeira “Sour Flower” exemplificam essa sensação.

Estamos perante um trabalho com muita qualidade. Na hora de decidir se este é o “melhor” projeto de La Havas, o subjetivismo impera. No entanto, sem retirar o valor intrínseco às outras experiências da artista londrina, Lianne La Havas parece ser o trabalho mais bem conseguido da autora. É moderno e distinto (de certa forma) daquilo que é produzido no atual panorama da música pop. Corresponde a um trabalho sincero, sendo que é essa sinceridade que os nossos sentidos captam no processo de audição, que, quando termina, dá-nos uma imensa sensação de calma e tranquilidade.

Lianne La Havas faz-nos sentir e sorrir, sem que nós nos apercebamos disso. Realmente, é assim que o trabalho acaba: com um riso longínquo, mas próximo, de Lianne… “That’s it! It’s done!”. Por alguma razão, Lianne La Havas é um dos melhores álbuns do ano.

“49TH BIRTHDAY BLUES” É O NOVO SINGLE DE CABRITA

 

Cabrita, músico e produtor há mais de 34 anos e com uma extensa discografia, lança um novo single “49th birthday blues“. Este tema surge depois de editar o seu disco de estreia (o homónimo “Cabrita” de 2020) e antecipa o lançamento do seu segundo disco a solo, que terá novamente o selo Omnichord Records.

“49th birthday blues” é uma contemplação feita em solidão, uma reflexão sobre a fugacidade do tempo, mas convida na mesma ao passo de dança e ao festejo, não deixando de ser uma celebração.

É nesta ambiguidade e dicotomia do tema que surgiu também a vontade de estabelecer uma parceria para a realização do videoclipe oficial com a COLA Animation (cooperativa de animação recentemente nomeada ao Oscar de Melhor Curta-Metragem de Animação com o filme “Ice Merchants” de João Gonzalez).

MOACYR LUZ E PIERRE ADERNE RESGATAM O IMAGINÁRIO DA ANTIGA BOÉMIA DE COPACABANA

 

“Saudade é coisa rara. Chega devagarinho”. É com esse verso que os cariocas Moacyr Luz e Pierre Aderne, lançam esta segunda feira, 15 de maio, o single “Prado Junior”, primeira faixa do álbum “Mapa dos Rios”, que será disponibilizado no final do mês de maio.

Gravada entre Lisboa e o Rio de Janeiro, assim como todas as músicas inéditas do álbum, a faixa tem letra de Pierre Aderne. O cantor conta as memórias de alguns dos lugares da cidade carioca e fala das saudades que sente da vida no Rio de Janeiro. “Tive oito diferentes endereços em Copacabana, entre os vinte e os 25 anos. Acordei um dia em Lisboa, lembrando de minha vida em Copa, das ruas e dos personagens que conheci no bairro”, conta Pierre. “O poema pousou no papel em poucos minutos, enviei para Moa, que num par de par de horas o vestiu com melodia”, completa.

 

A música chega acompanhada de um video que se passa dentro de um táxi, que circula pelas ruas do Rio de Janeiro. Durante as cenas, Pierre e Moacyr, regressam à cidade carioca do seu imaginário, décadas antes, reencontrando esquinas da memória, ruas por onde viveu, abraçando amigos de longa data e resgatando a alegria complexa do samba e da prosa dos botecos